Rezumatele oamenilor. Rezumate populare Destinele tragice ale poeților epocii de argint pe scurt

1. Principalele realizări artistice în poezie la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea.

2. M. I. Tsvetaeva

3. A. A. Ahmatova

4. N. S. Gumiliov

5. S. A. Yesenin

6. V. V. Maiakovski

7. O. E. Mandelstam

Poeții „Epocii de Argint” au lucrat în vremuri foarte grele, o perioadă de catastrofe și răsturnări sociale, revoluții și războaie. Poeții din Rusia în acea epocă tulbure, când oamenii uitau ce era libertatea, trebuiau adesea să aleagă între creativitate liberă și viață. Au fost nevoiți să treacă prin suișuri și coborâșuri, victorii și înfrângeri. Creativitatea a devenit o salvare și o ieșire, poate chiar o evadare din realitatea sovietică care îi înconjura. Sursa de inspirație a fost Patria Mamă, Rusia.

Mulți poeți au fost deportați în afara țării, trimiși la muncă silnică, alții au fost pur și simplu împușcați. Dar, în ciuda tuturor acestor împrejurări, poeții au continuat să facă minuni: au fost create replici și strofe minunate.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, cultura rusă a intrat într-un nou, relativ scurt, dar extrem de bogat în fenomene artistice vibrante. Timp de aproximativ un sfert de secol - de la începutul anilor 1890. până în octombrie 1917 - literalmente toate aspectele vieții rusești au fost radical actualizate - economie, politică, știință, tehnologie, cultură, artă. Literatura s-a dezvoltat nu mai puțin intens.

Tranziția de la epoca literaturii ruse clasice la noul timp literar s-a remarcat prin natura departe de pașnică a vieții culturale și intraliterare generale, o schimbare rapidă - conform standardelor secolului al XIX-lea - a liniilor directoare etnice și o schimbare radicală. reînnoirea tehnicilor literare. Poezia rusă a fost reînnoită deosebit de dinamic în această perioadă, din nou - după epoca Pușkin - ajungând în prim-planul vieții culturale generale a țării. Mai târziu, această poezie a fost numită „renașterea poetică” sau „Epoca de argint”.

Principalele realizări artistice în poezie la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. au fost asociate cu activitățile artiștilor mișcărilor moderniste - simbolism, acmeism și futurism.

Simbolism

Simbolismul este prima și cea mai semnificativă dintre mișcările moderniste din Rusia. Pe baza timpului formării și a caracteristicilor poziției ideologice în simbolismul rus, se obișnuiește să se distingă două etape principale. Poeții care și-au făcut debutul în anii 1890 sunt numiți „simboliști seniori” (V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, D. E. Merezhkovsky, Z. N. Gippius, F. K. Sologub etc.). În anii 1900 Noi forțe s-au revărsat în simbolism, actualizând semnificativ aspectul mișcării (A. A. Blok, Andrei Bely (B. N. Bugaev), V. I. Ivanov etc.). „Al doilea val” de simbolism se numește „simbolism mai tânăr”. Simboliștii „senii” și „mai tineri” erau despărțiți nu atât de vârstă, cât de diferența de viziuni asupra lumii și de direcția creativității.

Simbolismul a încercat să creeze o nouă filozofie a culturii și, după ce a trecut printr-o perioadă dureroasă de reevaluare a valorilor, a căutat să dezvolte o nouă viziune universală asupra lumii. După ce au depășit extremele individualismului și subiectivismului, simboliștii din zorii noului secol au pus problema rolului social al artistului într-un mod nou și au început să se îndrepte către crearea unor astfel de forme de artă, a căror experiență ar putea unește din nou oamenii.

crearea unor astfel de forme de artă, a căror experiență ar putea uni din nou oamenii. În ciuda manifestărilor externe de elitism și formalism, simbolismul a reușit în practică să umple opera cu forma artistică cu un conținut nou și, cel mai important, să facă arta mai personală. Simbolul a fost principalul mijloc de exprimare poetică a semnificațiilor secrete contemplate de artiști.

Acmeism

Acmeismul (din grecescul akme - cel mai înalt grad de ceva; înflorire; vârf; vârf) a apărut în anii 1910. într-un cerc de tineri poeți, inițial apropiat de simbolism. Impulsul pentru apropierea lor a fost opoziția față de practica poetică simbolistă, dorința de a depăși speculativitatea și utopismul teoriilor simboliste. În octombrie 1911, a fost înființată o nouă asociație literară - „Atelierul poeților”. N. S. Gumilyov și S. M. Gorodetsky au devenit șefii „Atelierului”. Din cercul larg de participanți la „Atelier”, s-a remarcat un grup de acmeiști mai restrâns și mai unificat din punct de vedere estetic: N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, S. M. Gorodetsky, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich și V. I. Narbut. Semnificația principală în poezia Acmeismului este explorarea artistică a lumii diverse și vibrante. Acmeiștii apreciau elemente de formă precum echilibrul stilistic, claritatea picturală a imaginilor, compoziția precisă și precizia detaliilor. În poeziile acmeiștilor s-au estetizat marginile fragile ale lucrurilor și s-a afirmat o atmosferă „casnică” de admirare a „lucrurilor drăguțe”.

Programul Acmeist i-a unit pe scurt pe cei mai semnificativi poeți ai acestei mișcări. Până la începutul Primului Război Mondial, cadrul unei singure școli poetice s-a dovedit a fi prea mic pentru ei și fiecare dintre acmeiști a mers pe drumul său.

Futurism

Futurismul (din latinescul futurum - viitor) a apărut aproape simultan în Italia și Rusia. Pentru prima dată, futurismul rus s-a manifestat public în 1910, când a fost publicată prima colecție futuristă „Tancul de pescuit al judecătorilor” (autorii ei au fost D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov și V. V. Kamensky).

Futurismul s-a dovedit a fi productiv din punct de vedere creativ: i-a făcut pe oameni să experimenteze arta ca pe o problemă, a schimbat atitudinea față de problema inteligibilității și incomprehensibilitatii în artă. O consecință importantă a experimentelor futuriste este realizarea faptului că neînțelegerea sau înțelegerea incompletă în artă nu este întotdeauna un dezavantaj, ci uneori o condiție necesară pentru o educație deplină. În acest sens, însăși introducerea în artă este înțeleasă ca muncă și co-creație, urcând de la nivelul consumului pasiv la nivelul viziunii existențiale-lume.

Oameni talentați, inteligenți, educați care s-au implicat în știință și artă în țara noastră au avut soarte grele. M. A. Tsvetaeva, A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov, V. V. Mayakovsky, S. A. Yesenin, O. E. Mandelstam - toți acești poeți au avut o soartă foarte grea, plină de pierderi și privațiuni.

Țvetaeva Marina Ivanovna (1892-1941)

Marina Tsvetaeva s-a născut la Moscova pe 26 octombrie 1892 într-o familie extrem de cultă, devotată intereselor științei și artei. Tatăl ei, Ivan Vladimirovici Tsvetaev, profesor la Universitatea din Moscova, un renumit filolog și critic de artă, a devenit mai târziu directorul Muzeului Rumyantsev și fondatorul Muzeului de Arte Frumoase (acum Muzeul de Stat de Arte Frumoase numit după A.

director al Muzeului Rumyantsev și fondator al Muzeului de Arte Frumoase (acum Muzeul de Stat de Arte Plastice numit după A. S. Pușkin).

Mama mea provenea dintr-o familie polono-germană rusificată și era o pianistă talentată și talentată din punct de vedere artistic. Ea a murit încă tânără în 1906, iar creșterea a două fiice, Marina și Anastasia, și fratele lor vitreg Andrei a devenit opera tatălui lor profund iubitor. A încercat să ofere copiilor o educație temeinică, cunoașterea limbilor europene, încurajând în orice mod posibil cunoașterea clasicilor literaturii și artei interne și străine.

La vârsta de șaisprezece ani, Marina Tsvetaeva a făcut singură o excursie la Paris, unde a urmat un curs de literatură franceză veche la Sorbona. În timp ce studia în gimnaziile private din Moscova, ea s-a distins nu atât prin asimilarea disciplinelor din programul obligatoriu, cât prin amploarea intereselor sale culturale generale.

Deja la vârsta de șase ani, Marina Tsvetaeva a început să scrie poezie și, în plus, nu numai în rusă, ci și în franceză, în germană. Și când avea optsprezece ani, a lansat prima ei colecție „Album de seară” (1910), care cuprindea practic tot ce era scris pe banca elevului. Colecția a fost remarcată și au apărut recenzii.

Valery Bryusov a fost unul dintre primii care au răspuns la „Albumul de seară”. El a scris: „Poeziile Marinei Tsvetaeva... sunt întotdeauna trimise dintr-un fapt real, din ceva cu adevărat experimentat”. Și mai hotărât a salutat apariția cărții lui Tsvetaeva, poetul, criticul și eseistul subtil Maximilian Voloshin, care locuia la acea vreme la Moscova. El a considerat chiar necesar să o viziteze pe Tsvetaeva acasă. O conversație obișnuită și plină de sens despre poezie a marcat începutul prieteniei lor - în ciuda diferenței mari de vârstă.

„Albumul de seară” a fost urmat de alte două colecții: „Finarul magic” (1912) și „Din două cărți” (1913), publicate cu ajutorul prietenului de tineret al lui Tsvetaeva, Serghei Efron, cu care s-a căsătorit în 1912.

Cele două cărți pre-revoluționare ale ei ulterioare continuă și dezvoltă motivele versurilor de cameră. Și, în același timp, au pus deja bazele capacității viitoare de a folosi cu pricepere gama emoțională largă a vorbirii poetice native. Aceasta a fost o ofertă fără îndoială pentru maturitatea poetică.

Țvetaeva nu a înțeles și nu a acceptat Revoluția din octombrie. Abia mult mai târziu, deja în exil, a reușit să scrie cuvinte care sunau ca o amară condamnare a ei înșiși: „Recunoașteți, treceți, respingeți Revoluția - oricum, ea este deja în voi - și din veșnicie... Nici o singură majoră. Poet rus al vremurilor noastre care, după Revoluție, vocea nu a tremurat și nu a crescut, nu.” Dar ea nu și-a dat seama ușor.

Continuând să trăiască în literatură și pentru literatură, Țvetaeva a scris mult, cu pasiune. Poeziile ei la acea vreme sunau afirmând viața și majore. Numai în cele mai grele momente i-au putut scăpa următoarele cuvinte: „Dă-mi pace și bucurie, lasă-mă să fiu fericit, vei vedea cum pot face asta!” În acești ani, Editura de Stat a publicat două cărți de Tsvetaeva: „Versturi” (1921) și poezia de basm „Tsar-Maiden” (1922).

(1921) și poezia de basm „Făioța-Țarului” (1922).

În mai 1922, i s-a permis să plece în străinătate la soțul ei, Serghei Efron, un fost ofițer al Armatei Albe care s-a trezit în exil, pe atunci student la Universitatea din Paris. Ea a locuit în Republica Cehă mai bine de trei ani și la sfârșitul anului 1925 s-a mutat cu familia la Paris. La începutul anilor 1920, a fost publicat pe scară largă în reviste de emigranți albi. S-au putut publica cărțile „Poezii către Blok”, „Separare” (ambele în 1922), „Psyche. Romantici”, „Meșteșuguri” (ambele în 1923), poezia de basm „Bine făcut” (1924). În curând, relația lui Tsvetaeva cu cercurile emigranților s-a înrăutățit, ceea ce a fost facilitat de atracția ei tot mai mare pentru Rusia („Poezii pentru fiul meu”, „Țara mamă”, „Tânjul de patrie”, „Demult...”, „Celiuskiniți” etc. .). Ultima colecție de poezii pe viață - „După Rusia. 1922-1925” - publicată la Paris în 1928.

Într-unul dintre cele mai grele momente ale ei, Marina Cvetaeva a scris cu amărăciune: „...Cititorul meu rămâne în Rusia, unde poeziile mele nu ajung. În emigrare, ei mă tipăresc mai întâi (în căldura momentului!), apoi, venind în fire, mă scot din circulație, simțind că nu este al lor - este acolo!” Ea a cunoscut începutul celui de-al Doilea Război Mondial în mod tragic, după cum o dovedește ultimul ciclu poetic al lui Tsvetaeva, „Poezii pentru Republica Cehă” (1938 - 1939), asociat cu ocuparea Cehoslovaciei și pătruns de ura față de fascism.

În vara anului 1939, după șaptesprezece ani de viață de emigrare, după ce a primit cetățenia sovietică, Marina Tsvetaeva s-a întors în țara natală. La început locuiește la Moscova, i se oferă posibilitatea de a face traduceri și pregătește o nouă carte de poezie.

În iulie 1941, Tsvetaeva a părăsit Moscova și a ajuns în regiunea împădurită Kama, în Yelabuga. Aici, într-un orășel, sub greutatea nenorocirilor personale, singură, într-o stare de depresie psihică, se sinucide pe 31 august 1941.

Așa se termină tragic drumul vieții poetului, al cărui întreg destin a stabilit legătura organică, inevitabilă, a marelui talent sincer cu soarta Rusiei.

Marina Tsvetaeva a lăsat o moștenire creativă semnificativă: cărți de poezie lirică, șaptesprezece poezii, optsprezece drame în versuri, autobiografice, memorii și proză istorică și literară, inclusiv eseuri și schițe filozofice și critice. La aceasta trebuie adăugat un număr mare de litere și înregistrări de jurnal. Numele Marina Tsvetaeva este inseparabil de istoria poeziei ruse. Puterea poemelor ei nu constă în imaginile vizuale, ci în fluxul fermecat al ritmurilor în continuă schimbare, flexibile și implicante.

Din gama largă de teme lirice, în care toată lumea, parcă într-un singur centru, converge spre iubire - în diferite nuanțe ale acestui sentiment capricios - este necesar să evidențiem ceea ce pentru Tsvetaeva rămâne cel mai important, profund, determinant totul. Ea este o poetă a începutului național rus.

Creativitatea perioadei de emigrare este impregnată de un sentiment de furie, dispreț și ironia mortală cu care stigmatizează întreaga lume emigrantă. În funcție de aceasta, caracterul stilistic al vorbirii poetice.

Moștenitoare directă a structurii tradiționale melodice și chiar cântătoare, Tsvetaeva respinge hotărât orice melodie, preferând ei compactitatea vorbirii nervoase, aparent născute spontan, subordonată doar condiționat defalcării în strofe.

Vetaeva respinge hotărât orice melodie, preferându-i compactitatea vorbirii nervoase, aparent născute spontan, subordonate doar condiționat defalcării în strofe. Oda ei „Lauda celor bogați”, „Oda mersului” și multe alte poezii de natură acuzatoare militară sunt impregnate de puterea uimitoare a sarcasmului.

Există și lucrări cu caracter personal, liric, dar în ele apare același protest aprig împotriva bunăstării mic-burgheze. Chiar și o poveste despre propria soartă se transformă într-un reproș amar și uneori furios adresat stăpânilor bine hrăniți și mulțumiți de ei înșiși. Deci, în ciclul scurt „Fabrică”, deci în tripticul „Poet”, în poemul „Avanposturi” și multe altele.

Un loc special în moștenirea lui Tsvetaeva este ocupat de poeziile ei. În esență, un monolog fierbinte, ascuțit, uneori încetinind, alteori accelerând ritmul rapid. Este cunoscută pasiunea ei pentru dramaturgia poetică. Interesul pentru teatru și drama a determinat-o pe Tsvetaeva să creeze tragediile „Ariadna” (1924) și „Ferda” (1927), scrise pe baza unui mit antic.

În istoria generală a poeziei ruse, Marina Tsvetaeva va ocupa întotdeauna un loc demn. Adevărata inovație a discursului ei poetic a fost întruchiparea firească în cuvinte a unei zvâcniri, mereu în căutarea adevărului, spirit neliniştit. Poetul celui mai mare adevăr al sentimentului, Marina Țvetaeva, cu toată soarta ei grea, cu toată furia și unicitatea talentului ei original, a intrat pe bună dreptate în poezia rusă din prima jumătate a secolului nostru.

Mergi, arătând ca mine, cu ochii în jos. le-am coborât și eu! Trecător, oprește-te! Citește - orbirea puiului Și culegând un buchet de maci - Că mi-au zis Marina, Și ce vârstă aveam. Să nu credeți că aici este mormânt, că voi apărea, amenințător... Eu însumi am iubit prea mult, Râzând când nu trebuia! Și sângele mi-a năvălit pe piele, Și buclele mi s-au ondulat... Eram și eu acolo, trecător! Trecător, oprește-te!

Rupe-ți o tulpină sălbatică Și o boabă după el, - Nu există căpșuni de cimitir Mai mare și mai dulce. Dar pur și simplu nu sta îmbufnat, cu capul atârnat pe piept. Gândește-te ușor la mine, uită ușor de mine.

Cum te luminează fasciculul! Ești acoperit de praf de aur...

După ce familia părinților s-a despărțit în 1905, mama și copiii s-au mutat la Evpatoria, de acolo la Kiev. Acolo Akhmatova a absolvit gimnaziul și în 1907 a intrat la facultatea de drept a cursurilor superioare pentru femei din Kiev. În 1910 s-a căsătorit cu N.S. Gumilyov. A fost cu el în 1910 și 1911 la Paris, iar în 1912 în Italia. În 1012, s-a născut singurul fiu - L. N. Gumilyov, un istoric și etnograf celebru.

Potrivit memoriilor lui Akhmatova, ea a scris primele poezii la vârsta de 11 ani, dar acestea nu au fost păstrate. Prima poezie a fost publicată în 1907 în revista pariziană Sirius, publicată de N. S. Gumilyov, dar apoi a urmat o pauză până în 1911.

Apoi Akhmatova a început să publice în mod regulat în publicațiile din Sankt Petersburg și Moscova. În martie 1912, a fost publicată prima culegere de poezii intitulată „Seara”.

numită „Seara”. Aici încep să apară trăsăturile care i-au determinat reputația creatoare de mulți ani.

„Seara” a fost un succes semnificativ, dar adevărata faimă a ajuns poetei după publicarea colecției de poezii „Rozariul” (1914). În ciuda situației nefavorabile (câteva luni mai târziu a început războiul), „Margele Rozariu” au câștigat o mare popularitate.

În poezia timpurie a lui Ahmatov, se poate vedea în mod clar atât o repulsie față de multe dintre trăsăturile creative dezvoltate de simbolism, cât și o continuare a acelor tradiții care au făcut din simbolism cea mai vizibilă mișcare poetică a începutului secolului al XX-lea. Poeziile lui Akhmatova evită exotismul și „universalitatea” romantică în descrierea semnelor realității, înlocuindu-le cu o specificitate extremă a descrierilor care sunt strâns legate de viața de zi cu zi. Simțind legătura dintre poezia lui Ahmatova și principiile poetice ale celor mai mari poeți ai simbolismului rus, în special Blok, care a fost subliniată de poetesă în inscripția dedicată a colecției „Margele de Rozariu” prezentată lui Blok:

De la tine mi-a venit anxietatea și capacitatea de a scrie poezie.

Aparținând numărului de poeți acmeiști și dezvoltând multe principii ale acmeismului în poemele ei, Akhmatova este în același timp împovărată de disciplina care domnește în rândurile lor.

Dar, în același timp, principiile interne ale poeziei lui Ahmatova se străduiesc din ce în ce mai mult să pună în aplicare gravitatea inerentă acmeismului pentru a realiza oportunitățile din cuvânt de a extinde bogăția istorică și culturală.

A treia colecție de poezii a lui Ahmatova, Turma albă (1917), se remarcă prin extinderea repertoriului tematic al poetei. În această carte, un loc proeminent a început să fie ocupat de subiecte legate nu numai de experiențele personale, ci și strâns legate de evenimentele războiului și revoluția care se apropie. În poezii, există o schimbare decisivă în maniera poetică a lui Ahmatova, intonațiile conversației obișnuite sunt înlocuite cu intonații odice, profetice, care implică și o schimbare a versului. În același timp, poezia vremii „Pachet alb” este din ce în ce mai saturată de citate din versurile vremii lui Pușkin. Acest lucru ne permite să evidențiem un „strat Pușkin” special în opera lui Akhmatova, care devine din ce în ce mai saturat cu timpul.

În poezia lui Ahmatova găsim și răspunsuri la evenimentele contemporane, în special la cele politice. Un loc special printre aceste răspunsuri îl ocupă poeziile scrise la scurt timp după Revoluția din octombrie. În poezia „Când în angoasa sinuciderii...” (1917), care într-o ediție ulterioară începe cu versul „Am avut o voce. A chemat consolator...”, vorbește deschis despre respingerea de către poetesă a evenimentelor revoluționare, dar în același timp - despre imposibilitatea de a părăsi Patria Mamă, fiind departe de ea în zilele proceselor.

În 1918 - 1923, poezia lui Ahmatova s-a bucurat de un mare succes, poeziile ei au fost retipărite de multe ori, dar la mijlocul anilor 20 a început o lungă tăcere, care a durat până la mijlocul anilor '30.

Poeziile scrise de Akhmatova între 1917 și 1941 arată clar că nu imediat, nici dintr-o dată, muza ei lirică s-a obișnuit cu noua realitate, a început să sune la unison cu sentimentele pe care le-a trăit în prima parte tulbure a secolului postării sale. -Era octombrie.

puteri pe care le-a trăit în prima parte agitată a secolului a erei sale post-octombrie.

Versurile lui Akhmatova aparțin complet erei lor și le-au absorbit în sine. Timpul a înzestrat-o cu generozitate cu fericire și tristețe, atenție entuziastă din partea admiratorilor talentului ei și acuzații nedrept de dure privind ostilitatea muzei sale față de oameni, bucuria prieteniei și un sentiment de tristă singurătate.

În 1935, fiul lui Ahmatova, Lev Nikolaevich Gumilyov, a fost arestat. Anna Andreevna a petrecut șaptesprezece luni la cozile de închisoare (fiul ei a fost arestat de trei ori - în 1935, 1938 și 1949). Împreună cu toți oamenii, poetesa a trăit tragedia represiunilor lui Stalin. Și când una dintre femeile care stăteau lângă ea a întrebat în șoaptă: „Poți să descrii această multiplicare?”, Akhmatova a răspuns: „Pot”.

Așa s-au născut poeziile care au alcătuit împreună „Requiem”. Ciclul „Requiem” nu există izolat în poezia poetesei. Lumea poeziei lui Ahmatova este o lume a tragediei. Motivele nenorocirii și tragediei în poezia timpurie sunt întruchipate ca motive personale.

A iubi Patria nu este deloc ușoară pentru Akhmatova: pe pământul ei natal a trebuit să experimenteze un chin incomparabil. Nu poate fi decât uimit că persecutată, stropită cu șuvoaie de calomnie, trăind oroarea lipsei de apărare în fața durerii care a cuprins-o, Ahmatova nu a aruncat nici măcar un reproș Patriei.

Cea mai importantă piatră de hotar pe calea creativă a lui Ahmatova a fost 1941, începutul Marelui Război Patriotic.

Războiul a găsit-o pe Akhmatova la Leningrad, care până în toamnă devenise un oraș de primă linie, iar poetesa, la fel ca toți leningradanții, a dus prin cele 900 de zile ale blocadei curaj și forță fără precedent în istoria omenirii.

Dragostea pentru Rusia a salvat-o pe poetesă în 1917 de tentația de a pleca în străinătate, în emigrare. Dragostea pentru țara natală, iubirea întărită de experiența și înțelepciunea anilor grei trăiți, a adus-o pe poetesa rusă Anna Akhmatova în cercul poeților sovietici ruși.

Vorbind despre poeziile lui Ahmatova scrise în anii războiului, notând și evidențiind patosul lor civic și patriotic, ar fi greșit să păstrăm tăcerea despre faptul că în acești ani și luni, poezii dictate de disperare și de un sentiment aprins de singurătate tragică s-au rupt adesea. prin, ca ecourile trecutului.

Dar această descoperire în marea lume a vieții populare, a cărei expresie a fost versurile patriotice ale lui Ahmatova din 1941-1945, nu a trecut fără urmă în biografia ei creativă.

Ca o continuare firească a versurilor patriotice din anii de război, poeziile „Copiii vorbesc”, „Cântecul păcii”, „Parcul Victoriei pe malul mării” scrise în anii ’50 au fost auzite într-o perioadă diferită, pașnică.

Concomitent cu poezia, Akhmatova a fost angajată în traduceri ale poeților clasici mondiali, a poeziei populare și a poeziilor poeților moderni.

Ca urmare a unei vieți grele trăite, rândurile finale ale autobiografiei, scrise de Ahmatova în prefața culegerii de poezii publicate în 1961, sună: „Nu am încetat niciodată să scriu poezie. Pentru mine, ele reprezintă legătura mea cu timpul, cu noua viață a poporului meu. Când le-am scris, am trăit după ritmurile care au răsunat în istoria eroică a țării mele. Sunt fericit că am trăit în acești ani și am văzut evenimente care nu au avut egal.”

a mâncat evenimente care nu au avut egal.”

Am învățat să trăiesc simplu, cu înțelepciune, Să privesc cerul și să mă rog lui Dumnezeu, Și să rătăcesc mult înainte de seară, Să obosesc neliniștea inutilă, Când brusturele foșnesc în râpă Și ciorchinul de rowan galben-roșu. fructele de pădure cade, compun poezii vesele Despre viața coruptibilă, coruptibilă și frumoasă. Ma intorc. O pisică pufoasă îmi linge palma, toarcă dulce, Și un foc strălucitor se aprinde pe turnul unui gater din lac, Doar din când în când strigătul unei barze care a zburat pe acoperiș taie prin liniște. Și dacă bati la ușa mea, mi se pare că nici nu voi auzi. 1912

Gumiliov Nikolai Stepanovici (1886-1921)

Gumilyov Nikolai s-a născut în 1886 la Kronstadt, în familia unui medic naval. Curând, tatăl său s-a pensionat, iar familia s-a mutat la Tsarskoe Selo. Gumilyov a început să scrie poezii și povești foarte devreme, iar primele sale poezii tipărite au apărut în ziarul Tiflis Leaf din Tiflis, unde familia sa stabilit în 1900. Trei ani mai târziu, Gumilyov s-a întors la Tsarskoe Selo și a intrat în clasa a VII-a a gimnaziului Nikolaev, al cărei director era minunatul poet și profesor I. F. Annensky, care a avut o mare influență asupra elevului său. Gumiliov a studiat prost, mai ales în științele exacte; el s-a recunoscut devreme ca poet și și-a stabilit succesul în literatură ca singurul său scop.

La sfârșitul anului 1903, a cunoscut-o pe liceanul A. A. Gorenko, viitoarea Anna Akhmatova. Sentimentul pentru ea a determinat în mare măsură imaginile feminine ale primei culegeri de poezii, „Calea cuceritorilor” (1905), unde a fost creată imaginea definitorie a poeziei lui Gumiliov, un cuceritor singuratic care a contrastat lumea lui cu realitatea plictisitoare.

În 1906, după absolvirea liceului, poetul a plecat la Paris, unde a urmat cursuri la Sorbona și a studiat literatura franceză, pictura și teatrul. În 1908, a fost publicată a doua colecție, „Flori romantice”, dedicată lui A. A. Gorenko. V. Ya. Bryusov a remarcat, în ciuda naturii studentești a cărții, priceperea, fără îndoială, sporită a poetului.

În mai 1908, Gumiliov s-a întors în Rusia și a început să vorbească ca critic în ziarul Rech. Interesul său pentru Orient a determinat o călătorie de două luni în Egipt în toamna anului 1908. În același timp a intrat la Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg, iar în 1909 a fost transferat la Facultatea de Istorie și Filologie. Publică poezii, povestiri, note critice. În rubrica „Scrisori despre poezia rusă”, pe care a scris-o în mod constant, Gumilyov și-a exprimat părerile despre aproape toate colecțiile importante de poezie publicate în 1909 - 1916, iar majoritatea previziunilor sale despre dezvoltarea indivizilor s-au dovedit a fi exacte.

În decembrie 1909, Gumilev a plecat pentru câteva luni în Abisinia. Întorcându-se la Sankt Petersburg, a publicat o colecție de poezii, „Perle” (1910), care i-a adus faimă largă.

Controversa aprinsă în jurul simbolismului a scos la iveală o criză profundă în această mișcare literară. Ca reacție la simbolism, a apărut o nouă mișcare literară - Acmeismul, creat de N. Gumilev și S. Gorodetsky. Acmeiştii s-au opus nu numai simboliştilor, ci şi futuriştilor.

Prima lucrare acmeistă a lui Gumilyov a fost considerată a fi poemul „Fiul risipitor”, scris în 1911 și inclus în prima carte „acmeistică” de poezii, „Alien Sky” (1912), publicată un an mai târziu.

Poezia „Fiul risipitor”, scrisă în 1911 și inclusă în prima carte „acmeistică” de poezii „Alien Sky” (1912), publicată un an mai târziu, a fost considerată opera literară a lui Gumilyov.

Primul Război Mondial a rupt ritmul obișnuit al vieții. Nikolai Gumiliov s-a oferit voluntar să meargă pe front. Curajul și disprețul său față de moarte erau legendare. Premiile rare pentru un steag - premiile „George” ale doi soldați – servesc drept cea mai bună confirmare a faptelor militare. Nu degeaba a fost numit poet-războinic. El a văzut și a recunoscut oroarea războiului din interior, a arătat-o ​​în proză și poezie, iar o oarecare romantizare a bătăliei și a isprăvii a fost o trăsătură a lui Gumilev - un poet și un om cu un principiu pronunțat, rar, regal, atât în ​​poezie, cât și în viaţă.

La sfârșitul anului 1915 a fost publicată colecția „Tolbă”, care, ca și basmul dramatic „Copilul lui Allah” (1917) și poemul dramatic „Gondola” (1917), mărturisește întărirea principiului narativ din Gumiliov. muncă. În „Quiver” începe să apară o nouă temă pentru Gumilyov - „despre Rusia”.

Revoluția din octombrie l-a găsit pe Gumiliov în străinătate. A trăit la Londra și Paris, a studiat literatura orientală, a tradus și a lucrat la drama „Tunica otrăvită”. În mai 1918 s-a întors la Petrograd. A fost surprins de atmosfera literară tensionată din acea vreme. Gumiliov a fost atras de M. Gorki să lucreze la editura „Literatura Mondială”, a predat în studiouri literare și a predat la institute. În 1919, a publicat o colecție de poezii, „Focul de tabără”, care a fost considerată una dintre cele mai frumoase și emoționante. În 1921, a fost publicată cartea „Pillar of Fire”, dedicată celei de-a doua soții a lui Gumilyov, A. N. Engelgard.

Viața lui Gumiliov s-a încheiat tragic în august 1921. „Crima” lui Gumiliov a fost că „nu a informat autoritățile sovietice că i s-a oferit să se alăture unei organizații de ofițeri conspiratori, pe care a refuzat-o categoric”. Nu există alte materiale care să-l expună pe Gumiliov într-o conspirație antisovietică. Motivele comportamentului lui Gumilyov sunt consemnate în protocolul de interogatoriu: prietenul său, cu care a studiat și a fost pe front, a încercat să-l implice într-o organizație antisovietică. Prejudecățile onoarei de ofițer nobil, așa cum a afirmat el, nu i-au permis să meargă „cu un denunț”.

Gumilev și-a construit viața ca o apropiere de idealul Poetului: ani de ucenicie și disciplină strictă, extindere treptată și în același timp concretizare a lumii imaginilor sale. În ultima sa, Gumilyov se concentrează asupra mișcărilor spirituale profunde asociate cu experiența acută a modernității și cu un sentiment de anxietate tragică.

Un artist excelent, a lăsat o moștenire literară interesantă și semnificativă și a avut o influență incontestabilă asupra dezvoltării ulterioare a poeziei ruse. Studenții și adepții săi, alături de înalt romantism, se caracterizează prin cea mai mare precizie a formei poetice, atât de apreciat de însuși Gumiliov, unul dintre cei mai buni poeți ruși ai începutului de secol XX.

Când din abisul întunecat al vieții a zburat duhul Meu mândru, recăpătându-și vederea, O melodie tristă-dulce a răsunat la sărbătoarea de înmormântare. Și în sunetele acestei melodii, aplecate peste sicriul de marmură, fecioarele îndurerate îmi sărutau buzele și fruntea palidă.

sicriul încadrat încadrat, fecioarele îndurerate mi-au sărutat buzele și fruntea palidă. Iar eu, din eterul strălucitor, Aducându-mi aminte de bucuriile mele, M-am întors din nou la marginile lumii La chemarea iubirii dornice. Și m-am răspândit cu flori, cu strălucirea transparentă a șuvoaielor sonore, pentru ca cu buzele parfumate ale Pământului să le întorc sărutul.

Esenin Serghei Alexandrovici (1895 - 1925)

Yesenin s-a născut într-o familie de țărani. Din 1904 până în 1912 a studiat la Școala Konstantinovsky Zemstvo și la Școala Spas-Klepevsky. În acest timp, a scris peste 30 de poezii și a compilat o colecție scrisă de mână „Gânduri bolnave” (1912), pe care a încercat să o publice în Ryazan. Satul rusesc, natura Rusiei centrale, arta populară orală și, cel mai important, literatura clasică rusă au avut o influență puternică asupra formării tânărului poet și i-au ghidat talentul natural. Esenin însuși a numit în diferite momente diferite surse care i-au alimentat opera: cântece, cântece, basme, poezii spirituale, „Lay of Igorevna’s Host”, poezia lui Lermontov, Nikitin și Nadson. Mai târziu a fost influențat de Blok, Klyuev, Bely, Gogol, Pușkin.

Din scrisorile lui Yesenin din 1911-1913 reiese viața complexă a poetului. Toate acestea s-au reflectat în lumea poetică a versurilor sale din 1910 până în 1913, când a scris peste 60 de poezii și poezii. Aici se exprimă dragostea lui pentru toate lucrurile vii, pentru viață, pentru patria sa.

Încă de la primele versuri, poezia lui Yesenin include teme despre patrie și revoluție. Lumea poetică devine mai complexă, multidimensională, imaginile biblice și motivele creștine încep să ocupe un loc semnificativ în ea.

În 1915, Yesenin a venit la Petrograd, s-a întâlnit cu Blok, care a apreciat „proaspătul, pur, zgomotos”, deși poemele „verboze” ale „talentatului poet nugget țărănesc”, l-au ajutat, l-au prezentat scriitorilor și editorilor.

Yesenin devine celebru, este invitat la seri de poezie și saloane literare.

La începutul anului 1916 a fost publicată prima carte „Radunița”, care cuprindea poezii scrise de Yesenin în anii 1910-1915. Opera poetului din 1914-1917 este complexă și contradictorie. Baza viziunii despre lume a lui Yesenin este coliba cu toate atributele ei. Colibele, înconjurate de garduri de vaci și legate între ele printr-un drum, formează un sat. Iar satul, limitat de periferie, este Rusul lui Yesenin, care este rupt de lumea mare de păduri și mlaștini.

În lumea poetică pre-revoluționară a lui Yesenin, lui Rus are multe fețe: „îngândurat și tandru”, smerit și violent, sărac și vesel, sărbătorind „sărbătorile învingătoare”. În poemul „Nu ai crezut în Dumnezeul meu” (1916), poetul îl numește pe Rus „prințesa adormită”, la „credința veselă” căreia el însuși este acum dedicat. În poemul „Nori din colier...” (1916), poetul pare să prezică o revoluție - „transformarea” Rusiei „prin chin și cruce” și un război civil.

Dar poetul credea că va veni o vreme când toți oamenii vor deveni frați. De aici și dorința de armonie universală, de unitate a tuturor lucrurilor de pe pământ. Prin urmare, una dintre legile lumii lui Yesenin este metamorfoza universală (care l-a condus ulterior pe poet la Imagists).

Acolo). Oameni, animale, plante, poezii și obiecte - toate acestea, potrivit lui Yesenin, sunt copii de aceeași natură maternă. El umanizează natura. Prima colecție captivează nu numai prin prospețime și lirism, un simț viu al naturii, ci și prin strălucirea sa figurativă. Cartea este impregnată de poetică populară (cântec, vers spiritual), limbajul ei dezvăluie multe domenii, cuvinte și expresii locale, ceea ce constituie și una dintre trăsăturile stilului poetic al lui Yesenin.

În a doua jumătate a anului 1916, poetul pregătea o nouă colecție de poezii, „Porumbel”. Există deja multe capodopere lirice autentice în noile sale poezii, cum ar fi poeziile sale despre dragostea strălucitoare și duioasă, pictate în tonuri senzuale - „Nu rătăci, nu te zdrobi în tufișurile purpurie” (1916), „Coarnele cioplite au început să crească. cânta” (1016). Dar semnele altuia - condamnat Rus', prin care rătăcesc „oameni în cătușe”, apar deja mai clar. Eroul versurilor lui Yesenin se schimbă - el este fie un „tânăr tandru”, „un călugăr umil”, apoi un „păcătos”, „un vagabond și un hoț”, „un tâlhar cu bițul” etc. Aceeași dualitate definește și imaginea „huliganului blând” din poemele lui Yesenin din perioada „Tavernei Moscovei” (1924).

Evenimentele din 1917 au provocat o schimbare bruscă în opera poetului; i s-a părut că urmează o eră de mare reînnoire spirituală, „transformare” a vieții și o reevaluare a tuturor valorilor. În acest moment, el creează un ciclu de 10 poezii mici; în ele cântă „Rus’ violent” și slăvește „vara roșie”.

În primăvara anului 1918, Yesenin s-a mutat de la Petrograd la Moscova. Acolo este publicată în sfârșit colecția „Porumbel”, care conține poezii din anii 1916–1917. Apoi poetul a publicat culegeri de poezii „Transfigurarea la Față” (1918), „Cartea de ore rurală” (1918). În 1919, „Cheile Mariei”, în care Yesenin și-a formulat viziunea despre artă, esența și scopul acesteia. Această lucrare a fost acceptată ca un manifest al Imagiștilor, a căror unire a avut loc în 1918 - 1919.

Cele mai semnificative lucrări ale lui Yesenin, care i-au adus faima ca unul dintre cei mai buni poeți, au fost create în anii 1920.

Ca orice mare poet, Yesenin nu este un cântăreț necugetat al trăirilor și experiențelor sale, ci un poet-filosof. Ca orice poezie, versurile lui sunt filozofice. Versurile filozofice sunt poezii în care poetul vorbește despre problemele eterne ale existenței umane, poartă un dialog poetic cu omul, natura, pământul și Universul. Un exemplu de întrepătrundere completă a naturii și a omului este poemul „Coafura verde” (1918). Se dezvoltă în două planuri: mesteacăn - fată. Cititorul nu va ști niciodată despre cine este această poezie - un mesteacăn sau o fată. Pentru că persoana de aici este asemănată cu un copac - frumusețea pădurii rusești, iar ea este ca o persoană. Mesteacănul în poezia rusă este un simbol al frumuseții, perseverenței și tinereții; ea este strălucitoare și castă.

Poezia naturii și mitologia slavilor străvechi pătrund astfel de poezii din 1918 precum „Drumul de argint...”, „Cântece, cântece, despre ce strigi? ", "Eu voi pleca. dragă casă...”, „A început să se învârtească frunzele aurii...”, etc.

Poezia lui Yesenin din ultimii, cei mai tragici ani (1922-1925) este marcată de dorința unei viziuni armonioase asupra lumii.

alinierea. De cele mai multe ori în versuri se simte o înțelegere profundă a sinelui și a Universului („Nu regret, nu sun, nu plâng...”, „Dumbria de aur a descurajat...”, „ Acum plecăm încetul cu încetul...”, etc.).” Nu regret” Nu sun, nu plâng...) - (1922) - unul dintre culmile poeziei lui Yesenin, Poezia aceasta este impregnată de lirism, deschidere spirituală extremă, este plină de „ imagini pământești”, scrise strălucitor și suculent. Alăturarea frazelor din vocabularul poetic al secolului al XIX-lea este surprinzătoare de secol („O, prospețimea mea pierdută”) și „răvălirea ochilor și potop de sentimente” tipic yesenin popular-uman. conținutul poeziei este în același timp concret și condiționat. Alături de detaliile poetice ale lumii pământești („mării albi fumează”, „țara calicotului de mesteacăn”, „primăvara răsunând devreme”) - o imagine mitologică, simbolică - imaginea unui cal roz. Un cal roz este un simbol al răsăritului, primăverii, bucuriei, vieții... Dar un adevărat cal țărănesc în zori devine și el roz în razele soarelui răsărit. Esența acestei poezii este un cântec de recunoștință, o binecuvântare pentru toate ființele vii.

Sistemul de valori din poezia lui Yesenin este unit și indivizibil; totul în ea este interconectat, totul formează o singură imagine a „patriei iubite” în toată diversitatea nuanțelor sale. Acesta este cel mai înalt ideal al poetului. Poetul a înțeles că satul apropiat inimii sale „se estompează Rusia”. 06 acest lucru este evidențiat de poezia sa „Sorokoust” (1920), culegeri de poezii „Treryadnitsa” (1920), „Confesiunea unui huligan” (1921), „Poems of a brawler” (1923), „Moscow Tavern” (1924). ), „Rusia sovietică” (1925) „Țara sovietică” (1925) , „Motive persane” (1925).

Poezia „Anna Snegina” (1925) a devenit în multe privințe lucrarea finală, în care soarta personală a poetului a fost interpretată cu soarta poporului.

S-a stins din viață la 30 de ani, S. A. Yesenin ne-a lăsat o minunată moștenire poetică. Și atâta timp cât pământul trăiește, poetul Yesenin este sortit să trăiască cu noi și să cânte cu toată ființa în poet a șasea parte a pământului cu prenumele „Rus”.

Eu sunt ultimul poet al satului, Podul de promenadă este modest în cântece. În spatele slujbei de rămas bun stau Frunzele de mesteacăn usturătoare. Lumânarea făcută din ceară de carne va arde cu o flacără de aur, Iar ceasul de lemn al lunii îmi va șuieră ceasul al doisprezecelea. Pe poteca câmpului albastru În curând va ieși oaspetele de fier. Fulgi de ovăz, vărsați în zori, își va aduna mâna neagră. Nu vii, palmele altora, Aceste cântece nu vor trăi cu tine! Numai că vor fi urechi de cai Despre bătrânul stăpân să mâhnească. Vântul le va suge nechezatul, Dirge dansând. În curând, în curând ceasul de lemn îmi va croșca ceasul al doisprezecelea! (1920)

Maiakovski Vladimir Vladimirovici (1893-1930)

Vladimir Mayakovsky s-a născut în 1893 în Caucaz într-o familie de pădurar. O copilărie liberă în satul Bagdad, printre munți împăduriți, sub soarele generos din sud, a trezit devreme un sentiment poetic în băiat. Iubea poezia, desena bine, iubea călătoriile lungi.

Evenimentele primei revoluții ruse (1905) au lăsat o amprentă notabilă asupra biografiei viitorului poet. Un elev de clasa a doua la gimnaziu, Volodya Mayakovsky, a luat parte la protestele tinerilor revoluționari și a făcut cunoștință cu literatura social-democrată.

S-a familiarizat cu literatura social-democrată.

După moartea tatălui său, familia sa mutat la Moscova. Viitorul poet a fost angajat în activități revoluționare, a lucrat ca propagandist în rândul muncitorilor și a fost arestat de trei ori. În 1910, Mayakovsky a fost eliberat din închisoarea Butyrka, unde a petrecut 11 luni.

Eliberarea lui Mayakovsky din închisoare a fost în sensul deplin o eliberare în artă. În 1911 a intrat la Școala de Pictură din Moscova. În poeziile timpurii ale lui Mayakovsky, apar contururile unui erou liric, care se străduiește dureros și intens să se cunoască pe sine („Noapte”, „Dimineața”, „Ai putea?”, „Din oboseală”, „Jachetă de voal”). În poeziile „Aici! ", "Pentru tine! „”, „Nu înțeleg nimic”, „Așa am devenit câine” conținut istoric real: aici eroul liric se străduiește în mod conștient să fie „străin” într-o lume străină pentru el. Pentru aceasta, Mayakovsky folosește calitatea caracteristică a grotescului - o combinație de plauzibilitate și fantezie.

În 1913, poetul a lucrat la prima sa operă majoră, un fel de versiune dramatică a versurilor timpurii - tragedia „Vladimir Mayakovsky”. B. Pasternak a scris: „Tragedia s-a numit „Vladimir Mayakovsky”. Titlul a ascuns descoperirea ingenios de simplă că poetul nu este autorul, ci subiectul versurilor, adresându-se lumii la persoana întâi. Titlul nu era numele scriitorului, ci numele de familie al conținutului.”

Punctul culminant al creativității pre-revoluționare a marelui poet este poemul „Nor în pantaloni” (titlul original „Al treisprezecelea apostol”). În această poezie, Mayakovsky se realizează ca un cântăreț al umanității, asuprit de sistemul existent, care se ridică la luptă.

În anii pre-revoluționari, priceperea lui Maiakovski ca satiric a crescut. El creează imnuri satirice („Imnul Judecătorului”, „Imnul sănătății”, „Imnul prânzului”, „Imnul mităi”, „Imnul criticului”).

În ajunul revoluției, poetul scrie poezii „Război și pace” și „Omul” impregnate cu motive de pace și umanism. Premoniția unor răsturnări revoluționare iminente a inspirat încredere în implementarea rapidă a acestor predicții. Maiakovski a prevăzut imaginea morală a viitorului în „Război și pace”; el a crezut că omul viitorului va fi liber. Iar în poezia „Omul” autorul continuă această temă. O persoană liberă, „adevărată” vine pe Pământ, dar ea, „blestemata”, îl îngăduie, opunându-se „oceanelor iubirii”, „porților de aur ale banilor”. Eroul poemului rezistă cu pasiune legilor existenței, iar la finalul lucrării se simte sentimentul prăbușirii inevitabile, iminente, a lumii vechi.

Maiakovski s-a opus cu entuziasm Revoluției din octombrie: „Revoluția mea”, iar acest lucru a determinat natura lucrării sale în perioada post-octombrie. El a căutat să ofere „... un portret eroic, epic și satiric al erei noastre”. Scrie poezii gloriind construcția comunismului, a omului sovietic și a Patriei Socialiste.

În anii 20, poetul a călătorit mult prin țara natală și a vizitat adesea în străinătate. Poeziile străine ale lui Maiakovski sunt o parte importantă a moștenirii sale creatoare.

În 1918, poetul a scris „Mystery-bouffe”, în 1921 - „150.000.000”, în 1923-1924.

an poetul scrie „Mystery-bouffe”, în 1921 - „150.000.000”, în 1923-1924. - „IV Internațional”. În V.I. Lenin, Mayakovsky a văzut întruchiparea modelului ideal al omului viitorului și i-a dedicat poemul „Vladimir Ilici Lenin” (1924).

Poetul a fost un dușman implacabil al filistinismului, iar acest lucru se arată în piesele sale „Ploșnița” (1928) și „Casa de baie” (1929), ale căror personaje au fost incluse în galeria celor mai bune imagini satirice ale teatrului sovietic.

În 1925, poetul a plecat în America. Aceasta a fost a șasea sa călătorie în străinătate. În multe orașe, poetul și-a citit poeziile și a răspuns la întrebările ascultătorilor. Poeziile sale scrise în 1925-1926 sunt larg cunoscute: „Tovarășului Nette - vaporul și omul”, „Alb-negru”, „Poezii despre pașaportul sovietic”, „Povestea lui Khrenov despre Kuznetskstroy și oamenii din Kuznețk”, „ Broadway” și alții.

În 1927, cu ocazia împlinirii a zece ani de la Revoluția din octombrie, poetul a creat poemul „Bine”, care a devenit una dintre cele mai mari realizări ale realismului socialist.

Maiakovski a scris și poezii pentru copii. Un loc aparte în rândul lor îl ocupă poezia „Ce este bine și ce este rău” (1925).

Poetul nu a avut timp să finalizeze poezia planificată despre planul cincinal „În culmea vocii” (1930). S-a scris doar introducerea.

„Sunt poet. Acesta este ceea ce îl face interesant. Despre asta scriu,” - așa își începe poetul autobiografia și așa și-a trăit poetul viața scurtă, dar surprinzător de bogată și vibrantă. „Viața este frumoasă și uimitoare!” - acesta este motivul creativității post-octombrie a lui Mayakovsky. Dar, observând mugurii a ceva nou și frumos în viață, poetul nu se plictisește să-și amintească că „mai sunt încă o mulțime de ticăloși diferiți care se plimbă pe pământul nostru și în jur”. Nu orice poezie rezistă timpului. Dar opera lui Mayakovsky este dominată de ideea nemuririi a ceea ce este creat în lucrările sale, credința în rațiune și recunoștința față de descendenți.

Oricât de tragică ar fi soarta personală a lui Mayakovsky, în istoria literaturii mondiale este greu de punctat un exemplu de corespondență atât de uimitoare între epocă, caracterul ei și personalitatea poetului, esența talentului său, ca și cum creat de istorie pentru vremea când a trăit și a vorbit.

E DE DEPRIME DE BUCURE

Căutăm viitorul. Au fost mile de capete. Și ei înșiși s-au așezat în cimitir, zdrobiți sub lespezile palatelor. Vei găsi o gardă albă și vei merge la zid. L-ai uitat pe Rafael? L-ai uitat pe Rastrelli? Este timpul ca gloanțe să curgă pe zidurile muzeelor. Trage lucruri vechi cu înghițituri de o sută de inci! Semeni moartea în tabăra inamicului. Nu vă prinși, capitalul se angajează. Țarul Alexandru stă în Piața Vosstanii? Dinamite acolo! Au aliniat armele de-a lungul marginii pădurii, surzi la mângâierile Gărzii Albe. De ce nu a fost atacat Pușkin? Dar ceilalți generali clasici? Protejăm gunoiul în numele artei. Sau dinții revoluțiilor au atins coroanele? Mai repede! Curăță fumul peste fabrica de paste de iarnă! Am petrecut o zi sau două trăgând cu arme și ne-am gândit să-l ucidem pe bătrân dimineața. Ce-i asta! Să vă schimbați jacheta afară nu este suficient, tovarăși! Scoate-ți curajul! (1918)

Osip Emilievici Mandelstam (1891 - 1938)

Mandelstam cunoștea adevărata valoare a talentului său poetic. Într-o scrisoare către Yu. N. Tynyanov din 21 ianuarie 1937, el a scris „De un sfert de secol, eu, amestecând lucruri importante cu fleacuri, plutesc pe poezia rusă, dar în curând poeziile mele se vor îmbina cu ea, schimbând ceva în structura și compoziția sa.” .

937, el a scris „De un sfert de secol încoace, eu, amestecând lucruri importante cu fleacuri, plutesc pe poezia rusă, dar în curând poeziile mele se vor îmbina cu ea, schimbând ceva în structura și compoziția ei”. Netrădându-și niciodată chemarea în vreun fel, poetul a preferat în același timp poziția de profet, de preot, în locul celui de a trăi cu oamenii, creând ceea ce oamenii au nevoie urgentă. Răsplata lui a fost persecuția, sărăcia și în cele din urmă moartea. Dar poeziile plătite cu un asemenea preț, nepublicate de zeci de ani, persecutate crunt, au rămas să trăiască – și acum intră în conștiința noastră ca exemple înalte de demnitate și forță de geniu uman.

Osip Emilievich Mandelstam s-a născut pe 3 (15) ianuarie 1891 la Varșovia în familia unui om de afaceri care nu a reușit niciodată să creeze o avere. Dar Sankt Petersburg a devenit orașul natal al poetului: el a crescut aici, a absolvit una dintre cele mai bune din Rusia la acea vreme, Școala Tenishev, apoi a studiat la departamentul romanic-germanic al facultății de filologie a universității. La Sankt Petersburg, Mandelstam a început să scrie poezie, să publice, iar în 1913 a publicat prima sa carte, „Stone”. După ce a părăsit în curând orașul de pe Neva, Mandelstam avea să se întoarcă aici din nou, „în oraș, familiar lacrimilor, venelor, glandelor umflate ale copiilor” - dar de fiecare dată nu se mai întoarce pentru mult timp. Totuși, întâlnirile cu „capitala nordică”, „Petropolisul Transparent”, unde „canalele înguste de sub gheață sunt și mai negre”, vor fi frecvente - în poezii generate de sentimentul implicării de sânge a soartei în soarta nativului. oraș, și admirație pentru frumusețea sa, și simțind semnificația rolului său în istoria nu numai a Rusiei, ci și a lumii.

Se pare că Mandelstam a început să-și încerce poezia în 1907-1908; poeziile sale au fost publicate pentru prima dată în numărul de august al revistei Apollo în 1910. Va trece foarte puțin timp, iar poezia va deveni sensul și conținutul vieții sale.

Era o persoană deschisă, întâlnind cu bucurie oameni la jumătatea drumului, care nu știa să înșele, să se prefacă și mai ales să mintă. Nu a vrut niciodată să-și schimbe darul, preferând libertatea în locul sațietății și confortului: bunăstarea nu era o condiție pentru creativitate pentru el. Nu a căutat nenorocirea, dar nici fericirea nu a căutat. „De ce ți-ai băgat în cap că trebuie să fii fericit?” - spuse el, răspunzând reproșurilor soției sale. A încercat sincer să se încadreze în noua viață, să asculte vocea vieții viitoare din jurul său, dar treptat a simțit opoziția acesteia față de sine. Nu o dată s-a trezit la un pas de moarte. Așa a fost când în 1919, fugind de foame, poetul a părăsit Moscova; Mandelstam a fost arestat de două ori de albi cu acuzații ridicole și numai datorită unor circumstanțe norocoase a reușit să scape. Nu s-a eschivat și în 1934, arestat sub acuzația că a scris poezii în care s-au rostit cuvinte dure nemaiauzite împotriva lui Stalin, nu s-a gândit să fie viclean, semnând astfel propriul mandat de moarte.

Este greu de găsit un poet în istoria literaturii ruse a cărui soartă a fost la fel de tragică ca cea a lui Mandelstam. După ce și-a ispășit termenul de exil la Voronej, Mandelstam s-a întors la Moscova în mai 1937, dar a trecut mai puțin de un an până când a fost arestat a doua oară sub acuzația absurdă de activități contrarevoluționare și trimis într-un lagăr din Orientul Îndepărtat, unde a a murit curând.

la Moscova, dar trecuse mai puțin de un an până când a fost arestat a doua oară sub acuzația absurdă de activități contrarevoluționare și trimis într-un lagăr din Orientul Îndepărtat, unde a murit curând. În certificatul oficial primit de văduva poetului se menţionează că acesta a murit la 27 decembrie 1938.

În memoria celor care l-au cunoscut pe Mandelstam, a rămas un exemplu de om care și-a îndeplinit cu curaj datoria și, prin urmare, nu și-a pierdut niciodată stima de sine. Poeziile sale, născute din fericirea de a trăi pe pământ, gânduri profunde despre timp și om și aruncarea tragică în așteptarea morții care îl va atinge, ne convin și de acest lucru. Ele sunt întotdeauna profund umane, oferind cititorului bucuria de a întâlni adevăratul - înalt și frumos! - artă: Movilele capetelor oamenilor se retrag în depărtare, mă micșoresc acolo - nimeni nu mă va observa, Dar în cărțile blânde și în jocurile copiilor mă voi ridica din nou să spun că soarele strălucește.

Vârsta mea, fiara mea, cine va putea să se uite în pupilele tale și să lipească cu sângele lui vertebrele a două secole? Sângele constructorului ţâşneşte prin gât din lucrurile pământeşti, coloana vertebrală nu tremură decât în ​​pragul zilelor noi. Făptura, atâta timp cât este destulă viață, trebuie să ducă creasta, Iar valul se joacă cu coloana vertebrală nevăzută. Ca un cartilaj delicat, un copil, vârsta pământului infantil. Din nou coroana vieții a fost jertfită, ca un miel. Pentru a smulge un secol din captivitate, Pentru a începe o lume nouă, Genunchii zilelor pline de noduri trebuie legați cu un flaut. Această vârstă leagănă valul cu melancolie omenească, Iar în iarbă vipera respiră cu măsura epocii de aur. Și mugurii se vor umfla, verdeața va încolți, Dar coloana vertebrală ți-e frântă, Frumosa mea vârstă jalnică! Și cu un zâmbet fără sens te uiți înapoi, crud și slab, Ca un animal cândva flexibil, la urmele propriilor sale labe. Sângele constructorului țâșnește prin gât din lucrurile pământești, Și ca un pește aprins, pune pe mal cartilajul cald al mărilor. Și din plasa înaltă de păsări, din blocurile umede azurii, indiferența se revarsă asupra vânătăii tale muritoare. 1922

Începutul secolului al XX-lea... Următorul vârtej de tulburări sociale, se pare, ar trebui să măture totul. Dar cu vuietul armelor - ruso-japonez, primul război mondial și alte războaie - muzele nu tac. Văd, aud, simt bătând inimile înroșite ale poeților, ale căror poezii au izbucnit acum în viața noastră. Au intrat și este puțin probabil să fie uitate. „Epoca de argint” este o perioadă de metafore vii, o căutare neobosită a sensului profund al cuvintelor, sunetelor și frazelor.

„Epoca de argint”... Un cuvânt uimitor de încăpător care a definit cu exactitate o întreagă perioadă în dezvoltarea versurilor rusești. Revenirea romantismului? Evident, într-o oarecare măsură acest lucru este adevărat. În general, aceasta este nașterea unei noi generații de poeți, mulți dintre ei au părăsit patria care i-a respins, mulți dintre ei au murit sub pietrele de moară ale războiului civil și ale nebuniei staliniste. Dar Tsvetaeva avea dreptate, exclamând:

Poeziile mele, asemenea vinurilor prețioase, vor avea rândul lor!

Și a venit. Mulți se uită acum din ce în ce mai îndeaproape la aceste pagini, descoperind adevăruri mărețe care au fost păzite vigilent timp de decenii de privirile indiscrete. Ma bucur ca sunt printre acesti multi.

Bibliografie

1) Bykova N. G. Manual pentru școlari.

2) Lucrări alese. A. Blok, V. Mayakovsky, S. Yesenin. Colegiul editorial: Belenkiy G.I., Puzikov A.I., Sobolev L.I., Nikolaev P.A.

3) Krasovsky V. Ya., Ledenev A. V. Manualul solicitantului.

4) Pronina E. P. Literatura rusă a secolului al XX-lea.

5) Poezia rusă a secolului XIX - începutul secolului XX. Redacție: Belenky G. A., Puzikov A. I., Shcherbina V. R., Nikolaev P. A.

6) Poezia sovietică rusă. Redacție: Belenkiy G.I., Puzikov A.I., Sobolev L.I., Litvinov V.M.

1. Principalele realizări artistice în poezie la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea.

2. M. I. Tsvetaeva

3. A. A. Ahmatova

4. N. S. Gumiliov

5. S. A. Yesenin

6. V. V. Maiakovski

7. O. E. Mandelstam

Poeții „Epocii de Argint” au lucrat în vremuri foarte grele, o perioadă de catastrofe și răsturnări sociale, revoluții și războaie. Poeții din Rusia în acea epocă tulbure, când oamenii uitau ce era libertatea, trebuiau adesea să aleagă între creativitate liberă și viață. Au fost nevoiți să treacă prin suișuri și coborâșuri, victorii și înfrângeri. Creativitatea a devenit o salvare și o ieșire, poate chiar o evadare din realitatea sovietică care îi înconjura. Sursa de inspirație a fost Patria Mamă, Rusia.

Mulți poeți au fost deportați în afara țării, trimiși la muncă silnică, alții au fost pur și simplu împușcați. Dar, în ciuda tuturor acestor împrejurări, poeții au continuat să facă minuni: au fost create replici și strofe minunate.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, cultura rusă a intrat într-un nou, relativ scurt, dar extrem de bogat în fenomene artistice vibrante. Timp de aproximativ un sfert de secol - de la începutul anilor 1890. până în octombrie 1917 - literalmente toate aspectele vieții rusești au fost radical actualizate - economie, politică, știință, tehnologie, cultură, artă. Literatura s-a dezvoltat nu mai puțin intens.

Tranziția de la epoca literaturii ruse clasice la noul timp literar s-a remarcat prin natura departe de pașnică a vieții culturale și intraliterare generale, o schimbare rapidă - conform standardelor secolului al XIX-lea - a liniilor directoare etnice și o schimbare radicală. reînnoirea tehnicilor literare. Poezia rusă a fost reînnoită deosebit de dinamic în această perioadă, din nou - după epoca Pușkin - ajungând în prim-planul vieții culturale generale a țării. Mai târziu, această poezie a fost numită „renașterea poetică” sau „Epoca de argint”.

Principalele realizări artistice în poezie la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. au fost asociate cu activitățile artiștilor mișcărilor moderniste - simbolism, acmeism și futurism.

Simbolism

Simbolismul este prima și cea mai semnificativă dintre mișcările moderniste din Rusia. Pe baza timpului formării și a caracteristicilor poziției ideologice în simbolismul rus, se obișnuiește să se distingă două etape principale. Poeții care și-au făcut debutul în anii 1890 sunt numiți „simboliști seniori” (V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, D. E. Merezhkovsky, Z. N. Gippius, F. K. Sologub etc.). În anii 1900 Noi forțe s-au revărsat în simbolism, actualizând semnificativ aspectul mișcării (A. A. Blok, Andrei Bely (B. N. Bugaev), V. I. Ivanov etc.). „Al doilea val” de simbolism se numește „simbolism junior”. Simboliștii „senii” și „mai tineri” erau despărțiți nu atât de vârstă, cât de diferența de viziuni asupra lumii și de direcția creativității.

Simbolismul a încercat să creeze o nouă filozofie a culturii și, după ce a trecut printr-o perioadă dureroasă de reevaluare a valorilor, a căutat să dezvolte o nouă viziune universală asupra lumii. După ce au depășit extremele individualismului și subiectivismului, simboliștii din zorii noului secol au pus problema rolului social al artistului într-un mod nou și au început să se îndrepte către crearea unor astfel de forme de artă, a căror experiență ar putea unește din nou oamenii. În ciuda manifestărilor externe de elitism și formalism, simbolismul a reușit în practică să umple opera cu forma artistică cu un conținut nou și, cel mai important, să facă arta mai personală. Simbolul a fost principalul mijloc de exprimare poetică a semnificațiilor secrete contemplate de artiști.

Acmeismul (din grecescul akme - cel mai înalt grad de ceva; înflorire; vârf; vârf) a apărut în anii 1910. într-un cerc de tineri poeți, inițial apropiat de simbolism. Impulsul pentru apropierea lor a fost opoziția față de practica poetică simbolistă, dorința de a depăși speculativitatea și utopismul teoriilor simboliste. În octombrie 1911, a fost înființată o nouă asociație literară - „Atelierul poeților”. N. S. Gumilyov și S. M. Gorodetsky au devenit șefii „Atelierului”. Din cercul larg de participanți la „Atelier”, s-a remarcat un grup de acmeiști mai restrâns și mai unificat din punct de vedere estetic: N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, S. M. Gorodetsky, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich și V. I. Narbut. Semnificația principală în poezia Acmeismului este explorarea artistică a lumii diverse și vibrante. Acmeiștii apreciau elemente de formă precum echilibrul stilistic, claritatea picturală a imaginilor, compoziția precisă și precizia detaliilor. În poeziile acmeiștilor s-au estetizat marginile fragile ale lucrurilor și s-a afirmat o atmosferă „casnică” de admirare a „lucrurilor drăguțe”.

Programul Acmeist i-a unit pe scurt pe cei mai semnificativi poeți ai acestei mișcări. Până la începutul Primului Război Mondial, cadrul unei singure școli poetice s-a dovedit a fi prea mic pentru ei și fiecare dintre acmeiști a mers pe drumul său.

Futurism

Futurismul (din latinescul futurum - viitor) a apărut aproape simultan în Italia și Rusia. Pentru prima dată, futurismul rus s-a manifestat public în 1910, când a fost publicată prima colecție futuristă „Tancul de pescuit al judecătorilor” (autorii ei au fost D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov și V. V. Kamensky).

Futurismul s-a dovedit a fi productiv din punct de vedere creativ: i-a făcut pe oameni să experimenteze arta ca pe o problemă, a schimbat atitudinea față de problema inteligibilității și incomprehensibilitatii în artă. O consecință importantă a experimentelor futuriste este realizarea faptului că neînțelegerea sau înțelegerea incompletă în artă nu este întotdeauna un dezavantaj, ci uneori o condiție necesară pentru o educație deplină. În acest sens, însăși introducerea în artă este înțeleasă ca muncă și co-creație, urcând de la nivelul consumului pasiv la nivelul viziunii existențiale-lume.

Oameni talentați, inteligenți, educați care s-au implicat în știință și artă în țara noastră au avut soarte grele. M. A. Tsvetaeva, A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov, V. V. Mayakovsky, S. A. Yesenin, O. E. Mandelstam - toți acești poeți au avut o soartă foarte grea, plină de pierderi și privațiuni.

Țvetaeva Marina Ivanovna (1892-1941)

Marina Tsvetaeva s-a născut la Moscova pe 26 octombrie 1892 într-o familie extrem de cultă, devotată intereselor științei și artei. Tatăl ei, Ivan Vladimirovici Tsvetaev, profesor la Universitatea din Moscova, un renumit filolog și critic de artă, a devenit ulterior directorul Muzeului Rumyantsev și fondatorul Muzeului de Arte Frumoase (acum Muzeul de Stat de Arte Frumoase numit după A. S. Pușkin) .

Mama mea provenea dintr-o familie polono-germană rusificată și era o pianistă talentată și talentată din punct de vedere artistic. Ea a murit încă tânără în 1906, iar creșterea a două fiice, Marina și Anastasia, și fratele lor vitreg Andrei a devenit opera tatălui lor profund iubitor. A încercat să ofere copiilor o educație temeinică, cunoașterea limbilor europene, încurajând în orice mod posibil cunoașterea clasicilor literaturii și artei interne și străine.

La vârsta de șaisprezece ani, Marina Tsvetaeva a făcut singură o excursie la Paris, unde a urmat un curs de literatură franceză veche la Sorbona. În timp ce studia în gimnaziile private din Moscova, ea s-a distins nu atât prin asimilarea disciplinelor din programul obligatoriu, cât prin amploarea intereselor sale culturale generale.

Deja la vârsta de șase ani, Marina Tsvetaeva a început să scrie poezie și, în plus, nu numai în rusă, ci și în franceză, în germană. Și când a împlinit optsprezece ani, a lansat prima ei colecție, „Evening Album” (1910), care includea practic tot ce a fost scris pe vremea studenției. Colecția a fost remarcată și au apărut recenzii.

Valery Bryusov a fost unul dintre primii care au răspuns la „Albumul de seară”. El a scris: „Poeziile Marinei Tsvetaeva... pornesc întotdeauna de la un fapt real, de la ceva experimentat cu adevărat.” Și mai hotărât a salutat apariția cărții lui Tsvetaeva, poetul, criticul și eseistul subtil Maximilian Voloshin, care locuia la acea vreme la Moscova. El a considerat chiar necesar să o viziteze pe Tsvetaeva acasă. O conversație obișnuită și plină de sens despre poezie a marcat începutul prieteniei lor - în ciuda diferenței mari de vârstă.

„Albumul de seară” a fost urmat de alte două colecții: „Lanterna magică” (1912) și „Din două cărți” (1913), publicate cu ajutorul prietenului de tineret al lui Tsvetaeva, Serghei Efron, cu care s-a căsătorit în 1912.

Cele două cărți pre-revoluționare ale ei ulterioare continuă și dezvoltă motivele versurilor de cameră. Și, în același timp, au pus deja bazele capacității viitoare de a folosi cu pricepere gama emoțională largă a vorbirii poetice native. Aceasta a fost o ofertă fără îndoială pentru maturitatea poetică.

Țvetaeva nu a înțeles și nu a acceptat Revoluția din octombrie. Abia mult mai târziu, deja în exil, a reușit să scrie cuvinte care sunau ca o amară condamnare a ei înșiși: „Recunoașteți, treceți, respingeți Revoluția - oricum, ea este deja în voi - și din veșnicie... Nici o singură majoră. Poet rus al timpului nostru care, după Revoluție, vocea nu a tremurat și nu a crescut - nu. Dar ea nu și-a dat seama ușor.

Continuând să trăiască în literatură și pentru literatură, Țvetaeva a scris mult, cu pasiune. Poeziile ei la acea vreme sunau afirmând viața și majore. Numai în cele mai grele momente i-au putut scăpa următoarele cuvinte: „Dă-mi pace și bucurie, lasă-mă să fiu fericit, vei vedea cum pot face asta!” În acești ani, Editura de Stat a publicat două cărți de Tsvetaeva: „Versturi” (1921) și poezia de basm „Făiața țarului” (1922).

În mai 1922, i s-a permis să plece în străinătate la soțul ei, Serghei Efron, un fost ofițer al Armatei Albe care s-a trezit în exil, pe atunci student la Universitatea din Paris. Ea a locuit în Republica Cehă mai bine de trei ani și la sfârșitul anului 1925 s-a mutat cu familia la Paris. La începutul anilor 1920, a fost publicat pe scară largă în reviste de emigranți albi. S-au putut publica cărțile „Poezii către Blok”, „Separare” (ambele în 1922), „Psyche. Romantici”, „Meșteșug” (ambele în 1923), un poem de basm „Bine făcut” (1924) . În curând, relația lui Tsvetaeva cu cercurile emigranților s-a înrăutățit, ceea ce a fost facilitat de atracția ei tot mai mare pentru Rusia („Poezii pentru fiul meu”, „Patria mamă”, „Tânjul de patrie”, „Demult...”, „Celiuskintsy”, etc. .). Ultima colecție de poezii pe viață - „După Rusia. 1922-1925” - publicată la Paris în 1928.

Într-unul dintre cele mai grele momente ale ei, Marina Cvetaeva a scris cu amărăciune: „...Cititorul meu rămâne în Rusia, unde poeziile mele nu ajung. În emigrare, ei mă tipăresc mai întâi (în căldura momentului!), apoi, venind în fire, mă scot din circulație, simțind că nu este al lor - este acolo!” Ea a cunoscut începutul celui de-al Doilea Război Mondial în mod tragic, dovadă fiind ultimul ciclu poetic al lui Tsvetaeva - „Poezii pentru Republica Cehă” (1938 - 1939), asociat cu ocuparea Cehoslovaciei și ura pătrunsă față de fascism.

În vara anului 1939, după șaptesprezece ani de viață de emigrare, după ce a primit cetățenia sovietică, Marina Tsvetaeva s-a întors în țara natală. La început locuiește la Moscova, i se oferă posibilitatea de a face traduceri și pregătește o nouă carte de poezie.

În iulie 1941, Tsvetaeva a părăsit Moscova și a ajuns în regiunea împădurită Kama, în Yelabuga. Aici, într-un orășel, sub greutatea nenorocirilor personale, singură, într-o stare de depresie psihică, se sinucide pe 31 august 1941.

Așa se termină tragic drumul vieții poetului, al cărui întreg destin a stabilit legătura organică, inevitabilă, a marelui talent sincer cu soarta Rusiei.

Marina Tsvetaeva a lăsat o moștenire creativă semnificativă: cărți de poezie lirică, șaptesprezece poezii, optsprezece drame în versuri, autobiografice, memorii și proză istorică și literară, inclusiv eseuri și schițe filozofice și critice. La aceasta trebuie adăugat un număr mare de litere și înregistrări de jurnal. Numele Marina Tsvetaeva este inseparabil de istoria poeziei ruse. Puterea poemelor ei nu constă în imaginile vizuale, ci în fluxul fermecat al ritmurilor în continuă schimbare, flexibile și implicante.

Din gama largă de teme lirice, în care toată lumea, parcă într-un singur centru, converge spre iubire - în diferite nuanțe ale acestui sentiment capricios - este necesar să evidențiem ceea ce pentru Tsvetaeva rămâne cel mai important, profund, determinant totul. Ea este o poetă a începutului național rus.

Creativitatea perioadei de emigrare este impregnată de un sentiment de furie, dispreț și ironia mortală cu care stigmatizează întreaga lume emigrantă. În funcție de aceasta, caracterul stilistic al vorbirii poetice.

Moștenitoare directă a structurii tradiționale melodice și chiar cântătoare, Tsvetaeva respinge hotărât orice melodie, preferând ei compactitatea vorbirii nervoase, aparent născute spontan, subordonată doar condiționat defalcării în strofe. Puterea uimitoare a sarcasmului este pătrunsă de oda ei „Lauda celor bogați”, „Oda mersului” și multe alte versuri de natură acuzatoare militară.

Există și lucrări cu caracter personal, liric, dar în ele apare același protest aprig împotriva bunăstării mic-burgheze. Chiar și o poveste despre propria soartă se transformă într-un reproș amar și uneori furios adresat stăpânilor bine hrăniți și mulțumiți de ei înșiși. Deci în ciclul mic „Fabrică”, deci în tripticul „Poet”, în poezia „Zastava” și în multe alte feluri.

Un loc special în moștenirea lui Tsvetaeva este ocupat de poeziile ei. În esență, un monolog fierbinte, ascuțit, uneori încetinind, alteori accelerând ritmul rapid. Este cunoscută pasiunea ei pentru dramaturgia poetică. Interesul pentru teatru și dramaturgie a determinat-o pe Tsvetaeva să creeze tragedia Ariadna (1924) și Ferda (1927), bazată pe un mit străvechi.

În istoria generală a poeziei ruse, Marina Tsvetaeva va ocupa întotdeauna un loc demn. Adevărata inovație a discursului ei poetic a fost întruchiparea firească în cuvinte a unei zvâcniri, mereu în căutarea adevărului, spirit neliniştit. Poetul celui mai mare adevăr al sentimentului, Marina Țvetaeva, cu toată soarta ei grea, cu toată furia și unicitatea talentului ei original, a intrat pe bună dreptate în poezia rusă din prima jumătate a secolului nostru.

Mergi, arătând ca mine, cu ochii în jos. le-am coborât și eu! Trecător, oprește-te! Citește - orbirea puiului Și culegând un buchet de maci - Că mi-au zis Marina, Și ce vârstă aveam. Să nu crezi că aici este un mormânt, Că voi apărea, amenințător... Eu însumi am iubit prea mult Să râd când este imposibil! Și sângele s-a repezit pe piele, Și mi-a curbat buclele... Am fost și eu, trecător! Trecător, oprește-te!

Rupe-ți o tulpină sălbatică Și o boabă după el, - Nu există căpșuni de cimitir Mai mare și mai dulce. Dar pur și simplu nu sta îmbufnat, cu capul atârnat pe piept. Gândește-te ușor la mine, uită ușor de mine.

Cum te luminează fasciculul! Ești acoperit de praf de aur...

După ce familia părinților s-a despărțit în 1905, mama și copiii s-au mutat la Evpatoria, de acolo la Kiev. Acolo Akhmatova a absolvit gimnaziul și în 1907 a intrat la facultatea de drept a cursurilor superioare pentru femei din Kiev. În 1910 s-a căsătorit cu N.S. Gumilyov. A fost cu el în 1910 și 1911 la Paris, iar în 1912 în Italia. În 1012, s-a născut singurul fiu - L. N. Gumilyov, un istoric și etnograf celebru.

Potrivit memoriilor lui Akhmatova, ea a scris primele poezii la vârsta de 11 ani, dar acestea nu au fost păstrate. Prima poezie a fost publicată în 1907 în revista pariziană Sirius, publicată de N. S. Gumilyov, dar apoi a urmat o pauză până în 1911.

Apoi Akhmatova a început să publice în mod regulat în publicațiile din Sankt Petersburg și Moscova. În martie 1912 a apărut prima culegere de poezii intitulată „Seara”. Aici încep să apară trăsăturile care i-au determinat reputația creatoare de mulți ani.

„Seara” a fost un succes semnificativ, dar adevărata faimă a ajuns poetei după publicarea culegerii de poezii „Rozariul” (1914). În ciuda situației nefavorabile (câteva luni mai târziu a început războiul), Rozariul a câștigat o mare popularitate.

În poezia timpurie a lui Ahmatov, se poate vedea în mod clar atât o repulsie față de multe dintre trăsăturile creative dezvoltate de simbolism, cât și o continuare a acelor tradiții care au făcut din simbolism cea mai vizibilă mișcare poetică a începutului secolului al XX-lea. Poeziile lui Akhmatova evită exotismul și „universalitatea” romantică în descrierea semnelor realității, înlocuindu-le cu o specificitate extremă a descrierilor care sunt strâns legate de viața de zi cu zi. Simțind legătura dintre poezia lui Ahmatova și principiile poetice ale celor mai mari poeți ai simbolismului rus, în special Blok, care a fost subliniată de poetesă în inscripția dedicată a colecției „Margele de Rozariu” prezentată lui Blok:

De la tine mi-a venit anxietatea și capacitatea de a scrie poezie.

Aparținând numărului de poeți acmeiști și dezvoltând multe principii ale acmeismului în poemele ei, Akhmatova este în același timp împovărată de disciplina care domnește în rândurile lor.

Dar, în același timp, principiile interne ale poeziei lui Ahmatova se străduiesc din ce în ce mai mult să pună în aplicare gravitatea inerentă acmeismului pentru a realiza oportunitățile din cuvânt de a extinde bogăția istorică și culturală.

A treia colecție de poezii a lui Ahmatova, Turma albă (1917), se remarcă prin extinderea repertoriului tematic al poetei. În această carte, un loc proeminent a început să fie ocupat de subiecte legate nu numai de experiențele personale, ci și strâns legate de evenimentele războiului și revoluția care se apropie. În poezii, există o schimbare decisivă în maniera poetică a lui Ahmatova, intonațiile conversației obișnuite sunt înlocuite cu intonații odice, profetice, care implică și o schimbare a versului. În același timp, poezia vremii „Pachet alb” este din ce în ce mai saturată de citate din versurile vremii lui Pușkin. Acest lucru ne permite să evidențiem un „strat Pușkin” special în opera lui Akhmatova, care devine din ce în ce mai saturat în timp.

În poezia lui Ahmatova găsim și răspunsuri la evenimentele contemporane, în special la cele politice. Un loc special printre aceste răspunsuri îl ocupă poeziile scrise la scurt timp după Revoluția din octombrie. În poezia „Când în angoasa sinuciderii...” (1917), care într-o ediție ulterioară începe cu versul „Am avut o voce. A chemat mângâietor...”, poetesa vorbește deschis despre respingerea de către poetesă a evenimentelor revoluționare, dar, în același timp, despre imposibilitatea de a-și părăsi patria, de a fi departe de ea în zilele încercărilor.

În 1918 - 1923, poezia lui Ahmatova s-a bucurat de un mare succes, poeziile ei au fost retipărite de multe ori, dar la mijlocul anilor 20 a început o lungă tăcere, care a durat până la mijlocul anilor '30.

Poeziile scrise de Akhmatova între 1917 și 1941 arată clar că nu imediat, nici dintr-o dată, muza ei lirică s-a obișnuit cu noua realitate, a început să sune la unison cu sentimentele pe care le-a trăit în prima parte tulbure a secolului postării sale. -Era octombrie.

Versurile lui Akhmatova aparțin complet erei lor și le-au absorbit în sine. Timpul a înzestrat-o cu generozitate cu fericire și tristețe, atenție entuziastă din partea admiratorilor talentului ei și acuzații nedrept de dure privind ostilitatea muzei sale față de oameni, bucuria prieteniei și un sentiment de tristă singurătate.

În 1935, fiul lui Ahmatova, Lev Nikolaevich Gumilyov, a fost arestat. Anna Andreevna a petrecut șaptesprezece luni la cozile de închisoare (fiul ei a fost arestat de trei ori - în 1935, 1938 și 1949). Împreună cu toți oamenii, poetesa a trăit tragedia represiunilor lui Stalin. Și când una dintre femeile care stăteau lângă ea a întrebat în șoaptă: „Vrei să descrii acest multiplicator?” , Akhmatova a răspuns: „Pot”.

Așa s-au născut poeziile, care împreună au alcătuit „Requiem”. Ciclul „Requiem” nu există izolat în poezia poetesei. Lumea poeziei lui Ahmatova este o lume a tragediei. Motivele nenorocirii și tragediei în poezia timpurie sunt întruchipate ca motive personale.

A iubi Patria nu este deloc ușoară pentru Akhmatova: pe pământul ei natal a trebuit să experimenteze un chin incomparabil. Nu poate fi decât uimit că persecutată, stropită cu șuvoaie de calomnie, trăind oroarea lipsei de apărare în fața durerii care a cuprins-o, Ahmatova nu a aruncat nici măcar un reproș Patriei.

Cea mai importantă piatră de hotar pe calea creativă a lui Ahmatova a fost 1941, începutul Marelui Război Patriotic.

Războiul a găsit-o pe Akhmatova la Leningrad, care până în toamnă devenise un oraș de primă linie, iar poetesa, la fel ca toți leningradanții, a dus prin cele 900 de zile ale blocadei curaj și forță fără precedent în istoria omenirii.

Dragostea pentru Rusia a salvat-o pe poetesă în 1917 de tentația de a pleca în străinătate, în emigrare. Dragostea pentru țara natală, iubirea întărită de experiența și înțelepciunea anilor grei trăiți, a adus-o pe poetesa rusă Anna Akhmatova în cercul poeților sovietici ruși.

Vorbind despre poeziile lui Ahmatova scrise în anii războiului, notând și evidențiind patosul lor civic și patriotic, ar fi greșit să păstrăm tăcerea despre faptul că în acești ani și luni, poezii dictate de disperare și de un sentiment aprins de singurătate tragică s-au rupt adesea. prin, ca ecourile trecutului.

Dar această descoperire în marea lume a vieții populare, a cărei expresie a fost versurile patriotice ale lui Ahmatova din 1941-1945, nu a trecut fără urmă în biografia ei creativă.

Ca o continuare firească a versurilor patriotice din anii de război, poeziile „Copiii vorbesc”, „Cântecul păcii”, „Parcul Victoriei pe malul mării” scrise în anii ’50 au fost auzite într-o perioadă diferită, pașnică.

Concomitent cu poezia, Akhmatova a fost angajată în traduceri ale poeților clasici mondiali, a poeziei populare și a poeziilor poeților moderni.

Ca urmare a unei vieți grele trăite, rândurile finale ale autobiografiei, scrise de Ahmatova în prefața culegerii de poezii publicate în 1961, sună: „Nu am încetat niciodată să scriu poezie. Pentru mine, ele reprezintă legătura mea cu timpul, cu noua viață a poporului meu. Când le-am scris, am trăit după ritmurile care au răsunat în istoria eroică a țării mele. Sunt fericit că am trăit în acești ani și am văzut evenimente care nu au avut egal.”

Am învățat să trăiesc simplu, cu înțelepciune, Să privesc cerul și să mă rog lui Dumnezeu, Și să rătăcesc mult înainte de seară, Să obosesc neliniștea inutilă, Când brusturele foșnesc în râpă Și ciorchinul de rowan galben-roșu. fructele de pădure cade, compun poezii vesele Despre viața coruptibilă, coruptibilă și frumoasă. Ma intorc. O pisică pufoasă îmi linge palma, toarcă dulce, Și un foc strălucitor se aprinde pe turnul unui gater din lac, Doar din când în când strigătul unei barze care a zburat pe acoperiș taie prin liniște. Și dacă bati la ușa mea, mi se pare că nici nu voi auzi. 1912

Gumiliov Nikolai Stepanovici (1886-1921)

Gumilyov Nikolai s-a născut în 1886 la Kronstadt, în familia unui medic naval. Curând, tatăl său s-a pensionat, iar familia s-a mutat la Tsarskoe Selo. Gumilyov a început să scrie poezii și povești foarte devreme, iar primele sale poezii tipărite au apărut în ziarul Tiflis Leaf din Tiflis, unde familia sa stabilit în 1900. Trei ani mai târziu, Gumilyov s-a întors la Tsarskoe Selo și a intrat în clasa a VII-a a gimnaziului Nikolaev, al cărei director era minunatul poet și profesor I. F. Annensky, care a avut o mare influență asupra elevului său. Gumiliov a studiat prost, mai ales în științele exacte; el s-a recunoscut devreme ca poet și și-a stabilit succesul în literatură ca singurul său scop.

La sfârșitul anului 1903, a cunoscut-o pe liceanul A. A. Gorenko, viitoarea Anna Akhmatova. Sentimentul pentru ea a determinat în mare măsură imaginile feminine ale primei culegeri de poezii, „Calea cuceritorilor” (1905), unde a fost creată imaginea definitorie a poeziei lui Gumiliov, un cuceritor singuratic care a contrastat lumea lui cu realitatea plictisitoare.

În 1906, după absolvirea liceului, poetul a plecat la Paris, unde a urmat cursuri la Sorbona și a studiat literatura franceză, pictura și teatrul. În 1908, a fost publicată a doua colecție, „Flori romantice”, dedicată lui A. A. Gorenko. V. Ya. Bryusov a remarcat, în ciuda naturii studentești a cărții, priceperea, fără îndoială, sporită a poetului.

În mai 1908, Gumilyov s-a întors în Rusia, a început să acționeze ca critic în ziarul Rech. Interesul său pentru Orient a determinat o călătorie de două luni în Egipt în toamna anului 1908. În același timp a intrat la Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg, iar în 1909 a fost transferat la Facultatea de Istorie și Filologie. Publică poezii, povestiri, note critice. În rubrica „Scrisori despre poezia rusă”, pe care a scris-o în mod constant, Gumilyov și-a exprimat opiniile despre aproape toate colecțiile importante de poezie publicate în 1909-1916, iar majoritatea predicțiilor sale despre dezvoltarea indivizilor s-au dovedit a fi exacte.

În decembrie 1909, Gumilev a plecat pentru câteva luni în Abisinia. Revenit la Sankt Petersburg, publică o culegere de poezii „Perle” (1910), care îi aduce o largă faimă.

Controversa aprinsă în jurul simbolismului a scos la iveală o criză profundă în această mișcare literară. Ca reacție la simbolism, a apărut o nouă mișcare literară - Acmeismul, creat de N. Gumilev și S. Gorodetsky. Acmeiştii s-au opus nu numai simboliştilor, ci şi futuriştilor.

Prima lucrare acmeistă a lui Gumiliov a fost considerată poezia „Fiul risipitor”, scrisă în 1911 și inclusă în prima carte de poezii „Acmeistică” „Alien Sky” (1912) publicată un an mai târziu.

Primul Război Mondial a rupt ritmul obișnuit al vieții. Nikolai Gumiliov s-a oferit voluntar să meargă pe front. Curajul și disprețul său față de moarte erau legendare. Premiile rare pentru un steag - premiile „George” ale doi soldați – servesc drept cea mai bună confirmare a faptelor militare. Nu degeaba a fost numit poet-războinic. El a văzut și a recunoscut oroarea războiului din interior, a arătat-o ​​în proză și poezie, iar o oarecare romantizare a bătăliei și a isprăvii a fost o trăsătură a lui Gumilev - un poet și un om cu un principiu pronunțat, rar, regal, atât în ​​poezie, cât și în viaţă.

La sfârșitul anului 1915, a fost publicată colecția „Tolbă”, mărturisind, precum basmul dramatic „Copilul lui Allah” (1917), și poemul dramatic „Gondola” (1917), despre întărirea principiului narativ din Gumiliov. muncă. În „Quiver” începe să apară o nouă temă pentru Gumilyov - „despre Rusia”.

Revoluția din octombrie l-a găsit pe Gumiliov în străinătate. A trăit la Londra și Paris, a studiat literatura orientală, a tradus și a lucrat la drama „Tunica otrăvită”. În mai 1918 s-a întors la Petrograd. A fost surprins de atmosfera literară tensionată din acea vreme. Gumiliov a fost atras de M. Gorki să lucreze la editura „Literatura Mondială”, a predat în studiouri literare și a predat la institute. În 1919 a publicat o colecție de poezii, „Focul de tabără”, care era considerată una dintre cele mai frumoase și emoționante. În 1921, a fost publicată cartea „Pillar of Fire”, dedicată celei de-a doua soții a lui Gumilyov, A. N. Engelgard.

Viața lui Gumiliov s-a încheiat tragic în august 1921. „Crima” lui Gumilev a fost că „nu a informat autoritățile sovietice că i s-a oferit să se alăture unei organizații de ofițeri conspiratori, ceea ce a refuzat categoric”. Nu există alte materiale care să-l expună pe Gumiliov într-o conspirație antisovietică. Motivele comportamentului lui Gumilyov sunt consemnate în protocolul de interogatoriu: prietenul său, cu care a studiat și a fost pe front, a încercat să-l implice într-o organizație antisovietică. Prejudecățile onoarei de ofițer nobil, așa cum a afirmat el, nu i-au permis să meargă „cu un denunț”.

Gumilev și-a construit viața ca o apropiere de idealul Poetului: ani de ucenicie și disciplină strictă, extindere treptată și în același timp concretizare a lumii imaginilor sale. În ultima sa, Gumilyov se concentrează asupra mișcărilor spirituale profunde asociate cu experiența acută a modernității și cu un sentiment de anxietate tragică.

Un artist excelent, a lăsat o moștenire literară interesantă și semnificativă și a avut o influență incontestabilă asupra dezvoltării ulterioare a poeziei ruse. Studenții și adepții săi, alături de înalt romantism, se caracterizează prin cea mai mare precizie a formei poetice, atât de apreciat de însuși Gumiliov, unul dintre cei mai buni poeți ruși ai începutului de secol XX.

Când din abisul întunecat al vieții a zburat duhul Meu mândru, recăpătându-și vederea, O melodie tristă-dulce a răsunat la sărbătoarea de înmormântare. Și în sunetele acestei melodii, aplecate peste sicriul de marmură, fecioarele îndurerate îmi sărutau buzele și fruntea palidă. Iar eu, din eterul strălucitor, Aducându-mi aminte de bucuriile mele, M-am întors din nou la marginile lumii La chemarea iubirii dornice. Și m-am răspândit cu flori, cu strălucirea transparentă a șuvoaielor sonore, pentru ca cu buzele parfumate ale Pământului să le întorc sărutul.

Esenin Serghei Alexandrovici (1895 - 1925)

Yesenin s-a născut într-o familie de țărani. Din 1904 până în 1912 a studiat la Școala Konstantinovsky Zemstvo și la Școala Spas-Klepevsky. În acest timp, a scris peste 30 de poezii, a compilat o colecție scrisă de mână „Gânduri bolnave” (1912), pe care a încercat să o publice în Ryazan. Satul rusesc, natura Rusiei centrale, arta populară orală și, cel mai important, literatura clasică rusă au avut o influență puternică asupra formării tânărului poet și i-au ghidat talentul natural. Yesenin însuși a numit în diferite momente diferite surse care i-au alimentat opera: cântece, cântece, basme, poezii spirituale, „Povestea campaniei lui Igorevna”, poezia lui Lermontov, Nikitin și Nadson. Mai târziu a fost influențat de Blok, Klyuev, Bely, Gogol, Pușkin.

Din scrisorile lui Yesenin din 1911-1913 reiese viața complexă a poetului. Toate acestea s-au reflectat în lumea poetică a versurilor sale din 1910 până în 1913, când a scris peste 60 de poezii și poezii. Aici se exprimă dragostea lui pentru toate lucrurile vii, pentru viață, pentru patria sa.

Încă de la primele versuri, poezia lui Yesenin include teme despre patrie și revoluție. Lumea poetică devine mai complexă, multidimensională, imaginile biblice și motivele creștine încep să ocupe un loc semnificativ în ea.

În 1915, Yesenin a sosit la Petrograd, s-a întâlnit cu Blok, care a apreciat poeziile „proaspete, curate, zgomotoase”, deși „cuvântătoare” ale „talentatului poet nugget țărănesc”, l-a ajutat, l-a prezentat scriitorilor și editorilor.

Yesenin devine celebru, este invitat la seri de poezie și saloane literare.

La începutul anului 1916 a apărut prima carte „Radunița”, care cuprinde poezii scrise de Yesenin în anii 1910-1915. Opera poetului din 1914-1917 este complexă și contradictorie. Baza viziunii despre lume a lui Yesenin este coliba cu toate atributele ei. Colibele, înconjurate de garduri de vaci și legate între ele printr-un drum, formează un sat. Iar satul, limitat de periferie, este Rusul lui Yesenin, care este rupt de lumea mare de păduri și mlaștini.

În lumea poetică pre-revoluționară a lui Yesenin, Rus’ are multe fețe: „gânditor și tandru”, smerit și violent, sărac și vesel, sărbătorind „sărbătorile învingătoare”. În poemul „Nu ai crezut în Dumnezeul meu” (1916), poetul îl numește pe Rus „prințesă adormită”, la o „credință veselă” căreia el însuși este acum dedicat. În poemul „Nori din colier...” (1916), poetul pare să prezică o revoluție - „transformarea” Rusiei „prin chin și cruce” și un război civil.

Dar poetul credea că va veni o vreme când toți oamenii vor deveni frați. De aici și dorința de armonie universală, de unitate a tuturor lucrurilor de pe pământ. Prin urmare, una dintre legile lumii lui Yesenin este o metamorfoză universală (care l-a condus ulterior pe poet la Imagists). Oameni, animale, plante, poezii și obiecte - toate acestea, potrivit lui Yesenin, sunt copii de aceeași natură maternă. El umanizează natura. Prima colecție captivează nu numai prin prospețime și lirism, un simț viu al naturii, ci și prin strălucirea sa figurativă. Cartea este saturată de poetică folclorică (cântec, vers spiritual), limbajul ei dezvăluie multe domenii, cuvinte și expresii locale, ceea ce este și una dintre trăsăturile stilului poetic al lui Yesenin.

În a doua jumătate a anului 1916, poetul pregătește o nouă colecție de poezii „Porumbel”. Există deja multe capodopere lirice autentice în noile poezii, cum ar fi poeziile sale despre dragoste strălucitoare, duioasă, pictate în tonuri senzuale - „Nu rătăci, nu te zdrobi în tufișurile purpurie” (1916), „Hewn drogs sang” ( 1016). Dar semnele altuia - condamnat Rus', prin care hoinăresc „oameni în cătușe” sunt deja vizibile mai clar. Eroul versurilor lui Yesenin se schimbă - el este fie „tinerețe blândă”, „călugăr smerit”, apoi „păcătos”, „vagabond și hoț”, „tâlhar cu biț” etc. Aceeași dualitate definește și imaginea „huliganului blând” din poemele lui Yesenin din perioada „Tavernei Moscovei” (1924).

Evenimentele din 1917 au provocat o schimbare bruscă în opera poetului; i s-a părut că urmează o eră de mare reînnoire spirituală, „transformare” a vieții și o reevaluare a tuturor valorilor. În acest moment, el creează un ciclu de 10 poezii mici; în ele cântă „Rus’ violent” și slăvește „vara roșie”.

În primăvara anului 1918, Yesenin s-a mutat de la Petrograd la Moscova. Acolo, în sfârșit, apare colecția Dove, care a absorbit poezii din anii 1916-1917. Apoi poetul publică culegeri de poezii „Schimbarea la Față” (1918), „Cartea ceasurilor de la țară” (1918). În 1919, „Cheile Mariei”, în care Yesenin și-a formulat viziunea despre artă, esența și scopul acesteia. Această lucrare a fost acceptată ca un manifest al Imagiștilor, a căror unire a avut loc în 1918 - 1919.

Cele mai semnificative lucrări ale lui Yesenin, care i-au adus faima ca unul dintre cei mai buni poeți, au fost create în anii 1920.

Ca orice mare poet, Yesenin nu este un cântăreț necugetat al trăirilor și experiențelor sale, ci un poet-filosof. Ca orice poezie, versurile lui sunt filozofice. Versurile filozofice sunt poezii în care poetul vorbește despre problemele eterne ale existenței umane, poartă un dialog poetic cu omul, natura, pământul și Universul. Un exemplu de întrepătrundere completă a naturii și a omului este poemul „Coafura verde” (1918). Se dezvoltă în două planuri: mesteacăn - fată. Cititorul nu va ști niciodată despre cine este această poezie - un mesteacăn sau o fată. Pentru că persoana de aici este asemănată cu un copac - frumusețea pădurii rusești, iar ea este ca o persoană. Mesteacănul în poezia rusă este un simbol al frumuseții, perseverenței și tinereții; ea este strălucitoare și castă.

Poezia naturii și mitologia slavilor străvechi pătrund astfel de poezii din 1918 precum „Drumul de argint...”, „Cântece, cântece, despre ce strigi?”, „Voi părăsi casa mea dragă...” , „Frunzișul de aur se învârte...” etc.

Poezia lui Yesenin din ultimii, cei mai tragici ani (1922-1925) este marcată de dorința unei viziuni armonioase asupra lumii. Mai presus de toate, în versuri există o înțelegere profundă a sinelui și a Universului („Nu regret, nu sun, nu plâng...”, „Dumbria de aur a descurajat...” , „Acum plecăm puțin...”, etc.) .” Nu regret” Nu sun, nu plâng...) - (1922) - unul dintre culmile poeziei lui Yesenin, Poezia aceasta este impregnată de lirism, deschidere spirituală extremă, este plină de „ imagini pământești”, scrise strălucitor și suculent. Alăturarea frazelor din vocabularul poetic al secolului al XIX-lea este surprinzătoare de secol („O, prospețimea mea pierdută”) și „răvălirea ochilor și potop de sentimente” tipic yesenin popular-uman. conținutul poeziei este în același timp concret și condiționat. Alături de detaliile poetice ale lumii pământești („mării albi fumează”, „țara chintzului de mesteacăn”, „primăvara răsunând devreme”) - o imagine mitologică, simbolică - imaginea unui cal roz. Un cal roz este un simbol al răsăritului, primăverii, bucuriei, vieții... Dar chiar și un adevărat cal țărănesc în zori devine roz în razele soarelui răsărit. Esența acestei poezii este un cântec de recunoștință, o binecuvântare pentru toate ființele vii.

Sistemul de valori din poezia lui Yesenin este unit și indivizibil; totul în el este interconectat, totul formează o singură imagine a „patriei iubite” în toată diversitatea nuanțelor sale. Acesta este cel mai înalt ideal al poetului. Poetul a înțeles că satul apropiat inimii sale este „Părește Rusia”. 06 Acest lucru este dovedit de poezia sa „Sorokoust” (1920), culegerile de poezii „Treryadnitsa” (1920), „Confesiunea unui huligan” (1921), „Poemele unui bătaie” (1923), „Taverna din Moscova” (1924). ), „Rusia sovietică” (1925) „Țara sovietică” (1925) , „Motive persane” (1925).

Poezia „Anna Snegina” (1925) a devenit în multe privințe opera finală, în care soarta personală a poetului a fost interpretată cu soarta poporului.

S-a stins din viață la 30 de ani, S. A. Yesenin ne-a lăsat o minunată moștenire poetică. Și atâta timp cât pământul trăiește, poetul Yesenin este sortit să trăiască cu noi și să cânte cu toată ființa în poet a șasea parte a pământului cu prenumele „Rus”.

Eu sunt ultimul poet al satului, Podul de promenadă este modest în cântece. În spatele slujbei de rămas bun stau Frunzele de mesteacăn usturătoare. Lumânarea făcută din ceară de carne va arde cu o flacără de aur, Iar ceasul de lemn al lunii îmi va șuieră ceasul al doisprezecelea. Pe poteca câmpului albastru În curând va ieși oaspetele de fier. Fulgi de ovăz, vărsați în zori, își va aduna mâna neagră. Nu vii, palmele altora, Aceste cântece nu vor trăi cu tine! Numai că vor fi urechi de cai Despre bătrânul stăpân să mâhnească. Vântul le va suge nechezatul, Dirge dansând. În curând, în curând ceasul de lemn îmi va croșca ceasul al doisprezecelea! (1920)

Maiakovski Vladimir Vladimirovici (1893-1930)

Vladimir Mayakovsky s-a născut în 1893 în Caucaz într-o familie de pădurar. O copilărie liberă în satul Bagdad, printre munți împăduriți, sub soarele generos din sud, a trezit devreme un sentiment poetic în băiat. Iubea poezia, desena bine, iubea călătoriile lungi.

Evenimentele primei revoluții ruse (1905) au lăsat o amprentă notabilă asupra biografiei viitorului poet. Un elev de clasa a doua la gimnaziu, Volodya Mayakovsky, a luat parte la protestele tinerilor revoluționari și a făcut cunoștință cu literatura social-democrată.

După moartea tatălui său, familia sa mutat la Moscova. Viitorul poet a fost angajat în activități revoluționare, a lucrat ca propagandist în rândul muncitorilor și a fost arestat de trei ori. În 1910, Mayakovsky a fost eliberat din închisoarea Butyrka, unde a petrecut 11 luni.

Eliberarea lui Mayakovsky din închisoare a fost în sensul deplin o eliberare în artă. În 1911 a intrat la Școala de Pictură din Moscova. În poeziile timpurii ale lui Maiakovski, apar contururile unui erou liric, care se străduiește dureros și intens să se cunoască pe sine („Noapte”, „Dimineața”, „Ai putea?”, „Din oboseală”, „Jacheta de voal”). În poeziile „Aici!”, „Pentru tine!”, „Nu înțeleg nimic”, „Așa am devenit câine”, există un conținut istoric real: aici eroul liric se străduiește în mod conștient să fie „străin” într-o lume străină lui. Pentru aceasta, Mayakovsky folosește calitatea caracteristică a grotescului - o combinație de plauzibilitate și fantezie.

În 1913, poetul a lucrat la prima sa operă majoră, un fel de versiune dramatică a versurilor timpurii - tragedia „Vladimir Mayakovsky”. B. Pasternak a scris: „Tragedia s-a numit „Vladimir Mayakovsky”. Titlul a ascuns descoperirea ingenios de simplă că poetul nu este autorul, ci subiectul versurilor, adresându-se lumii la persoana întâi. Titlul nu era numele scriitorului, ci numele de familie al conținutului.”

Punctul culminant al creativității pre-revoluționare a marelui poet este poemul „Nor în pantaloni” (titlul original „Al treisprezecelea apostol”). În această poezie, Mayakovsky se realizează ca un cântăreț al umanității, asuprit de sistemul existent, care se ridică la luptă.

În anii pre-revoluționari, priceperea lui Maiakovski ca satiric a crescut. El creează imnuri satirice („Imnul Judecătorului”, „Imnul sănătății”, „Imnul prânzului”, „Imnul mităi”, „Imnul criticului”).

În ajunul revoluției, poetul scrie poezii „Război și pace” și „Omul” impregnate cu motive de pace și umanism. Premoniția unor răsturnări revoluționare iminente a inspirat încredere în implementarea rapidă a acestor predicții. Maiakovski a prevăzut imaginea morală a viitorului în „Război și pace”; el a crezut că omul viitorului va fi liber. Iar în poezia „Omul” autorul continuă această temă. O persoană liberă, „adevărată” vine pe Pământ, dar ea, „blestemata”, îl îngăduie, opunându-se „oceanelor iubirii”, „porților de aur ale banilor”. Eroul poemului rezistă cu pasiune legilor existenței, iar la finalul lucrării se simte sentimentul prăbușirii inevitabile, iminente, a lumii vechi.

Maiakovski s-a opus cu entuziasm Revoluției din octombrie: „Revoluția mea”, iar acest lucru a determinat natura lucrării sale în perioada post-octombrie. El a căutat să ofere „... un portret eroic, epic și satiric al erei noastre”. Scrie poezii gloriind construcția comunismului, a omului sovietic și a Patriei Socialiste.

În anii 20, poetul a călătorit mult prin țara natală și a vizitat adesea în străinătate. Poeziile străine ale lui Maiakovski sunt o parte importantă a moștenirii sale creatoare.

În 1918, poetul a scris „Mystery-bouffe”, în 1921 - „150.000.000”, în 1923-1924. - „IV Internațional”. În V.I. Lenin, Mayakovsky a văzut întruchiparea modelului ideal al omului viitorului și i-a dedicat poemul „Vladimir Ilici Lenin” (1924).

Poetul a fost un dușman implacabil al filistinismului, iar acest lucru se arată în piesele sale „Ploșnița” (1928) și „Casa de baie” (1929), ale căror personaje au fost incluse în galeria celor mai bune imagini satirice ale teatrului sovietic.

În 1925, poetul a plecat în America. Aceasta a fost a șasea sa călătorie în străinătate. În multe orașe, poetul și-a citit poeziile și a răspuns la întrebările ascultătorilor. Poeziile sale scrise în 1925-1926 sunt larg cunoscute: „Tovarășului Nette - vaporul și omul”, „Alb-negru”, „Poezii despre pașaportul sovietic”, „Povestea lui Khrenov despre Kuznetskstroy și oamenii din Kuznețk”, „ Broadway” și alții.

În 1927, cu ocazia împlinirii a zece ani de la Revoluția din octombrie, poetul a creat poemul „Bine”, care este una dintre cele mai mari realizări ale realismului socialist.

Maiakovski a scris și poezii pentru copii. Un loc aparte în rândul lor îl ocupă poezia „Ce este bine și ce este rău” (1925).

Poetul nu a avut timp să finalizeze poezia planificată despre planul cincinal „În culmea vocii” (1930). S-a scris doar introducerea.

„Sunt poet. Acesta este ceea ce îl face interesant. Despre asta scriu,” - așa își începe poetul autobiografia și așa și-a trăit poetul viața scurtă, dar surprinzător de bogată și vibrantă. „Viața este frumoasă și uimitoare!” - acesta este motivul creativității post-octombrie a lui Mayakovsky. Dar, observând mugurii a ceva nou și frumos în viață, poetul nu se plictisește să-și amintească că „mai sunt încă o mulțime de ticăloși diferiți care se plimbă pe pământul nostru și în jur”. Nu orice poezie rezistă timpului. Dar opera lui Mayakovsky este dominată de ideea nemuririi a ceea ce este creat în lucrările sale, credința în rațiune și recunoștința față de descendenți.

Oricât de tragică ar fi soarta personală a lui Mayakovsky, în istoria literaturii mondiale este greu de punctat un exemplu de corespondență atât de uimitoare între epocă, caracterul ei și personalitatea poetului, esența talentului său, ca și cum creat de istorie pentru vremea când a trăit și a vorbit.

E DE DEPRIME DE BUCURE

Căutăm viitorul. Au fost mile de capete. Și ei înșiși s-au așezat în cimitir, zdrobiți sub lespezile palatelor. Vei găsi o gardă albă și vei merge la zid. L-ai uitat pe Rafael? L-ai uitat pe Rastrelli? Este timpul ca gloanțe să curgă pe zidurile muzeelor. Trage lucruri vechi cu înghițituri de o sută de inci! Semeni moartea în tabăra inamicului. Nu vă prinși, capitalul se angajează. Țarul Alexandru stă în Piața Vosstanii? Dinamite acolo! Au aliniat armele de-a lungul marginii pădurii, surzi la mângâierile Gărzii Albe. De ce nu a fost atacat Pușkin? Dar ceilalți generali clasici? Protejăm gunoiul în numele artei. Sau dinții revoluțiilor au atins coroanele? Mai repede! Curăță fumul peste fabrica de paste de iarnă! Am petrecut o zi sau două trăgând cu arme și ne-am gândit să-l ucidem pe bătrân dimineața. Ce-i asta! Să vă schimbați jacheta afară nu este suficient, tovarăși! Scoate-ți curajul! (1918)

Osip Emilievici Mandelstam (1891 - 1938)

Mandelstam cunoștea adevărata valoare a talentului său poetic. Într-o scrisoare către Yu. N. Tynyanov din 21 ianuarie 1937, el a scris „De un sfert de secol, eu, amestecând lucruri importante cu fleacuri, plutesc pe poezia rusă, dar în curând poeziile mele se vor îmbina cu ea, schimbând ceva în structura și compoziția sa.” . Netrădându-și niciodată chemarea în vreun fel, poetul a preferat în același timp poziția de profet, de preot, în locul celui de a trăi cu oamenii, creând ceea ce oamenii au nevoie urgentă. Răsplata lui a fost persecuția, sărăcia și în cele din urmă moartea. Dar poeziile plătite cu un asemenea preț, nepublicate de zeci de ani, persecutate crunt, au rămas să trăiască – și acum intră în conștiința noastră ca exemple înalte de demnitate și forță de geniu uman.

Osip Emilievich Mandelstam s-a născut pe 3 (15) ianuarie 1891 la Varșovia în familia unui om de afaceri care nu a reușit niciodată să creeze o avere. Dar Sankt Petersburg a devenit orașul natal al poetului: el a crescut aici, a absolvit una dintre cele mai bune din Rusia la acea vreme, Școala Tenishev, apoi a studiat la departamentul romanic-germanic al facultății de filologie a universității. La Sankt Petersburg, Mandelstam a început să scrie poezie, să publice, iar în 1913 a publicat prima sa carte, „Stone”. După ce a părăsit în curând orașul de pe Neva, Mandelstam avea să se întoarcă aici din nou, „în oraș, familiar lacrimilor, venelor, glandelor umflate ale copiilor” - dar de fiecare dată nu se mai întoarce pentru mult timp. Totuși, întâlnirile cu „capitala nordică”, „Petropolisul Transparent”, unde „canalele înguste pentru creioane sub gheață sunt și mai negre”, vor fi frecvente - în poeziile generate de sentimentul implicării de sânge a soartei în soarta cuiva. oraș natal, și admirație pentru frumusețea sa, și simțind semnificația rolului său în istoria nu numai a Rusiei, ci și a lumii.

Se pare că Mandelstam a început să-și încerce poezia în 1907-1908; poeziile sale au fost publicate pentru prima dată în numărul de august al revistei Apollo în 1910. Va trece foarte puțin timp, iar poezia va deveni sensul și conținutul vieții sale.

Era o persoană deschisă, întâlnind cu bucurie oameni la jumătatea drumului, care nu știa să înșele, să se prefacă și mai ales să mintă. Nu a vrut niciodată să-și schimbe darul, preferând libertatea în locul sațietății și confortului: bunăstarea nu era o condiție pentru creativitate pentru el. Nu a căutat nenorocirea, dar nici fericirea nu a căutat. „De ce ți-ai băgat în cap că trebuie să fii fericit?” - spuse el, răspunzând reproșurilor soției sale. A încercat sincer să se încadreze în noua viață, să asculte vocea vieții viitoare din jurul său, dar treptat a simțit opoziția acesteia față de sine. Nu o dată s-a trezit la un pas de moarte. Așa a fost când în 1919, fugind de foame, poetul a părăsit Moscova; Mandelstam a fost arestat de două ori de albi cu acuzații ridicole și numai datorită unor circumstanțe norocoase a reușit să scape. Nu s-a eschivat și în 1934, arestat sub acuzația că a scris poezii în care s-au rostit cuvinte dure nemaiauzite împotriva lui Stalin, nu s-a gândit să fie viclean, semnând astfel propriul mandat de moarte.

Este greu de găsit un poet în istoria literaturii ruse a cărui soartă a fost la fel de tragică ca cea a lui Mandelstam. După ce și-a ispășit termenul de exil la Voronej, Mandelstam s-a întors la Moscova în mai 1937, dar a trecut mai puțin de un an până când a fost arestat a doua oară sub acuzația absurdă de activități contrarevoluționare și trimis într-un lagăr din Orientul Îndepărtat, unde a a murit curând. În certificatul oficial primit de văduva poetului se menţionează că acesta a murit la 27 decembrie 1938.

În memoria celor care l-au cunoscut pe Mandelstam, a rămas un exemplu de om care și-a îndeplinit cu curaj datoria și, prin urmare, nu și-a pierdut niciodată stima de sine. Poeziile sale, născute din fericirea de a trăi pe pământ, gânduri profunde despre timp și om și aruncarea tragică în așteptarea morții care îl va atinge, ne convin și de acest lucru. Ele sunt întotdeauna profund umane, oferind cititorului bucuria de a întâlni adevăratul - înalt și frumos! - artă: Movilele capetelor oamenilor se retrag în depărtare, mă micșoresc acolo - nimeni nu mă va observa, Dar în cărțile blânde și în jocurile copiilor mă voi ridica din nou să spun că soarele strălucește.

Vârsta mea, fiara mea, cine va putea să se uite în pupilele tale și să lipească cu sângele lui vertebrele a două secole? Sângele constructorului ţâşneşte prin gât din lucrurile pământeşti, coloana vertebrală nu tremură decât în ​​pragul zilelor noi. Făptura, atâta timp cât este destulă viață, trebuie să ducă creasta, Iar valul se joacă cu coloana vertebrală nevăzută. Ca un cartilaj delicat, un copil, vârsta pământului infantil. Din nou coroana vieții a fost jertfită, ca un miel. Pentru a smulge un secol din captivitate, Pentru a începe o lume nouă, Genunchii zilelor pline de noduri trebuie legați cu un flaut. Această vârstă leagănă valul cu melancolie omenească, Iar în iarbă vipera respiră cu măsura epocii de aur. Și mugurii se vor umfla, verdeața va încolți, Dar coloana vertebrală ți-e frântă, Frumosa mea vârstă jalnică! Și cu un zâmbet fără sens te uiți înapoi, crud și slab, Ca un animal cândva flexibil, la urmele propriilor sale labe. Sângele constructorului țâșnește prin gât din lucrurile pământești, Și ca un pește aprins, pune pe mal cartilajul cald al mărilor. Și din plasa înaltă de păsări, din blocurile umede azurii, indiferența se revarsă asupra vânătăii tale muritoare. 1922

Începutul secolului al XX-lea... Următorul vârtej de tulburări sociale, se pare, ar trebui să măture totul. Dar cu vuietul armelor - ruso-japonez, primul război mondial și alte războaie - muzele nu tac. Văd, aud, simt bătând inimile înroșite ale poeților, ale căror poezii au izbucnit acum în viața noastră. Au intrat și este puțin probabil să fie uitate. „Epoca de argint” este o perioadă de metafore vii, o căutare neobosită a sensului profund al cuvintelor, sunetelor și frazelor.

„Epoca de argint”... Un cuvânt uimitor de încăpător care a definit cu exactitate o întreagă perioadă în dezvoltarea versurilor rusești. Revenirea romantismului? Evident, într-o oarecare măsură acest lucru este adevărat. În general, aceasta este nașterea unei noi generații de poeți, mulți dintre ei au părăsit patria care i-a respins, mulți dintre ei au murit sub pietrele de moară ale războiului civil și ale nebuniei staliniste. Dar Tsvetaeva avea dreptate, exclamând:

Poeziile mele, asemenea vinurilor prețioase, vor avea rândul lor!

Și a venit. Mulți se uită acum din ce în ce mai îndeaproape la aceste pagini, descoperind adevăruri mărețe care au fost păzite vigilent timp de decenii de privirile indiscrete. Ma bucur ca sunt printre acesti multi.

Bibliografie

1) Bykova N. G. Manual pentru școlari.

2) Lucrări alese. A. Blok, V. Mayakovsky, S. Yesenin. Colegiul editorial: Belenkiy G.I., Puzikov A.I., Sobolev L.I., Nikolaev P.A.

3) Krasovsky V. Ya., Ledenev A. V. Manualul solicitantului.

4) Pronina E. P. Literatura rusă a secolului al XX-lea.

5) Poezia rusă a secolului XIX - începutul secolului XX. Redacție: Belenky G. A., Puzikov A. I., Shcherbina V. R., Nikolaev P. A.

6) Poezia sovietică rusă. Redacție: Belenkiy G.I., Puzikov A.I., Sobolev L.I., Litvinov V.M.

Tragedia destinului poeților „Epocii de Argint”. Tragedia țării

INTRODUCERE
Poeții „Epocii de Argint” au lucrat în vremuri foarte grele, o perioadă de catastrofe și răsturnări sociale, revoluții și războaie. Poeții din Rusia în acea epocă tulbure, când oamenii uitau ce era libertatea, trebuiau adesea să aleagă între creativitate liberă și viață. Au fost nevoiți să treacă prin suișuri și coborâșuri, victorii și înfrângeri. Creativitatea a devenit o salvare și o ieșire, poate chiar o evadare din realitatea sovietică care îi înconjura. Sursa de inspirație a fost Patria Mamă, Rusia.
Mulți poeți au fost deportați în afara țării, trimiși la muncă silnică, alții au fost pur și simplu împușcați. Dar, în ciuda tuturor acestor împrejurări, poeții au continuat să facă minuni: au fost create replici și strofe minunate.
La sfârșitul secolului al XIX-lea, cultura rusă a intrat într-un nou, relativ scurt, dar extrem de bogat în fenomene artistice vibrante. Timp de aproximativ un sfert de secol - de la începutul anilor 1890. până în octombrie 1917 - literalmente toate aspectele vieții rusești au fost radical actualizate - economie, politică, știință, tehnologie, cultură, artă. Literatura s-a dezvoltat nu mai puțin intens.
Tranziția de la epoca literaturii ruse clasice la noul timp literar s-a remarcat prin natura departe de pașnică a vieții culturale și intraliterare generale, o schimbare rapidă - conform standardelor secolului al XIX-lea - a liniilor directoare etnice și o schimbare radicală. reînnoirea tehnicilor literare. Poezia rusă a fost reînnoită deosebit de dinamic în această perioadă, din nou - după epoca Pușkin - ajungând în prim-planul vieții culturale generale a țării. Mai târziu, această poezie a fost numită „renașterea poetică” sau „epoca de argint”.
PRINCIPALELE REALIZĂRI ARTISTICE ÎN POEZIE LA CUMPLIMENTUL SECOLLOR XIX-XX.
Principalele realizări artistice în poezie la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea. au fost asociate cu activitățile artiștilor mișcărilor moderniste - simbolism, acmeism și futurism.
Simbolism
Simbolismul este prima și cea mai semnificativă dintre mișcările moderniste din Rusia. Pe baza timpului formării și a caracteristicilor poziției ideologice în simbolismul rus, se obișnuiește să se distingă două etape principale. Poeții care și-au făcut debutul în anii 1890 sunt numiți „simboliști seniori” (V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, D. E. Merezhkovsky, Z. N. Gippius, F. K. Sologub etc.). În anii 1900 Noi forțe s-au revărsat în simbolism, actualizând semnificativ aspectul mișcării (A. A. Blok, Andrei Bely (B. N. Bugaev), V. I. Ivanov etc.). „Al doilea val” de simbolism se numește „simbolism junior”. Simboliștii „senii” și „mai tineri” erau despărțiți nu atât de vârstă, cât de diferența de viziuni asupra lumii și de direcția creativității.
Simbolismul a încercat să creeze o nouă filozofie a culturii și, după ce a trecut printr-o perioadă dureroasă de reevaluare a valorilor, a căutat să dezvolte o nouă viziune universală asupra lumii. După ce au depășit extremele individualismului și subiectivismului, simboliștii din zorii noului secol au pus problema rolului social al artistului într-un mod nou și au început să se îndrepte către crearea unor astfel de forme de artă, a căror experiență ar putea unește din nou oamenii. În ciuda manifestărilor externe de elitism și formalism, simbolismul a reușit în practică să umple opera cu forma artistică cu un conținut nou și, cel mai important, să facă arta mai personală. Simbolul a fost principalul mijloc de exprimare poetică a semnificațiilor secrete contemplate de artiști.
Acmeism
Acmeismul (din grecescul akme - cel mai înalt grad de ceva; înflorire; vârf; vârf) a apărut în anii 1910. într-un cerc de tineri poeți, inițial apropiat de simbolism. Impulsul pentru apropierea lor a fost opoziția față de practica poetică simbolistă, dorința de a depăși speculativitatea și utopismul teoriilor simboliste. În octombrie 1911, a fost înființată o nouă asociație literară - „Atelierul poeților”. N. S. Gumilyov și S. M. Gorodetsky au devenit șefii „Atelierului”. Din cercul larg de participanți la „Atelier”, s-a remarcat un grup de acmeiști mai restrâns și mai unificat din punct de vedere estetic: N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, S. M. Gorodetsky, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich și V. I. Narbut. Semnificația principală în poezia Acmeismului este explorarea artistică a lumii diverse și vibrante. Acmeiștii apreciau elemente de formă precum echilibrul stilistic, claritatea picturală a imaginilor, compoziția precisă și precizia detaliilor. În poeziile acmeiștilor s-au estetizat marginile fragile ale lucrurilor și s-a afirmat o atmosferă „casnică” de admirare a „lucrurilor drăguțe”.
Programul Acmeist i-a unit pe scurt pe cei mai semnificativi poeți ai acestei mișcări. Până la începutul Primului Război Mondial, cadrul unei singure școli poetice s-a dovedit a fi prea mic pentru ei și fiecare dintre acmeiști a mers pe drumul său.
Futurism
Futurismul (din latinescul futurum - viitor) a apărut aproape simultan în Italia și Rusia. Pentru prima dată, futurismul rus s-a manifestat public în 1910, când a fost publicată prima colecție futuristă „Tancul de pescuit al judecătorilor” (autorii ei au fost D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov și V. V. Kamensky).
Futurismul s-a dovedit a fi productiv din punct de vedere creativ: i-a făcut pe oameni să experimenteze arta ca pe o problemă, a schimbat atitudinea față de problema inteligibilității și incomprehensibilitatii în artă. O consecință importantă a experimentelor futuriste este realizarea faptului că neînțelegerea sau înțelegerea incompletă în artă nu este întotdeauna un dezavantaj, ci uneori o condiție necesară pentru o educație deplină. În acest sens, însăși introducerea în artă este înțeleasă ca muncă și co-creație, urcând de la nivelul consumului pasiv la nivelul viziunii existențiale-lume.
Oameni talentați, inteligenți, educați care s-au implicat în știință și artă în țara noastră au avut soarte grele. M. A. Tsvetaeva, A. A. Akhmatova, N. S. Gumilyov, V. V. Mayakovsky, S. A. Yesenin, O. E. Mandelstam - toți acești poeți au avut o soartă foarte grea, plină de pierderi și privațiuni.
SORTELE POEȚILOR EPOCA DE ARGINT

Țvetaeva Marina Ivanovna (1892-1941)
Marina Tsvetaeva s-a născut la Moscova pe 26 octombrie 1892 într-o familie extrem de cultă, devotată intereselor științei și artei. Tatăl ei, Ivan Vladimirovici Tsvetaev, profesor la Universitatea din Moscova, un renumit filolog și critic de artă, a devenit ulterior directorul Muzeului Rumyantsev și fondatorul Muzeului de Arte Frumoase (acum Muzeul de Stat de Arte Frumoase numit după A. S. Pușkin) .
Mama mea provenea dintr-o familie polono-germană rusificată și era o pianistă talentată și talentată din punct de vedere artistic. Ea a murit încă tânără în 1906, iar creșterea a două fiice, Marina și Anastasia, și fratele lor vitreg Andrei a devenit opera tatălui lor profund iubitor. A încercat să ofere copiilor o educație temeinică, cunoașterea limbilor europene, încurajând în orice mod posibil cunoașterea clasicilor literaturii și artei interne și străine.
La vârsta de șaisprezece ani, Marina Tsvetaeva a făcut singură o excursie la Paris, unde a urmat un curs de literatură franceză veche la Sorbona. În timp ce studia în gimnaziile private din Moscova, ea s-a distins nu atât prin asimilarea disciplinelor din programul obligatoriu, cât prin amploarea intereselor sale culturale generale.
Deja la vârsta de șase ani, Marina Tsvetaeva a început să scrie poezie și, în plus, nu numai în rusă, ci și în franceză, în germană. Și când a împlinit optsprezece ani, a lansat prima ei colecție, „Evening Album” (1910), care includea practic tot ce a fost scris pe vremea studenției. Colecția a fost remarcată și au apărut recenzii.
Valery Bryusov a fost unul dintre primii care au răspuns la „Albumul de seară”. El a scris: „Poeziile Marinei Tsvetaeva... pornesc întotdeauna de la un fapt real, de la ceva experimentat cu adevărat.” Și mai hotărât a salutat apariția cărții lui Tsvetaeva, poetul, criticul și eseistul subtil Maximilian Voloshin, care locuia la acea vreme la Moscova. El a considerat chiar necesar să o viziteze pe Tsvetaeva acasă. O conversație obișnuită și plină de sens despre poezie a marcat începutul prieteniei lor - în ciuda diferenței mari de vârstă.
„Albumul de seară” a fost urmat de alte două colecții: „Lanterna magică” (1912) și „Din două cărți” (1913), publicate cu ajutorul prietenului de tineret al lui Tsvetaeva, Serghei Efron, cu care s-a căsătorit în 1912.
Cele două cărți pre-revoluționare ale ei ulterioare continuă și dezvoltă motivele versurilor de cameră. Și, în același timp, au pus deja bazele capacității viitoare de a folosi cu pricepere gama emoțională largă a vorbirii poetice native. Aceasta a fost o ofertă fără îndoială pentru maturitatea poetică.
Țvetaeva nu a înțeles și nu a acceptat Revoluția din octombrie. Abia mult mai târziu, deja în exil, a reușit să scrie cuvinte care sunau ca o amară condamnare a ei înșiși: „Recunoașteți, treceți, respingeți Revoluția - oricum, ea este deja în voi - și din veșnicie... Nici o singură majoră. Poet rus al timpului nostru care, după Revoluție, vocea nu a tremurat și nu a crescut - nu. Dar ea nu și-a dat seama ușor.
Continuând să trăiască în literatură și pentru literatură, Țvetaeva a scris mult, cu pasiune. Poeziile ei la acea vreme sunau afirmând viața și majore. Numai în cele mai grele momente i-au putut scăpa următoarele cuvinte: „Dă-mi pace și bucurie, lasă-mă să fiu fericit, vei vedea cum pot face asta!” În acești ani, Editura de Stat a publicat două cărți de Tsvetaeva: „Versturi” (1921) și poezia de basm „Făiața țarului” (1922).
În mai 1922, i s-a permis să plece în străinătate la soțul ei, Serghei Efron, un fost ofițer al Armatei Albe care s-a trezit în exil, pe atunci student la Universitatea din Paris. Ea a locuit în Republica Cehă mai bine de trei ani și la sfârșitul anului 1925 s-a mutat cu familia la Paris. La începutul anilor 1920, a fost publicat pe scară largă în reviste de emigranți albi. S-au putut publica cărțile „Poezii către Blok”, „Separare” (ambele în 1922), „Psyche. Romantici”, „Meșteșug” (ambele în 1923), un poem de basm „Bine făcut” (1924) . În curând, relația lui Tsvetaeva cu cercurile emigranților s-a înrăutățit, ceea ce a fost facilitat de atracția ei tot mai mare pentru Rusia („Poezii pentru fiul meu”, „Patria mamă”, „Tânjul de patrie”, „Demult...”, „Celiuskintsy”, etc. .). Ultima colecție de poezii pe viață - „După Rusia. 1922-1925” - publicată la Paris în 1928.
Într-unul dintre cele mai grele momente ale ei, Marina Cvetaeva a scris cu amărăciune: „...Cititorul meu rămâne în Rusia, unde poeziile mele nu ajung. În emigrare, ei mă tipăresc mai întâi (în căldura momentului!), apoi, venind în fire, mă scot din circulație, simțind că nu este al lor - este acolo!” Ea a cunoscut începutul celui de-al Doilea Război Mondial în mod tragic, dovadă fiind ultimul ciclu poetic al lui Tsvetaeva - „Poezii pentru Republica Cehă” (1938 - 1939), asociat cu ocuparea Cehoslovaciei și ura pătrunsă față de fascism.
În vara anului 1939, după șaptesprezece ani de viață de emigrare, după ce a primit cetățenia sovietică, Marina Tsvetaeva s-a întors în țara natală. La început locuiește la Moscova, i se oferă posibilitatea de a face traduceri și pregătește o nouă carte de poezie.
În iulie 1941, Tsvetaeva a părăsit Moscova și a ajuns în regiunea împădurită Kama, în Yelabuga. Aici, într-un orășel, sub greutatea nenorocirilor personale, singură, într-o stare de depresie psihică, se sinucide pe 31 august 1941.
Așa se termină tragic drumul vieții poetului, al cărui întreg destin a stabilit legătura organică, inevitabilă, a marelui talent sincer cu soarta Rusiei.
Marina Tsvetaeva a lăsat o moștenire creativă semnificativă: cărți de poezie lirică, șaptesprezece poezii, optsprezece drame în versuri, autobiografice, memorii și proză istorică și literară, inclusiv eseuri și schițe filozofice și critice. La aceasta trebuie adăugat un număr mare de litere și înregistrări de jurnal. Numele Marina Tsvetaeva este inseparabil de istoria poeziei ruse. Puterea poemelor ei nu constă în imaginile vizuale, ci în fluxul fermecat al ritmurilor în continuă schimbare, flexibile și implicante.
Din gama largă de teme lirice, în care toată lumea, parcă într-un singur centru, converge spre iubire - în diferite nuanțe ale acestui sentiment capricios - este necesar să evidențiem ceea ce pentru Tsvetaeva rămâne cel mai important, profund, determinant totul. Ea este o poetă a începutului național rus.
Creativitatea perioadei de emigrare este impregnată de un sentiment de furie, dispreț și ironia mortală cu care stigmatizează întreaga lume emigrantă. În funcție de aceasta, caracterul stilistic al vorbirii poetice.
Moștenitoare directă a structurii tradiționale melodice și chiar cântătoare, Tsvetaeva respinge hotărât orice melodie, preferând ei compactitatea vorbirii nervoase, aparent născute spontan, subordonată doar condiționat defalcării în strofe. Puterea uimitoare a sarcasmului este pătrunsă de oda ei „Lauda celor bogați”, „Oda mersului” și multe alte versuri de natură acuzatoare militară.
Există și lucrări cu caracter personal, liric, dar în ele apare același protest aprig împotriva bunăstării mic-burgheze. Chiar și o poveste despre propria soartă se transformă într-un reproș amar și uneori furios adresat stăpânilor bine hrăniți și mulțumiți de ei înșiși. Deci în ciclul mic „Fabrică”, deci în tripticul „Poet”, în poezia „Zastava” și în multe alte feluri.
Un loc special în moștenirea lui Tsvetaeva este ocupat de poeziile ei. În esență, un monolog fierbinte, ascuțit, uneori încetinind, alteori accelerând ritmul rapid. Este cunoscută pasiunea ei pentru dramaturgia poetică. Interesul pentru teatru și dramaturgie a determinat-o pe Tsvetaeva să creeze tragedia Ariadna (1924) și Ferda (1927), bazată pe un mit străvechi.
În istoria generală a poeziei ruse, Marina Tsvetaeva va ocupa întotdeauna un loc demn. Adevărata inovație a discursului ei poetic a fost întruchiparea firească în cuvinte a unei zvâcniri, mereu în căutarea adevărului, spirit neliniştit. Poetul celui mai mare adevăr al sentimentului, Marina Țvetaeva, cu toată soarta ei grea, cu toată furia și unicitatea talentului ei original, a intrat pe bună dreptate în poezia rusă din prima jumătate a secolului nostru.
Mergi, arătând ca mine, cu ochii în jos. le-am coborât și eu! Trecător, oprește-te! Citește - orbirea puiului Și culegând un buchet de maci - Că mi-au zis Marina, Și ce vârstă aveam. Să nu crezi că aici este un mormânt, Că voi apărea, amenințător... Eu însumi am iubit prea mult Să râd când este imposibil! Și sângele s-a repezit pe piele, Și mi-a curbat buclele... Am fost și eu, trecător! Trecător, oprește-te!
Rupe-ți o tulpină sălbatică Și o boabă după el, - Nu există căpșuni de cimitir Mai mare și mai dulce. Dar pur și simplu nu sta îmbufnat, cu capul atârnat pe piept. Gândește-te ușor la mine, uită ușor de mine.
Cum te luminează fasciculul! Ești acoperit de praf de aur...
Și nu lăsați vocea Mea din subteran să vă deranjeze. 3 mai 1913

Akhmatova Anna Andreevna (1889-1966)

Numele real Gorenko. După ce familia părinților s-a despărțit în 1905, mama și copiii s-au mutat la Evpatoria, de acolo la Kiev. Acolo Akhmatova a absolvit gimnaziul și în 1907 a intrat la facultatea de drept a cursurilor superioare pentru femei din Kiev. În 1910 s-a căsătorit cu N.S. Gumilyov. A fost cu el în 1910 și 1911 la Paris, iar în 1912 în Italia. În 1012, s-a născut singurul fiu - L. N. Gumilyov, un istoric și etnograf celebru.
Potrivit memoriilor lui Akhmatova, ea a scris primele poezii la vârsta de 11 ani, dar acestea nu au fost păstrate. Prima poezie a fost publicată în 1907 în revista pariziană Sirius, publicată de N. S. Gumilyov, dar apoi a urmat o pauză până în 1911.
Apoi Akhmatova a început să publice în mod regulat în publicațiile din Sankt Petersburg și Moscova. În martie 1912 a apărut prima culegere de poezii intitulată „Seara”. Aici încep să apară trăsăturile care i-au determinat reputația creatoare de mulți ani.
„Seara” a fost un succes semnificativ, dar adevărata faimă a ajuns poetei după publicarea culegerii de poezii „Rozariul” (1914). În ciuda situației nefavorabile (câteva luni mai târziu a început războiul), Rozariul a câștigat o mare popularitate.
În poezia timpurie a lui Ahmatov, se poate vedea în mod clar atât o repulsie față de multe dintre trăsăturile creative dezvoltate de simbolism, cât și o continuare a acelor tradiții care au făcut din simbolism cea mai vizibilă mișcare poetică a începutului secolului al XX-lea. Poeziile lui Akhmatova evită exotismul și „universalitatea” romantică în descrierea semnelor realității, înlocuindu-le cu o specificitate extremă a descrierilor care sunt strâns legate de viața de zi cu zi. Simțind legătura dintre poezia lui Ahmatova și principiile poetice ale celor mai mari poeți ai simbolismului rus, în special Blok, care a fost subliniată de poetesă în inscripția dedicată a colecției „Margele de Rozariu” prezentată lui Blok:
De la tine mi-a venit anxietatea și capacitatea de a scrie poezie.
Aparținând numărului de poeți acmeiști și dezvoltând multe principii ale acmeismului în poemele ei, Akhmatova este în același timp împovărată de disciplina care domnește în rândurile lor.
Dar, în același timp, principiile interne ale poeziei lui Ahmatova se străduiesc din ce în ce mai mult să pună în aplicare gravitatea inerentă acmeismului pentru a realiza oportunitățile din cuvânt de a extinde bogăția istorică și culturală.

Obiectivele lecției: extinde înțelegerea studenților cu privire la opera poeților din Epoca de Argint; îmbunătățiți-vă abilitățile de analiză a poeziei.

Teme pentru elevi

Pregătește un mesaj despre opera unui poet care îți place. Învață una dintre poezii. Puteți organiza o seară de poezie, în care fiecare elev va prezenta opera unui poet care îi place și va citi poeziile sale.

Despre lecție:

Lecția poate fi structurată în felul acesta: scurte mesaje despre poeții Epocii de Argint sunt intercalate cu lectura de poezii (sau fragmente) și citirea memoriilor contemporanilor. Este puțin probabil să te lași dus cu o listă de fapte biografice. Este important să selectăm câteva episoade izbitoare din viața poetului și câteva dintre cele mai caracteristice poezii, pentru a arăta rolul poetului în procesul literar de la începutul secolului. Inevitabil, cadrul conversației despre poeții Epocii de Argint va fi extins prin includerea unor termeni literari, informații și opinii noi pentru elevi, care le vor lărgi orizonturile și vor îmbogăți competența literară a elevilor.

Invitați clasa să se angajeze într-o conversație despre opera poeților și să completeze analiza poezilor cu propriile impresii. Să ne amintim că una dintre formulările constante ale eseurilor finale include percepția, interpretarea și evaluarea unei poezii.

Pentru mesaje, puteți alege o poveste despre soarta poeților care au rămas în Rusia sovietică și despre soarta celor care au ajuns în exil.

O altă opțiune: ascultați cântece și romanțe bazate pe poezii ale poeților din Epoca de Argint, luați pauze muzicale și poate citiți o poezie pe muzică. În design puteți folosi portrete ale poeților, retipări ale operelor lor, antichități (ceasuri, fotografii, sfeșnice, evantai etc.), care vor ajuta la crearea atmosferei necesare. În orice caz, timpul semnificativ petrecut pregătirii lecției se va plăti cu o atmosferă înălțătoare și căldură. Este mai bine să nu conduceți deloc astfel de lecții în mod oficial.

I. O. E. Mandelstam

Soarta lui Osip Emilievich Mandelstam (1891-1938) a fost inițial strălucitoare. A primit o educație excelentă - mai întâi în Rusia, apoi în Franța, la Sorbona, apoi în Germania, la Universitatea din Heidelberg și din nou în Rusia - la Facultatea de Istorie și Filologie a Universității din Sankt Petersburg. Călătoriile prin Europa i-au adâncit interesul pentru filologia romanică și cultura antică. A început să scrie poezie devreme. Ca un băiat de optsprezece ani, a intrat în lumea poetică din Sankt Petersburg, apoi în „Atelierul poeților”, condus de Gumiliov.

Potrivit lui A. A. Akhmatova, Mandelstam nu are profesori, este un poet de la Dumnezeu: „Cine va indica de unde ne-a venit această nouă armonie divină, care se numește poeziile lui Osip Mandelstam?”

Dacă nu un profesor, atunci predecesorul lui Mandelstam a fost Tyutchev. Acest lucru este evidențiat cel puțin de apelul nominal al poeților în poeziile cu același titlu „Motivele lui Tyutchev „Există melodiozitate în valurile mării...” și „O, sufletul meu profetic...” sunt auzite în poemul lui Mandelstam „The vela sensibilă încordează auzul...” Pentru ambii poeți au interpretări similare ale imaginilor: spațiu, haos, somn, mare...

Poezia lui Mandelstam are, de asemenea, origini simboliste: el a fost captivat de opera lui M. Kuzmin, un „poet clasic”, în cuvintele sale; era pasionat de filosofia lui V. Solovyov și N. Berdyaev. P. Florensky; opiniile sale asupra naturii cuvintelor erau asemănătoare cu cele ale lui A. Bely. Din anii 1910, Mandelstam a devenit apropiat de acmeiști, a colaborat la revistele „Alollon” și „Hyperborea” și a dezvoltat poetica acmeismului. Când mulți ani mai târziu, Mandelstam a fost întrebat ce este Acmeismul, el a răspuns: „Nostalgie pentru cultura mondială”.

În poezia lui Mandelstam există cultură, artă în diversele ei întrupări: literatură, teatru, pictură, arhitectură. Muzica este definită ca „totul viu / O legătură de neîntrerupt”, ea este întruchipată în imaginile lui Mozart, Beethoven, Bach, Scriabin; uneori combinat cu imagini antice, ceea ce îi conferă caracterul de armonie eternă:

Rămâi spumă, Afrodita,

Și, cuvânt, întoarce-te la muzică...

Cuvântul este înțeles ca un fel de material de construcție, o piatră din care se construiește clădirea poeziei. Nu degeaba prima colecție a poetului, publicată în 1913, se numește „Piatră”. Mandelstam spune despre arhitectura poetică: „Introducem goticul în relația dintre cuvinte, așa cum l-a stabilit Sebastian Bach în muzică”. Poetul este fascinat de posibilitățile arhitectonice ale unui obiect - piatră, lut, lemn - structura și esența lor filozofică, un lucru ca recipient al spiritului și ca cuvânt. Poetul personifică fenomenele individuale, înzestrează obiectele cu greutate și greutate. Această greutate se simte în opoziția obiectelor, uneori poate fi neobișnuit pentru ele prin natura lor: „servici în haine grele de blană”, „aripile rațelor sunt acum grele”, „se revarsă aburi grei”, dar unele „lucruri”. sunt ușoare”, o persoană poartă o „cruce ușoară”. În poezia lui Mandelstam se simte nu numai „greutatea” unui lucru, ci și textura, densitatea, materialul acestuia: „mătasea unei eșarfe care gâdilă”, „marmură de zahăr”, „lună de cupru”, „firmament de sticlă”, „porți de fier”. ”, „sticlă colorată”, „coaja fragilă”, o stea care pare un „ac ruginit”...

Cuvântul „piatră” în sine este rar folosit, dar îl simți indirect: șalul, „căzând de pe umeri, transformat în piatră”, „poartă cărămizile / soarelui într-un cărucior decrepit”. Piatra primește un sens filosofic și simbolic. Misticul, irealul este în contrast cu pământesc, material, real.

Imaginile arhitecturii sunt, de asemenea, asociate cu imaginea pietrei - una dintre temele principale ale poeziei lui Mandelstam. Acestea sunt poezii despre piramidele egiptene, despre Catedrala Sf. Sofia din Constantinopol, despre monumente de arhitectură antice, despre Catedrala Notre Dame, despre templele Kremlinului, despre Amiraltate... Mandelstam descrie nu atât aceste clădiri, cât gândurile sale despre ele. , asocierile cauzate de capodoperele arhitecturale, face generalizări filozofice:

Frumusețea nu este capriciul unui semizeu,

Și ochiul de prădător al unui simplu tâmplar.

Capodoperele arhitecturii sunt spiritualizate de poet: acestea nu sunt doar structuri ideale, sunt sufletul imprimat în piatră, strălucind prin ea. În poezia „O, aerul ăsta, beat în frământare...” catedralele Kremlinului din Moscova cu „fețe de ceară” au fiecare chipul, propriul caracter și, în același timp, un lucru comun - focul viu de talent ascuns în ele:

Adormirea, minunat de rotunjită,

Toată surpriza arcurilor cerești,

Și Blagoveșcenski, verde,

Și, îmi închipui, el se va răci brusc.

Arhangelsk și duminica

Ele strălucesc ca palma mâinii tale -

Peste tot este ascunsă ardere,

Foc ascuns în ulcioare...

În poezia lui Mandelstam, imaginile culturii mondiale sunt cuplate cu fenomene ale vieții obișnuite prin lanțuri de asocieri: vagabondul din Sankt Petersburg seamănă cu Verlaine („Bătrânul”), luna seamănă cu un cadran de ceas, ea, la rândul său, evocă gânduri. despre vreme, îmi amintesc de Batyushkov, care a știut să se distragă de la imediat de dragul gândurilor despre etern („Nu, nu luna, ci un cadran luminos...”). În „Strofele din Petersburg” straturile istorice și culturale ale vechiului și noului Petersburg sunt reunite:

Deasupra clădirilor galbene ale guvernului

O furtună de zăpadă noroioasă s-a învârtit mult timp,

Și avocatul urcă din nou în sanie,

Cu un gest larg, și-a înfășurat paltonul în jurul lui.

Forma timpului prezent a verbului („se așează”) neglijează timpul real - totul se întâmplă „aici și acum”, și chiar și eroul din „Călărețul de bronz” al lui Pușkin, „excentricul Eugen”, unul dintre multele, apare pe străzile din Sankt Petersburg: îi este „rușine de sărăcie, / Benzina inspiră și blestemă soarta”.

Poetul urmărește legături profunde și întrepătrunderea unor fenomene îndepărtate în timp și spațiu. Astfel, el își înțelege timpul, era; este convins de eternitatea și continuitatea culturii chiar și în vremuri ostile acesteia.

Printre colegii săi acmeiști, Mandelstam s-a remarcat prin originalitatea sa unică. După cum notează E. S. Rogover, „poetul se caracterizează printr-un rol sporit al contextului artistic cu cuvintele-semnale-cheie; credința în posibilitatea cunoașterii iraționalului și încă inexplicabil; dezvăluirea temei spațiului și încercarea de a înțelege locul special al individului în ea; natura filozofică înaltă a poeziei; un imn lui Dionysos și glorificarea inspirației de foc („Oda lui Beethoven”), opus meșteșugului uscat și gândirii raționale; ideea creștină de a depăși moartea tradusă în creativitate; aspiratie, necaracteristica acmeismului, printr-o clipa catre eternitate; angajamentul față de epoca romantică a Evului Mediu și lumea muzicii”.

Mandelstam a salutat Revoluția din octombrie 1917 ca pe ceva inevitabil. În poemul din 1918 „Să slăvim, fraților, amurgul libertății...” există o prevestire a sfârșitului timpului:

Cine are inimă trebuie să audă timpul,

Pe măsură ce nava ta se prăbușește.

Imaginea unui timp crud, rănit de moarte, întrerupt în poemul din 1922 „Secolul”:

Vârsta mea, fiara mea, cine poate

Privește-ți elevii

Și cu sângele lui se va lipi

Două secole de vertebre?

Și mugurii se vor umfla în continuare,

Un lăstar de verdeață va stropi,

Dar coloana vertebrală este ruptă,

Frumoasa mea vârstă jalnică!

Aici este regândită imaginea lui Hamlet: „Legătura vremurilor s-a destramat...” devine mai tangibilă, mai „dureroasă”, mai dureroasă.

O regândire a imaginilor literaturii clasice apare și în poezia „Concert la gară”:

Nu poți respira, iar firmamentul este infestat de viermi,

Și nici o stea nu spune...

Lumea armonioasă a lui Lermontov „Ies singur pe drum...” este distrusă și nu numai că nu există speranță, ci nu există nicio cale de a respira.

Tot în 1922, a fost publicată o nouă colecție a poetului - „Tristia” (tradus din latină ca „Dristări”). Deși temele acestei colecții sunt antichitatea, legătura de epoci, dragoste, totuși, tonul principal este din titlu. În poemul „Will-o’-the-wisp la o înălțime teribilă!” (1918) se repetă versul într-un refren trist: „Fratele tău, Petropol, moare!” Această moarte care are loc în fața ochilor noștri devine un prevestitor al viitoarei catastrofe globale.

De când Mandelstam a primit un refuz categoric de la editura sovietică de a-și tipări poeziile în 1925, nu a mai avut ocazia să publice de cinci ani. În poemul „1 ianuarie 1924” există o premoniție a unei astfel de întorsături:

Știu că în fiecare zi expirația vieții slăbește,

Încă puțin - te vor tăia

Un cântec simplu despre nemulțumirile de lut

Și buzele tale vor fi umplute cu tablă.

Până la vârsta de treizeci de ani, totul era deja complet clar pentru Mandelstam. Bestia-vârstei se transformă în câine-lup-vârstă:

Secolul lupului se repezi pe umerii mei,

Dar nu sunt un lup de sânge,

Mai bine mă bagi ca o pălărie în mânecă

Blanuri fierbinți din stepa siberiană.

Natura alegorică a acestei imagini este evidentă. Eroul liric este pregătit pentru orice - în cel mai bun caz, pentru exilul siberian. În multe dintre poeziile lui Mandelstam există indicii de arestări, violență, excese de putere, tiranie sovietică și tiranul însuși:

Trăim fără să simțim țara sub noi,

Discursurile noastre nu pot fi auzite la zece pași.

Și unde este suficient pentru o jumătate de conversație,

Montanicul de la Kremlin va fi amintit acolo.

Poetul a fost arestat pentru prima dată în 1934. Adevărat, cele mai întunecate vremuri erau încă înainte: lui Mandelstam i s-a ordonat să „izoleze, dar să păstreze”. Exilul la Voronej părea o speranță; a fost marcat de ascensiunea creativă a poetului: el a creat aici trei „caiete Voronej” de poezie. Akhmatova a scris: „Este uimitor că spațiul, lățimea, respirația profundă au apărut în poeziile lui Mandelstam tocmai în Voronezh, când era complet neliber.”

A urmat o a doua arestare în mai 1938. Ultima scrisoare a lui Osip Emilievich Mandelstam, adresată fratelui și soției sale, este datată pe 20 octombrie a aceluiași an:

„Dragă Shura!

Sunt situat - Vladivostok, SVITL, cazarma 11.

Am 5 ani pentru k.r.d. prin decizia OCO. Etapa a plecat din Moscova din Butyrki pe 9 septembrie și a sosit pe 12 octombrie. Sănătatea este foarte precară. Epuizat până la extrem, slăbit, aproape de nerecunoscut, dar trimite lucruri, mâncare și bani - nu știu dacă are rost. Încearcă oricum. Mi-e foarte frig fără lucruri.

Dragă Nadenka, nu știu dacă ești în viață, porumbelul meu. Tu, Shura, scrie-mi acum despre Nadia. Acesta este punctul de tranzit. Nu m-au dus la Kolyma. Iernare posibilă.

Rudele mele. Te pup..."

(Explicații:

SVITL - Departamentul Lagărelor de Muncă Corecțională de Nord-Est.

K.r.d. - activitate contrarevoluţionară.

OSO - întâlnire specială.)

După ce a primit scrisoarea, soția poetului, Nadejda Yakovlevna, a trimis imediat coletul, dar Osip Emilievici nu a avut timp să primească nimic. Banii și coletul au fost returnate cu un bilet: „În spatele morții destinatarului”.

Viața poetului s-a încheiat în vecinătatea orașului Vladivostok, într-un lagăr de strămutare. Mormântul lui este necunoscut, la fel ca mormintele multora dintre camarazii săi de nenorocire. Poeziile sale, în ciuda unei interdicții pe termen lung, au revenit cititorilor. Timpul nu are putere asupra lor.

II. Despre G. Ivanov

Georgy Ivanov (1894-1958) este unul dintre cei mai mari poeți ai emigrației ruse, ale cărui poezii s-au întors în patria de curând: prima sa carte a fost publicată în patria sa abia în 1989 (fără a număra colecțiile pre-revoluționare).

Ceea ce scria în „Jurnalul său postum” s-a adeverit: „Dar nu am uitat ce mi s-a promis // Să înviez. Întoarcerea în Rusia - în versuri.

Și în tinerețe, care a coincis cu perioada de glorie a poeziei ruse, el nu a fost înscris printre primii poeți. A fost un dandy din Sankt Petersburg, un snob, un erudit, un duh, un scriitor de poezie, autorul mai multor cărți - și cine nu a scris atunci?

Soția lui Ivanov a fost Irina Odoevtseva (1895-1990), poetesă, prozatoare, memoristă, care i-a supraviețuit mult, iar în 1987 s-a întors în Rusia - la Leningrad. Ea a scris cele mai interesante memorii, memorii despre poeții epocii de argint. Aceste memorii conțin și o biografie timpurie a lui Georgy Ivanov, reprodusă din poveștile sale. Potrivit Irinei Odoevtseva, „poeziile i-au venit incredibil de ușor, ca și cum ar fi căzut complet din cer”. Poeziile ar putea fi cauzate din motive complet aleatorii, nesemnificative:

Deci, făcând fleacuri -

Cumpărături sau bărbierit, -

Cu mâinile tale slabe

Recreăm o lume minunată.

Îmi vin în minte termenii Annei Akhmatova - cam același lucru:

Dacă ai ști ce fel de gunoi

Poeziile cresc fără rușine...

Ivanov a crescut ca un mare poet rus în exil; dorul după patria sa a determinat tonul principal al poemelor sale:

fericirea Rusiei. Rusia lumina.

Sau poate că nu există deloc Rusia.

La fel ca Bunin, Ivanov a păstrat Rusia în opera sa așa cum a cunoscut-o și a iubit-o:

Acesta este sunetul clopotelor de departe,

Acestea sunt trei cu o alergare largă

Aceasta este muzica neagră a lui Blok

Zăpada cade pe strălucirea...

Deja în acest catren. Observăm o tehnică caracteristică lui Georgy Ivanov, care determină acum în mare măsură poezia rusă contemporană (conceptualismul sau poezia reminiscentă). Acesta este o poezie centone, sau „petic”.

Ivanov nu l-a inventat, a fost inventat de poeții romani târzii. Având în vedere că totul măreț fusese deja scris, au inventat un joc ciudat: să compună texte noi din diferite poezii clasice, iar aceste texte au căpătat un caracter „în două straturi”. Pe lângă sensul „vechi” familiar cititorului, a apărut unul nou - datorită contextului neobișnuit. Denumirea „centon” provine din latinescul „patchwork quilt”.

Mulți critici nu consideră centones ca fiind poezii cu drepturi depline. Centon este aproape de citate - folosirea fragmentelor unei lucrări în alta. Centonul clasic este format în întregime din citate, dar mai des în textele poetice există citate individuale din poezii celebre. În poezia rusă, P. A. Vyazemsky este considerat inițiatorul acestei tehnici; a fost folosit, de exemplu, de A. S. Pușkin.

Pentru Georgy Ivanov, tehnica citatului, centon, a devenit o necesitate, o modalitate de conectare la contextul culturii naționale:

Cât de departe până mâine!

Sună cu pinteni argintii.

După cum scrie criticul literar L. Kalyuzhnaya, „Georgy Ivanov a pus ultima parte a pânzei acelei epoci în artă, pe care o numim clasici ruși, înscriind replici din poeții trecutului pe tăblițele secolului al XX-lea și, străpungând acest lucru pânză, s-a repezit în viitor, dar acest „viitor”, se poate părea, nu a găsit nimic:

Sunt puțin din viitor

Mai exact, nu mă aștept la nimic.

Nu cred în mila lui Dumnezeu

Nu cred că voi arde în iad.

Din poezia sa se pot judeca toate renunțările, ispitele, sacrilegiile, seducțiile și experimentele prin care au trecut contemporanii noștri de-a lungul secolului. El însuși nu a evitat nimic și nu a ascuns nimic. Dar după poezia sa se poate judeca și ceea ce a adus omul secolului al XX-lea în pragul mileniului trei. „Doamne, strig către Tine!” - poate aceasta este esența poeziei lui Ivanov? - a întrebat Georgy Adamovich.

Poezia lui Georgy Ivanov este surprinzător de modernă, parcă ni s-ar adresa:

Stelele devin albastre. Copacii se leagănă.

Seara este ca seara. Iarna este ca iarna.

Totul este iertat. Nimic nu este iertat.

Muzică. Întuneric.

Toți suntem eroi și toți suntem trădători,

Toată lumea, în egală măsură, credem cuvintele.

Ei bine, dragii mei contemporani,

Te distrezi?

„Pentru a deveni poet, trebuie să te balansezi cât mai tare posibil pe leagănul vieții”, și-a amintit Georgy Ivanov cuvintele lui Alexander Blok. Dar el însuși nu s-a balansat pe leagănul vieții, ci pe „leagănul” dorului său. Partea exterioară a vieții lui nu este bogată în evenimente. Nu și-a testat curajul în călătorii și în război, ca Gumiliov, nu a început romane „nu pentru dragoste - pentru inspirație”, precum Bryusov... Nu a trebuit să „devină” poet, el, potrivit lui Adamovici , „a venit pe lume să scrie poezie”, și aceasta este tema lui, i-a apărut soarta - exilul”.

Această temă se poate manifesta în diferite moduri: să apară în cuvinte, să fie exprimată printr-un sentiment, să fie ghicit în dispoziție. Singurătate, melancolie, un suflet care se străduiește să „comunica” cu un alt suflet:

Melodia devine o floare

Înflorește și se prăbușește,

Este făcut de vânt și nisip,

O molie de primăvară zboară spre foc,

Ramuri de salcie cad in apa...

Trec o mie de ani instant

Și melodia se reîncarnează

Într-o privire grea în strălucirea unui epolet,

În jambiere, în mentik, în „Onorata voastră”,

În paza cornetului - oh, de ce nu?

Ceață... Taman... Deșertul îl ascultă pe Dumnezeu.

Cât de departe este până mâine!

Și Lermontov iese singur pe drum,

Sună cu pinteni argintii.

Totul trece - doar arta este eternă. Muzica, poezia se schimbă, se reîncarnează, poate deveni o floare sau poate fi întruchipată în lucruri complet prozaice: „pantaloni, mentic”. Granițele temporale și spațiale sunt separate, trebuie doar să asculți, să privești în ceață, să simți armonia care există invariabil în lume și este invariabil de neatins.

Opțiunea lecției 24-25 (II).

Sonetul Epocii de Argint

Obiectivele lecției: extinde înțelegerea de către elevi a genului sonet; arată rolul sonetului în opera poeților epocii de argint; îmbunătățiți-vă abilitățile de analiză a poeziei.