Ndikimi i ngjarjeve historike në artin sovjetik. Veprat më të mëdha të artit Veprat e artit që pasqyrojnë imazhet e njerëzve të shquar
histori arti ikonologji artistike
Detyra numër 1
1. Përgjigjuni pyetjes dhe citoni si citat fragmente deklaratash që konfirmojnë përgjigjen tuaj: cilat janë drejtimet kryesore në zhvillimin e historiografisë antike të përcaktuara në veprat e Herodotit dhe Tukididit dhe si ndikuan ato në zhvillimin e metodologjisë së artit historia në Mesjetë dhe Rilindja?
Një qasje e integruar për studimin e historisë shfaqet në veprën e Herodotit. Në rrëfim ai përfshin materiale të gjera gjeografike dhe etnografike. Ai i vuri vetes detyrën për të gjetur shkakun e fillimit të luftërave greko-persiane, kështu, në përshkrimin e tij, ai vepron si historian-studiues, i interesuar si për përshkrimin ashtu edhe për kërkimin e lidhjeve hetimore (“... që të mos harroheshin në mënyrë të palavdishme veprat e njerëzve dhe veprat e mëdha dhe mahnitëse të denja të kryera nga helenët dhe barbarët, veçanërisht arsyeja pse ata hynë në luftë mes tyre”).
Tucyditis, duke qenë pjesëmarrës në Luftën e Peloponezit, zhvillon një lloj historiografie pragmatike. Ndryshe nga Herodoti, Tukididi ka një qasje kritike në përshkrimin e rrjedhës së ngjarjeve: "Unë nuk e konsiderova të pëlqyeshme me detyrën time të shkruaj atë që mësova nga të tjerët, pas një kërkimi sa më të saktë të mundshme për çdo fakt të marrë veçmas," shkroi Tukididi. “Kërkimet ishin të vështira, sepse dëshmitarët okularë të fakteve individuale përcillnin të njëjtën gjë ndryshe, por në mënyrën që të gjithë mund ta përcillnin, të udhëhequr nga simpatia për njërën ose tjetrën palë ndërluftuese ose bazuar në kujtesën e tyre. Vështirësia e Kontrollit të Fakteve Kritike histori moderne dhe e bëri Tukididin edhe më mosbesues ndaj traditave të së shkuarës. “Çfarë i parapriu kësaj lufte dhe çfarë ndodhi në një edhe më shumë kohët e hershme, ishte e pamundur, për shkak të parashkrimit të kohës, të hetohej me saktësi. Krahasuar me Herodotin, ai thelloi metodën e historiografisë, falë së cilës historiografia e lashtë mori një shenjë tjetër. Me Tukididin, historiografia e lashtë jo vetëm që bëhet shkencë në kuptimin e plotë të fjalës, por ajo ngrihet në lartësi të tilla që brezat pasardhës të historianëve të lashtë nuk ishin në gjendje t'i mbanin. Pasioni për përpunimin retorik të paraqitjes, i cili u intensifikua në klasikun e vonë dhe arriti kulmin në periudhën helenistike dhe romake, çoi në rritjen e prirjes artistike dhe moralizuese në dëm të asaj shkencore.
Një tipar i historiografisë antike ishte interesi kryesor për historitë lokale.
Një arritje e rëndësishme e historiografisë antike është zhvillimi i teorisë së zhvillimit dhe koncepteve të rregullsisë të lidhura ngushtë me të.
Historiografia e lashtë dallohej nga një gamë e kufizuar burimesh dhe nga natyra individuale e kërkimit historik. Në antikitet nuk kishte një shërbim arkivor të organizuar siç duhet dhe historianët përdorën vetëm rastësisht dhe rastësisht materiale dokumentare. Historianët e lashtë shpesh përdornin thashetheme, tregime gojore, përkthime të pasakta të priftërinjve vendas, verifikimi kritik i të cilave shpesh ishte i vështirë, dhe ndonjëherë i pamundur. Sidoqoftë, në përgjithësi, gjatë një periudhe të gjatë të zhvillimit të tij, mendimi i lashtë historik arriti lartësi të mëdha, u zhvilluan disa ide themelore, shqyrtimi i të cilave mund të bëhet mbi veprën e Herodotit (midis viteve 490 dhe 480 - rreth 425 p.e.s.) , një historian i lashtë grek, i mbiquajtur "babai i historisë".
Humanistët e Rilindjes shpallën refuzimin e sistemit mesjetar të vlerave kulturore dhe i kundërshtuan ato me mostra antike. Ringjallja e arritjeve kulturore të antikitetit të harruara në Mesjetë, apeli i theksuar ndaj modeleve antike në art, arkitekturë, letërsi dhe histori - i tillë ishte slogani i humanistëve. Gjatë kësaj periudhe vihet re një interes në rritje për historinë antike, veçanërisht për veprat e historianëve të lashtë, një përpjekje për të zotëruar arritjet e tyre. Në përgjithësi, shkenca historike në periudhën nga fillimi i Rilindjes në Itali në shekullin XIV. dhe në anglisht revolucioni borgjez mesi i shekullit të 17-të merr një cilësi të re. Kjo është periudha e parë në zhvillimin e historiografisë së antikitetit - historiografisë së periudhës së humanizmit.
Historiografia tregon se si temat, metodat dhe teknikat e kërkimit kanë ndryshuar nga shekulli në shekull, se si historianët, duke përdorur përvojën e tyre të grumbulluar, kanë përmirësuar mënyrat e studimit të së kaluarës nga faza në skenë. Materiali fillestar për kërkimin historiografik është një fakt historiografik.
Historiografia, siç u theksua tashmë, është organikisht e lidhur me metodologjinë e historisë.
Në historiografi, parimet e përgjithshme metodologjike mbetën të pandryshuara - historicizmi dhe objektiviteti.
Parimi i historicizmit përfshin kërkesa specifike. Ngjarjet dhe dukuritë në shkencën historike konsiderohen në bazë të vëzhgimit të sekuencës kohore, vazhdimësisë së ndryshimit të periudhave dhe fazave të zhvillimit të saj. Çdo fakt historiografik analizohet në procesin e origjinës, formimit dhe zhvillimit. Studimi i ngjarjeve të shkencës historike kryhet në lidhje të ngushtë me kushtet specifike historike për shfaqjen e tyre.
Po aq i rëndësishëm është parimi i objektivitetit. Zbatimi i tij në historiografi presupozon lirinë e historianit nga “rendi shoqëror”, paragjykimet, një analizë e paanshme e literaturës historike në dispozicion, “mbishkrimi” i burimeve historiografike në një kohë specifike historike, refuzimi i rolit të “gjyqtarit”. të paraardhësve të tij dhe konsiderimi i traditës historiografike kombëtare.
Një nga detyrat më të rëndësishme të metodologjisë së historisë është të zbulojë natyrën, qëllimin dhe specifikën e metodave.
Vendin e parë, ndër të tjera, e zë metoda krahasuese-historike, e cila bën të mundur krahasimin historik, krahasimin dhe vendosjen e paraleleve. Në historiografi, aplikimi i kësaj metode bën të mundur studimin e fakteve historiografike si në lidhje të ngushtë me situatën historike në të cilën ato u ngritën dhe funksionuan, ashtu edhe në ndryshimin cilësor në faza të ndryshme të zhvillimit.
Metoda krahasuese-historike nuk përjashton, por përkundrazi, presupozon përdorimin e metodës së analizës konkrete në historiografi. Kjo metodë është e përqendruar në studimin e dukurive dhe situatave individuale historiografike, duke marrë parasysh kushtet e shfaqjes së tyre dhe ndikimin e ndërsjellë, "prerjet" e materialit teorik dhe faktik.
Metoda kronologjike funksionon edhe në historiografi. Ai kontribuon në studimin e fakteve historiografike nga këndvështrimi i proces i ndërlidhur, në të cilat krahasohen fazat dhe periudhat individuale për të zbuluar modelet objektive të akumulimit dhe thellimit të njohurive historiografike. Metoda kronologjike e paraqitjes ndonjëherë rezulton e papranueshme për studimin analitik të procesit historiografik. Në këtë drejtim, historiografët përdorin shpesh metodën problematike-kronologjike. Kjo metodë përfshin "shpërbërjen" e një teme pak a shumë të gjerë në një seri të çështje të ngushta, secila prej të cilave konsiderohet sipas rendit kronologjik.
Përdorimi i metodës së periodizimit të procesit historik po merr një rëndësi metodologjike gjithnjë e më të madhe. Pikërisht në këtë metodë bazohet shpërndarja e qytetërimeve, formacioneve, epokave, periudhave, fazave, të ndryshme nga njëra-tjetra në nivelin e zhvillimit shoqëror. Në historiografi, kjo metodë ka specifikat e veta - këto "artikulime" kryhen për të zbuluar drejtimet përcaktuese në zhvillimin e mendimit shkencor në çdo segment specifik të "kohës historiografike", për të identifikuar fenomene të reja brenda historiografisë ekzistuese dhe zëvendësuese. shtresat.
Për historiografinë, metoda retrospektive (kthimi) ka një vlerë të caktuar. Thelbi i tij qëndron në studimin e procesit të lëvizjes së mendimit të studiuesit nga e tashmja në të kaluarën: studimi i elementeve të së vjetrës, të ruajtura në ditët tona dhe rindërtimi mbi bazën e tyre të ngjarjeve dhe dukurive që ndodhën. në histori. Retrospeksioni në historiografi lejon përdorimin e njohurive moderne për të studiuar gjendjen e tyre në të kaluarën.
Në historiografi është e dobishme të përdoret metoda e aktualizimit, që në fakt nënkupton përcaktimin e vlerës së njohurive shkencore për të tashmen, por edhe për të ardhmen. Metoda e aktualizimit bën të mundur ndërtimin e parashikimeve shkencore për zhvillimin e ardhshëm të shkencës historike në bazë të identifikimit të tendencave të saj kryesore. Ajo ka një vlerë pragmatike, duke ofruar një mundësi për t'u zhvilluar këshilla praktike për veprimtari të mëtejshme të historiografëve mbi bazën e “mësimeve të historisë”.
2. Përgjigjuni pyetjes: kush është autori? Historia e botës”, “Përshkrimet e Hellas”, “Historia e natyrës” dhe se cilës kohë i përkasin këto vepra, shpjegoni specifikat e zhanrit të këtyre veprave. Jepni shembuj se si preken problemet e përshkrimit, analizës, atribuimit, monumenteve artet pamore në burimet e treguara
Specifikimi i zhanrit - përshkrimi i ushtrisë dhe histori politike. Polybius parashtron kërkesat e mëposhtme për përshkrim: historia, së pari, duhet të jetë universale në natyrë dhe të përfshijë në paraqitjen e saj ngjarje që ndodhin njëkohësisht si në perëndim ashtu edhe në lindje, dhe prezantimi duhet të jetë sinkron. Më tej, historia nuk duhet të jetë boshe, argëtuese, prioriteti i saj është autenticiteti. Ai është kundër retorikës. Ai i kushtoi vëmendje historisë private, historisë së heronjve. Një rol të rëndësishëm i dha edhe Polibi udhëtimit, i cili e ndihmon historianin të krijojë vepër.
Autori i Përshkrimi i Hellas është Pausanias. shekulli II para Krishtit Zhanri periegez (greqisht periaiges - "mbulon tokën") - "qarkullim përreth". Trud është një udhëzues për vendet më të interesit Greqia e lashte, përfshin legjenda të lidhura me një vend të caktuar. Përshkrimi i monumenteve monumentale bazuar në përshtypjet personale, koha e krijimit të tyre, studimi i mbishkrimeve, inventari i tempullit etj. Është një burim i rëndësishëm informacioni mbi artin në fushën e arkaizmit grek. Pausanias i përshkroi me shumë saktësi dhe mjeshtëri monumentet arkitekturore. Një shembull është tempulli i Zeusit në Olimpia, thesaret në Delphi, duke treguar vendndodhjen, madhësinë, materialet, përshkrimin e detajeve të vogla. Shkruani për porositë.
Autori i Historisë Natyrore është Plini Plaku. Ky është një nga burimet kryesore të informacionit tonë për artin antik. Përpiluar rreth vitit 77 pas Krishtit. për enciklopedinë e perandorit romak Titus. Librat 33-36 i kushtohen artit, ku Plini shqyrton skulpturën dhe pikturën në bronz dhe mermer, duke i atribuar ato sipas datave të veprimtarisë së artistëve gjatë viteve të olimpiadave. Ky është një lloj katalogu me një përshkrim të imazheve, materialeve, teknikave, biografi të shkurtra artistët sipas rendit kronologjik. Për shembull, në librin 36, Plini shkruan për rendet arkitekturore, jep përmasat dhe përmasat e kolonave dorike, jonike, korintike, toskane. Në të njëjtin vend për teknika të ndryshme për gurin, për llojet e materialit etj. Në librat 34 dhe 35, ai i kushton vëmendje artit monumental, përshkruan statujat e Romës, pikturat dhe pikturat murale të Kapitolit, forumet dhe tempujt, dekorimin e brendshëm dhe mobilimin e tempujve, si dhe ambientet e brendshme të shtëpive private.
3. Shpjegoni veçoritë e funksionimit të zhanrit të ekfrazës në letërsinë e arkaizmit grek, klasikëve, helenizmit dhe gjurmoni ndikimin e llojeve të ekfrazës greke të lashta në letërsinë e Bizantit dhe Europa Perëndimore gjatë Mesjetës dhe Rilindjes.
Ekfraza është një përshkrim verbal i çdo objekti të krijuar nga njeriu. Ekfraza e hershme antike nuk përfaqësonte një gjini letrare të veçantë, ato ishin devijime nga tregimi kryesor në formën e një elegjie, epitafi, epigrami. Ekfrasis e ka origjinën në tempujt grekë, origjina e saj qëndron në ritet priftërore. Pastaj ekfraza shfaqet në epikat poetike - këtu ato janë përshkrime të veprave të famshme (ndonjëherë imagjinare) të artit. Një shembull klasik i ekfrazës greke është mburoja e Akilit, në Iliadën e Homerit, e cila përshkruan në më shumë se 120 rreshta atë që do të përshkruhet në mburojë kur Hephaestus ta falsifikojë atë. Filozofët dhe poetët iu drejtuan edhe ekfrazës: Aristoteli, Platoni, Sofokliu, Euripidi etj. Tek grekët, ekfrasisi është një lavdërim për një artist të frymëzuar nga perënditë për të krijuar bukurinë. Me romakët, artisti zbehet në sfond. Ekfraza është pjesë e retorikës së tyre. Virgjili në poemën "Eneida" (29-19 para Krishtit) jep një përshkrim të ngjashëm me atë të Homerit për mburojën legjendare të Eneas (libri VIII), i cili përshkruan skena nga historia e Romës që nga themelimi i saj deri në mbretërimin e perandorit August. Si rezultat, ngjarjet e poemës lidhen me kontekstin e historisë së shenjtë. qyteti i përjetshëm. Kështu, ekfraza lidh të shkuarën, të tashmen dhe të ardhmen, ndonjëherë me motive ndërtuese, moralizuese ose filozofike. Retorika me orientim didaktik përfshin edhe ekfrazën e Përshkrimit të Statujave nga Kalistrati. Zhanri i ekfrazës dialektike përfaqësohet nga "Pikturat" e Flavius Filostratus Plaku dhe i Riu (shek. II-III pas Krishtit). Në parathënien e veprës së tij, Filostrati Plaku raporton për një galeri në Napoli, në të cilën një dashnor i caktuar i pikturës, një mbrojtës i arteve, mblodhi 65 piktura - pinak (piktura në dërrasa druri). Me shumë mundësi, ky mesazh është një mjet letrar, një trillim poetik, por ndoshta një përshkrim i një koleksioni pikturash që ekzistonin në të vërtetë. Autori e çon studentin e ri nëpër galeri dhe përshkruan çdo foto në detaje. Para nesh ka komplote klasike të njohura nga mitet e lashta greke dhe veprat poetike të epokës helenistike dhe romake. Sidoqoftë, teksti i "Pictures" nuk është një përshkrim i komploteve, por një retorikë për veprat e artit të bukur, një përpjekje për të imagjinuar se çfarë (tashmë të humbura në atë kohë) të artistëve të famshëm grekë të lashtë Apelles, Zeuxis, Parrhasius, Polygnotus. duhet të ishte si. Filostrati i "vizaton" komplotet aq hollësisht saqë ka dyshim nëse ai "ka parë të paktën një nga fotografitë që përshkroi në realitet, nëse ai vetë ... është krijuesi i tyre"
Veprat e Filostratit ishin të njohura dhe të njohura në Bizant si "leximi edukues". Ato u botuan sërish gjatë Rilindjes Italiane, më 1579. Ka mundësi që teksti i “Pikturave” të jetë pasqyruar në kompozimet e afreskeve të Villa Farnesina në Romë, të realizuara në vitet 1511-1520. Rafaeli me studentët. Ose poeti italian i shekullit të 15-të Ariosto, në Roland Furious, përshkruan një galeri arti në kanto 33.
Në Bizant po bëhet transformimi i ekfrazës. Christodor Coptic, poet bizantin i fundit të shekullit të 5-të - fillimi i shekullit të 6-të. krijoi ekfraze "Përshkrim i statujave në një gjimnaz publik të quajtur Zeuxippus" nga 416 hekzametra. Ndërtesa e përmendur nga Christodorus u ndërtua në Bizantin e lashtë nga perandori Septimius Severus (193-211) dhe njihet si banjat e Zeuxippus, të djegura gjatë revoltës së Nikës në 532. Përshkrimet e Christodorus përfshinin karakteristika pak a shumë të gjata rreth 80 të skalitura personazhe, në të cilat autori ka përdorur gjerësisht klishe retorike. Një vend të veçantë në ekfrazën e Kristodorit të Koptit zë përshkrimi i statujës së "burrit të barabartë me perëndinë" të Homerit, të cilit i kushtohen rreth 50 rreshta.
Prokopi i Cezaresë në shek e vlerësoi perandorin Justinian I në veprën e tij "Mbi ndërtesat" si një ndërtues i madh. Pavel Selintiary krijoi "Ekfrasisin e Hagia Sophia" me rastin e shenjtërimit të tempullit, ky është një shembull i poezisë bizantine oborrtare. Gjatë periudhës së ikonoklazmës, ekfrazat u krijuan në mbrojtje të ikonave (Gjoni i Damaskut). Përfundim-ekfraza luajti rolin e një mjeti në krijimin e një shteti të ri fetar.
Në Bizant, gjinia e ekfrazës u përhap gjithashtu gjatë periudhës së Rilindjes Maqedonase (shek. IX-XI). Në shekullin XIV. Murgu bizantin Maximus Planud mblodhi dhe përpiloi një koleksion të ekfrazës greke në formën e epigrameve. Në oborrin e Palaiologëve në Kostandinopojë u vlerësua vepra e Gjon Eugenikut "Ekfrazi" (rreth 1436), e shkruar në imitim të "Pikturave" të Filostratit.
Ekfraza e Rilindjes (një epokë e përqendruar në gjithçka në antikitet) shkon prapa në epikën homerike, e cila u lehtësua nga përkthimet e autorëve grekë në latinisht. Ekfraza për formimin e një personaliteti humanist luan një rol të rëndësishëm edukimi dhe edukimi. Është e rëndësishme të vihen re tiparet e reja që Rilindja i dha ekfrazës. Forma më e zakonshme në të cilën ai u mishërua ishte lirika (më shpesh ato ishin sonete ose madrigale. Një shembull është Petrarka). Në lidhje me ndryshimin në shoqëri të pozitës shoqërore të artistëve në epokën e Cinquecento-s, në ekfrazën e Rilindjes, në krahasim me ato antike dhe mesjetare, motivi i lavdërimit të mjeshtrit që krijoi veprën është rritur me vetëdije dhe në themel. Ekfraza bëhet jo vetëm një lloj ode kushtuar një vepre specifike, por një himn për mjeshtrin dhe më gjerësisht - në parim krijimtarisë artistike, si manifestimi më i lartë i veprimtarisë njerëzore.
3. Komentoni ndikimin e veçorive të paraqitjeve gjeografike në zhvillimin e zhanrit të një udhëzuesi për vendet me interes nga lashtësia deri në kohët moderne, jepni shembuj
Kuadri topografik i Pausanias në "Përshkrimin e Hellas" është i kufizuar në qytetet dhe rajonet greke. Pausanias është një gjeograf "mitolog" i cili ndoqi qëllimin e krijimit të një libri udhëzues për pelegrinët grekë, rrugët janë shtigje drejt vendeve të shenjta me një përshkrim të rrugës dhe informacione të dobishme për udhëtarët. Romakët praktikë bënë Itineraria - "ndërtuesit e rrugëve", në të cilat, përveç përshkrimeve të rrugëve dhe distancave në një ose një pikë tjetër, nuk kishte asgjë tjetër.
Në mesjetë, për pelegrinët u lëshuan prototipe të udhërrëfyesve modernë, të cilët ndaheshin në dy lloje: udhërrëfyes të drejtpërdrejtë, të cilët përmbanin rrugë dhe këshilla praktike, dhe "udhëtimet", në të cilat pelegrinët përshkruanin udhëtimet e tyre. Përshkrimi letrar magjepsës i monumenteve antike, vendeve të kultit dhe antikitetit. Më të famshmit janë mirabilii, "Mrekullitë e qytetit të Romës", që datojnë në një kohë mjaft të vjetër, pasi kanë marrë formën e tyre klasike në shekullin XII, në një vepër që i atribuohet Benediktit, kanun i katedrales së Shën. Pjetri. Ndryshimi i ideve për Romën, Kostandinopojën dhe Jeruzalemin gjatë periudhës kryqëzatat 1096-1270 "Udhëtim" nga Hegumen Daniel, (XII), "Udhëtim në Tsargrad" nga Dobrynya Yadreykovich (XIII) janë shembuj të letërsisë pelegrinazhi.
Gjatë Rilindjes u hartuan udhërrëfyes nga botues profesionistë, topografë dhe studiues të ditur. Për shembull, Francesco Albertini krijoi një udhëzues topografik për statujat e Firences, Përshkrimi i shumë statujave. "Qyteti i mrekullueshëm i Romës" (1510) versioni i përshtatur i një udhërrëfyesi mesjetar të shekullit të 12-të. duke treguar vepra të rëndësishme arti. Francesco Sansovino (1521-1586) "Dialogjet mbi pamjet e Venecias" (1556), "Mbi origjinën e statujave të kuajve" (1566) janë burimet më të rëndësishme për historinë e artit në Venecia. Zhvillimi i zhanrit udhëzues universal: Francesco Bocchi (1548-1618) "Mbi bukuritë e qytetit të Firences" (1581), Leandro Alberti (1479-1552) "Përshkrimi i gjithë Italisë" (1550). Giulio Mancini - "Udhëtim nëpër Romë", "Reflektime mbi pikturën", Carlo Giuseppe Ratti (1737-1795) "Rekomandime mbi atë që mund të shihet bukur në Genova nga veprat e pikturës, skulpturës dhe arkitekturës" (1780) - formimi i një qasje muzeologjike për përshkrimin dhe katalogimin e veprave të artit.
Reagime nga mësuesi ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Për të krijuar një vepër arti mbresëlënëse, ju duhet të keni aftësi të veçanta që do të dallojnë krijimet tuaja nga puna e mjeshtrave të tjerë. Në disa raste, artistët me vetëdije ose pa vetëdije përfshijnë të dhëna të fshehura në kryeveprat e tyre që mund të hedhin dritë mbi jetën, dëshirat dhe teknikën e tyre personale. Shumë prej këtyre çelësave janë të fshehur në pamje të qartë. Pra, kapni furçat tuaja dhe bëhuni kreativ...
1. Pasqyrat Rembrandt
Rembrandt u bë i famshëm për përdorimin e tij të lojës së dritës në pikturat e tij madhështore. Në atë kohë, shumë artistë iu drejtuan efekteve të ndriçimit, si Rembrandt, por asnjëri prej tyre nuk mund të kapte bukurinë e botës rreth tyre në kanavacë siç bëri mjeshtri i madh. Gjatë viteve, studiuesit janë përpjekur të zhbllokojnë sekretin e teknikës së Rembrandt duke studiuar me kujdes detajet e pikturave të tij.
Për të krijuar efektin e saktësisë pothuajse fotografike, Rembrandt manipuloi mjedisi me ndihmën e pasqyrave dhe ndriçimit - çfarë, në fakt, fotografët modernë po bëjnë tani. Kur pikturonte autoportrete, Rembrandt përdori kombinime komplekse të pasqyrave të sheshta dhe konkave, së bashku me një kamera obscura, për të marrë ngjashmërinë më të mirë të mundshme. Gjatë jetës së tij, artisti i madh nuk ia zbuloi askujt teknikën e tij. Dhe vetëm pasi testuan sistemin e pasqyrave, historianët e artit mësuan për sekretin e madhështisë së tij.
2. Muzika e "Darkës së Fundit"
Leonardo da Vinci ishte i talentuar jo vetëm në art, por edhe në fusha të tjera krijuese si muzika dhe shkrimi. Një ditë ai vendosi të kombinonte talentet e tij për të krijuar një vezë shumë kurioze të Pashkëve në një nga pikturat e tij më të famshme.
Darka e Fundit përmban një veçori interesante, përkatësisht shoqërimin muzikor. Në foto, buka, si dhe duart e Krishtit dhe apostujve, janë vendosur në tryezë në mënyrë të tillë që të formojnë një staf muzikor me pesë rreshta. Nëse lexoni shënimet nga e djathta në të majtë, siç i pëlqente të shkruante vetë Da Vinci në ditarët e tij, atëherë mund të merrni një përbërje të tërë që parashikon vuajtjet e Jezu Krishtit.
3. Portreti i humbur i Edgar Degas
Midis 1876 dhe 1880, Edgar Degas punoi në pikturën e njohur si "Portreti i një gruaje". Emri flet vetë. Fotografia vërtet përshkruante vetëm një grua me një mantel të zi, por me kalimin e kohës, një tjetër portret filloi të shfaqej mbi të.
Në vitin 1922, punonjësit e muzeut parizian vunë re se diçka e çuditshme po ndodhte me "Portretin e një gruaje". Në të kishte njolla të zbardhura dhe detaje të tjera të çuditshme. Megjithatë, kjo u harrua shpejt. Dhe vetëm me ndihmën e teknologjisë moderne me rreze X, më në fund arritëm të zbulonim atë që pikturoi Edgar Degas më shumë se një shekull më parë.
Në vitin 2016, gjatë një ekzaminimi që zgjati tridhjetë e tre orë, u zbulua se Degas pikturoi një grua tjetër në pikturën e tij misterioze, me shumë gjasa modelin dhe muzën e tij të parë, Emma Daubigny. Një portret si ai i pikturuar nën "Portreti i një gruaje" ekziston në fakt, por është në një koleksion privat dhe ekspozohet rrallë. Kjo pikturë ka shumë të ngjarë të ishte një skicë tjetër që Degas vendosi ta skiconte më vonë.
4 Mikelanxhelo dhe artriti
Michelangelo jetoi deri në moshën 89 vjeç dhe vdiq në 1564. Siç u bë e ditur, në pleqëri ai luftoi me një sëmundje shumë të zakonshme sot: osteoartritin.
Disa vjet para vdekjes së tij, Michelangelo ndaloi së nënshkruar piktura me emrin e tij, duke ia besuar këtë çështje njerëzve të tjerë. Ai gjithashtu ndaloi pikturën (me çdo mjet) dhe kaloi në një çekiç dhe daltë për të kënaqur dëshirën e tij për artin dhe dëshirën për të krijuar bukuri.
Në letrat drejtuar nipit të tij, Michelangelo ankohej për "përdhes" dhe ngurtësi të lëvizjeve të duarve. Në atë kohë, përdhes përdorej për të përshkruar shqetësimin në pothuajse të gjitha nyjet e trupit, por Michelangelo i referohej në mënyrë specifike dhimbjes në duar. Në portretet, ku Michelangelo është paraqitur në pleqëri, duket qartë se artisti vuante nga artriti.
5. Bakusi dhe verdhëza
Në 1592 piktori i famshëm Caravaggio u zhvendos në Romë. Këtu ai u sëmur rëndë, kështu që u detyrua të kalonte gjashtë muaj në spitalin e Santa Maria della Consolazione, ku filloi të pikturonte pikturën e tij të famshme "Sick Bacchus" (ose "Bacchino Malato"). Mbi të shohim Bacchus me lëkurë të verdhë, e cila është simptomë e verdhëzës. Me sa duket, ishte për shkak të kësaj sëmundjeje që Caravaggio përfundoi në spital për një kohë kaq të gjatë.
Bacchus, sipas mitologjisë romake, ishte perëndia e verës. Duke ditur se simptomat e alkoolizmit kronik përfshinin një ngjyrë të verdhë, Caravaggio vendosi që kujdestari më i mirë për një portret të një perëndie që vuante nga alkoolizmi do të ishte ai vetë.
Fakti që Caravaggio zgjodhi të përdorte vuajtjet e tij për të përshkruar Bacchus-in duke vdekur nga dehja tregon përkushtimin e artistit ndaj punës së tij.
6. Andrew Wyeth dhe Helga
Në mesin e viteve 1980, artisti amerikan Andrew Wyeth tronditi botën e artit me mbi 200 portrete të së njëjtës grua që ai krijoi gjatë një dekade. Këto piktura dhe vizatime u bënë të njohura si "Portretet e Helgës". Kur Wyeth i krijoi ato, ai e mbajti atë një sekret të ruajtur nga afër. As gruaja e tij nuk dinte për këto portrete.
I vetmi person që Wyeth i tha për Helgën ishte e dashura e tij, Nancy Hoving. Ajo u betua të ruante sekretin që i ishte besuar.
Sipas Hoving, Wyeth "i pëlqente të krijonte mistere ... për t'i zgjidhur ato më vonë." Në shumë piktura, Helga është paraqitur e zhveshur.
Wyeth tha se gruas së tij nuk i pëlqente kur pikturonte modele nudo, ndaj ai, nga respekti për të, zgjodhi të mos zbulonte ekzistencën e pikturave me Helgën derisa t'i prezantonte ato në publik.
7. Burri në dhomën blu të Pikasos
Picasso pikturoi Dhomën Blu në 1901 gjatë të ashtuquajturës Periudha Blu. Në atë kohë, Picasso nuk kishte para dhe ai ishte vazhdimisht në depresion. Artisti shprehu melankolinë e tij me ndihmën e bojrave blu dhe blu. Piktura "Dhoma blu" ka tërhequr gjithmonë kritikët e artit për shkak të goditjeve të çuditshme që përdori Picasso.
Kur studiuesit studiuan dhomën blu duke përdorur teknologjinë infra të kuqe, ata zbuluan një burrë misterioz me një kravatë poshtë pikturës. Nuk e dimë se kush ishte dhe pse e pikturoi Pikaso. Është e mundur që ishte Ambroise Vollard, tregtari parizian i artit që e ndihmoi Picasson të organizonte ekspozitën e tij të parë. Të gjithë e dimë se Picasso, për shkak të gjendjes së tij të keqe financiare, nuk kishte mundësi të blinte piktura, ndaj vendosi të pikturonte "Dhomën Blu" mbi një portret të papërfunduar të një njeriu me një kravatë.
8 Turbulenca dhe Nata me Yje
Një nga veprat më të habitshme të Van Gogh është piktura "Nata me yje", të cilën ai e pikturoi në vitin 1889, kur ishte në një spital psikiatrik. Kjo ndodhi gjatë një prej episodeve më të këqija psikotike të Van Gogh-ut, megjithatë, ishte falë tij që ai krijoi një vepër arti, e cila, siç doli relativisht kohët e fundit, përmbante një fakt shkencor të zbuluar vetëm në vitet 1940, shumë vite pas vdekjes. të artistit të madh.
Turbulenca dhe rrjedha e turbullt janë më të vështira për t'u përshkruar sesa mekanika kuantike. Sidoqoftë, në pikturën e tij "Nata me yje", Van Gogh në të vërtetë përshkruante turbulencat ideale. Pikturat e tij të tjera nga kjo periudhë gjithashtu përshkruajnë turbulencë ideale. Kjo i bëri historianët e artit të besonin se ndërsa ishte në një gjendje çekuilibri mendor, Van Gogh ishte në gjendje për mrekulli të shihte dhe të vizatonte turbulenca shumë dekada përpara se ky fenomen të përshkruhej për herë të parë.
9. Katarakta e Monet
Një nga shenjat dalluese të impresionizmit janë pikturat e mjegullta dhe të paqarta. Piktori më i famshëm impresionist është Claude Monet, pikturat e të cilit në vitet e fundit jeta e tij bëhej gjithnjë e më e turbullt dhe e shurdhër. Ky përkeqësim në veprimtarinë e tij krijuese mund të shpjegohet me kataraktin që ai zhvilloi me kalimin e moshës.
Ndikimi i shikimit të dobët shihet qartë në pikturën e Monet "Ura Japoneze" (1922), e cila ishte pikturuar me ngjyra jashtëzakonisht të ndritshme. Ndoshta ai e ka nxjerrë atë nga kujtesa, duke kompensuar disa ngjyra dhe nuanca për ta bërë atë të mprehtë.
Në vitin 1923, Monet më në fund ra dakord për një operacion, pas së cilës ai dogji shumicën e pikturave të tij të vjetra, pasi kuptoi se sa i tmerrshëm ishte shikimi i tij.
10. Goya dhe Joseph Bonaparte
Në 1823, artisti Francisco Goya krijoi një portret të Don Ramon Satue, një gjyqtar i Gjykatës së Lartë të Spanjës. Megjithatë, nën shtresën e bojës, mund të ketë një figurë historike që ishte shumë më e rëndësishme dhe më e famshme se Satue. Bëhet fjalë për Joseph Bonaparte, vëllai i perandorit francez Napoleon. Joseph Bonaparte u emërua nga vëllai i tij Mbreti i Spanjës, të cilin ai e sundoi nga 1809 deri në 1813.
Me ndihmën e rrezeve X, nën portretin e Satue u gjet një Joseph Bonaparte i pikturuar me uniformë me medalje. Portreti u pikturua gjatë mbretërimit të tij dhe Goya bëri çmos për ta fshehur atë.
Goya i mbijetoi shumë prej trazirave politike që prekën Spanjën në fillim të viteve 1880. Pasi trupat Napoleonike u tërhoqën nga vendi, u bë e rrezikshme mbajtja e gjërave që lidheshin me regjimin. Për këtë arsye, Goya vendosi të pikturojë gjyqtarin Ramon Satue në portretin e ish-mbretit të Spanjës. Sekreti i tij u zbulua vetëm pas 200 vjetësh.
Por jo të gjitha teoritë për kuptimin e veprave janë qartësisht kaq delirante. Disa arrijnë të jenë edhe shumë bindës dhe të çiltër në të njëjtën kohë.
1 Satiri që qan për një nimfë tregon vërtet një vrasje brutale
Piktura u pikturua nga Piero di Cosimo në 1495 dhe supozohet se përshkruan një skenë nga Metamorfozat e Ovidit. Në këtë histori, Procris u vra aksidentalisht në pyll nga burri i saj, gjahtari Cephalus, i cili ngatërroi gruan e tij me një bishë të egër dhe e goditi me shtizë.
Kjo është një zgjedhje tipike e skenës për një artist të rilindjes, por ka një problem. Një studim i kujdesshëm tregon se Procris i përshkruar në pikturën e Cosimo nuk mund të ishte vrarë rastësisht.
Sipas profesorit britanik Michael Baum, të gjitha shenjat tregojnë se kanavacë përshkruan një vrasje brutale. Procris ka plagë të thella në krahun e saj, sikur po përpiqej të shmangte sulmet me thikë. Së fundi, ka edhe një plagë në qafë.
Në vend që të përshkruaj një skenë nga romani, piktura e Cosimo na tregon pasojat e një sulmi të dhunshëm me thikë. Ndoshta nuk është bërë me qëllim. Profesor Baum dyshon se Cosimo i kërkoi morgut lokal t'i jepte një kufomë për të skicuar viktimën e vrasjes.
2 Diego Rivera dëshmoi se JD Rockefeller Jr. kishte sifilis
Vepra e Diego Rivera "Njeriu që kontrollon universin" është një nga krijimet e dukshme në artin meksikan të pikturës. Murali fillimisht ishte porositur për Rockefeller Center, por më vonë u rimodelua në Mexico City pasi Nelson Rockefeller shkatërroi muralin.
Atij nuk i pëlqente që Lenini ishte përshkruar në të. Rivendosja e figurës ishte gjithashtu një akt monumental hakmarrjeje. Murali pretendon se babai i Nelson Rockefeller kishte sifiliz.
Një nga elementët kryesorë të pikturës ishin episodet e zbulimeve më të fundit shkencore. Galaktikat, yjet që shpërthejnë, shumë baktere që notojnë mbi kokat e burrave dhe grave...
Pasi Nelson Rockefeller shkatërroi versionin origjinal, Rivera pikturoi babanë e tij, J.D. Rockefeller, Jr., të rrethuar nga bakteret që shkaktojnë sifilizin.
Kjo nuk është e gjitha. Përkundër faktit se J. D. Rockefeller Jr. ishte një teetotaler gjatë gjithë jetës së tij, Rivera e pikturoi atë me një martini në dorë dhe gra që dukeshin si prostituta. Për të rritur efektin, ai vendosi Leninin në plan të parë.
3. Në pikturën “Isabella” një burrë fsheh ereksionin e tij
Një nga ndriçuesit e lëvizjes para-rafaelite, John Everett Millais, është ndoshta më i njohur sot për pikturën Ophelia. Të paktën kështu ishte deri në vitin 2012, kur studiuesit zbuluan diçka të papritur në pikturën e tij Isabella. Ai përshkruan një skenë nga Dekameroni i Boccaccio-s dhe hija e një penisi të ngritur duket qartë në tryezën e banketit.
Dekameroni është një nga librat më erotikë shkruar ndonjëherë, dhe fotografia është plot me referenca për seksualitetin. Këmba e shtrirë e personazhit është një simbol fallik dhe një grumbull kripe të derdhur pranë hijes së penisit ndoshta simbolizon një farë. Duket e turpshme, por në të njëjtën kohë nuk është aspak si pornografia e zakonshme.
4. La Primavera shpreh dashurinë për kopshtarinë
Kjo është një nga veprat më të famshme të Botticelli në Galerinë Uffizi në Firence. La Primavera është gjithashtu një nga pikturat më enigmatike të Botticelli. Për shkak të faktit se ajo përshkruan një grup grash që ecin nëpër qiell si nëpër një livadh, ekspertët ende argumentojnë se fotografia ka një kuptim alegorik.
Por ka një teori që dallohet nga të gjitha të tjerat për provat dhe çuditshmërinë e saj, i cili pretendon se piktura ka të bëjë me kopshtarinë.
Ky version duket i besueshëm për shkak të skrupulozitetit të lë pa frymë me të cilin autori përshkruan çdo bimë. Sipas vlerësimeve zyrtare, piktura përshkruan të paktën 500 bimë të ndryshme të përpunuara me kujdes nga pothuajse 200 lloje të ndryshme.
Disa besojnë se këto ishin të gjitha bimë që u rritën në Firencen e shekullit të 15-të dhe lulëzuan nga marsi deri në maj. Të tjerë pretendojnë se Botticelli i shpiku vetë këto bimë, veçanërisht për këtë foto.
5. "Mësimi muzikor" është i mbushur me seksualitet
Krijuar nga Johannes Vermeer në vitet 1660, Mësimi i Muzikës konsiderohet si një nga pikturat më të mëdha të jetës holandeze në shekullin e 17-të. Një vajzë e re mësohet të luajë klaviçen nga një mësues i pashëm.
Ky është një përshkrim fotorealist i një dite tipike të shoqërisë së lartë gjatë kohës së Vermeer-it. Të paktën ky është shpjegimi standard. Disa besojnë se fotografia është e përshkuar me seks dhe pasion të fshehur.
Sipas kësaj teorie, piktura është e mbushur me të dhëna të vogla për të kuptuar tensionin seksual mes vajzës dhe mentorit të saj. Nuk është për t'u habitur që imazhi i një vajze lidhet me virgjërinë, por pasqyra mbi klaviçen tregon se vajza në të vërtetë po shikon mësuesin teksa luan.
Enë e verës është një afrodiziak, ndërsa mjeti në dysheme interpretohet si një simbol i madh falik. Nëse e konsiderojmë fotografinë nga ky këndvështrim, atëherë mund të supozohet madje se shikuesi është një soditës.
Dhe nuk është vetëm rasti me këtë foto. Disa historianë arti argumentojnë se prania e muzikës në pikturat e Vermeer simbolizon gjithmonë seksualitetin, gjë që e bën punën e tij shumë të çuditshme.
6. Cafe Terrace at Night të kujton Darkën e Fundit
E pikturuar në vitin 1888, "Night Café Terrace" është një nga më të mirat vepra të rëndësishme Van Gogh, duke zbuluar plotësisht stilin e veçantë të artistit. Ajo është gjithashtu një nga të preferuarat e tij. Por disa argumentojnë se ka një nëntekst shumë më të thellë. Një teori e kohëve të fundit është se Café Terrace at Night i referohet Darkës së Fundit.
Që në moshë të re Van Gogh ishte jashtëzakonisht fetar. Babai i tij ishte një prift protestant dhe kritikët me ndikim të artit pohojnë se pikturat e artistit janë të mbushura me imazhe të krishtera.
Në rastin e "Night Café Terrace", kjo përfytyrim manifestohet në formën e Jezusit që vjen për të ngrënë me dishepujt e tij. Po t'i shikoni nga afër restorantet, mund të shihni se janë dymbëdhjetë prej tyre dhe ata janë ulur rreth figurës qendrore me flokë të gjatë.
Është e qartë se ka madje një numër kryqesh të fshehura në foto, duke përfshirë një direkt mbi figurën e Krishtit. Ka prova të tjera për të mbështetur këtë teori.
Kur Van Gogh i shkroi vëllait të tij për pikturën, ai pretendoi se bota kishte "nevojë të madhe" për fenë. Ai ishte gjithashtu shumë i magjepsur nga Rembrandt dhe shprehu dëshirën për të ringjallur stilin e tij me simbolikë delikate të krishtera. Café Terrace by Night mund të jetë prova se në fund ia doli.
7. “Alegoria me Venusin dhe Kupidin” paralajmëron për sifilizin
Një foto që tregon Venusin dhe Cupidin gati për të bërë seks me një burrë tullac në sfond gjithmonë nxit imagjinatën. Edhe sipas standardeve të kohës, piktura e Agnolo Bronzino-s "Alegoria me Venusin dhe Kupidin" është paksa e errët.
Pavarësisht vlerësimeve të nxehta për veprën si një pikturë erotike e "bukurisë së veçantë", ka shumë dëshmi se ky është vërtet një paralajmërim për sifilizin. Këtë e dëshmon figura ulëritës në anën e majtë të figurës.
Megjithëse përshkrimi klasik i pikturës thotë se kjo është një metaforë për xhelozinë ose dëshpërimin, ekzaminimi i afërt zbulon se ajo është në të vërtetë shumë e sëmurë. Gishtat e figurës janë të fryrë, si të pacientëve me sifiliz, u mungojnë thonjtë dhe flokët kanë shenja alopecie sifilitike. Mishrat pa dhëmbë sugjerojnë helmim me merkur, i cili përdorej për trajtimin e sifilizit në Italinë e Rilindjes.
Njëri prej personazheve ka një gjemb trëndafili në këmbë, por ai nuk e vëren atë. Kjo mungesë ndjesie do të jetë rezultat i drejtpërdrejtë i mielopatisë sifilitike. Me fjalë të tjera, fotografia përshkruan vuajtjet që i presin në të ardhmen ata që ndjekin pasionet.
8. El Autobus flet për një aksident të tmerrshëm
Piktura e artistes meksikane Frida Kahlo El Autobus, e pikturuar në vitin 1929, tregon jetën e komunitetit meksikan. Një shtëpiake, një punëtore, një nënë indiane dhe një biznesmen i pasur gringo, pavarësisht dallimeve sociale, janë duke pritur për një autobus pranë një vajze që me siguri do të thotë vetë Frida. Të gjithë personazhet në këtë foto nuk e dinë se i pret një aksident i tmerrshëm.
Në vitin 1925, Kahlo po udhëtonte me një autobus që u përplas me një tramvaj. Përplasja ishte aq e fortë sa trupi i Kahlo u shpua me një parmak metalik.
Puna e saj e mëvonshme shpesh i referohet këtij aksidenti, duke lënë të kuptohet se ajo i mbijetoi përplasjes si një mrekulli. El Autobus gjithashtu nuk bën përjashtim. Ka spekulime se punëtori në pikturë është i njëjti person që i ka shpëtuar jetën Kahlo-s duke i hequr nga trupi parmakun e thyer.
9. Foto të shkollës holandeze të pikturës - foto në foto
Epoka e artë holandeze e pikturës është e dyta vetëm pas Rilindjes Italiane. Ashtu si në epokat e tjera, edhe këtë herë kishte veçoritë e veta në modë dhe pikturë, njëra prej të cilave ishte se artistët pikturonin “fotografi brenda fotos”.
Këto “fotografi brenda fotove” u pikturuan jo vetëm nga Vermeer dhe shokët e tij në penel. Disa besojnë se piktura të tilla përmbajnë një kod të veçantë karakteresh. Një shembull i këtij stili është piktura "Slippers" nga Samuel van Hoogstraten.
Në pamje të parë, piktura tregon një sallë të zbrazët me dy palë pantofla të shtrira në mes të saj. Në murin e sallës është varur një pikturë e Caspar Netscher "Një baba qorton vajzën e tij".
Në pamje të parë, asgjë e pazakontë. Por njohësit modernë të artit holandez e dinë se piktura e Netsher është pikturuar në një bordello. Mesa duket këto shapka i përkasin një burri dhe një gruaje, por duke qenë se salla është bosh, ata mund të kenë shkuar për të bërë seks.
Në raste të tjera, kodi ishte më i hollë. Në pikturat "Burri që shkruan një letër" dhe "Gruaja duke lexuar një letër" (në foto), Gabriel Metsu përshkruan një të ri duke shkruar një letër për të dashurin e tij dhe duke e lexuar atë.
Në foton e dytë, imazhi i një anijeje në një det të stuhishëm simbolizon natyrën e stuhishme të lidhjes së tyre të ardhshme. Në pikturën "Letër dashurie" nga Vermeer, një anije nën retë ogurzezë frymëzon mendimin e një lajmi të keq të mundshëm.
Mund të gjeni qindra shembuj të këtyre pikturave holandeze "brenda figurës" që ndryshojnë në mënyrë delikate kuptimin e imazhit kryesor.
10. Veprat e L. S. Lowry janë plot vuajtje të fshehura.
Ky artist i mesit të shekullit të 20-të është i njohur për pikturat e tij që përshkruajnë veriperëndimin e Anglisë. L. Lowry shpesh pikturonte skena të mëdha urbane me turma "mashtruesish". Edhe pse ai ishte i njohur, bota e artit nuk i njihte pikturat e tij për një kohë të gjatë, duke i konsideruar ato të parëndësishme. Në fakt, pikturat e Lowry-t janë të mbushura me vuajtje të fshehura njerëzore.
Në kanavacën e vitit 1926 "Aksident" vizatohet një turmë njerëzish që janë mbledhur pranë liqenit dhe e shikojnë atë. Në fakt, artisti u frymëzua nga skena e vetëvrasjes në këtë vend, dhe turma u mblodh për të parë kufomën e të mbyturit.
Piktura të tjera të Lowry tregojnë personazhe që shikojnë grushta, fatkeq që dëbohen nga shtëpitë e tyre ose thjesht njerëz që shikojnë nga dritaret me humor të dëshpëruar.
Tragjedia nuk del kurrë në asnjë foto. Të gjithë njerëzit e tjerë vazhdojnë të jetojnë të tyren jeta e përditshme të pavetëdijshëm për vuajtjet e fqinjëve të tyre. Në këtë botë, ne jemi plotësisht vetëm dhe dhimbja jonë nuk do të thotë asgjë për të tjerët. Dhe ky është ndoshta mesazhi më i tmerrshëm i fshehur.
Cila gjuhë kuptohet nga të gjithë sllavët?
Çfarë gabimi bëjnë pothuajse të gjithë kur përdorin një thikë tavoline?
Disa vepra arti me famë botërore fshehin sekrete që as shkencëtarët modernë nuk kanë mundur t'i zbulojnë ende. Në rishikimin tonë, dhjetë vepra arti me një histori misterioze, e cila megjithatë i bën ato edhe më tërheqëse.
Vajza me një vath perle
Pavarësisht nga të gjitha teoritë, askush nuk e di se kë ka portretizuar saktësisht Jan Vermeer në 1665 në pikturën e famshme "Vajza me një vathë perla". Ajo duket sikur nuk e ka idenë se po vizatohet. Disa thanë se kjo ishte vajza e Vermeer-it, të tjerë se kjo ishte zonja e tij, dhe të tjerë thanë se ky ishte një imazh i shpikur, dhe në jeta reale ajo nuk ka ekzistuar kurrë. E vetmja gjë që mund të thuhet me siguri është se vajza ka veshur një bizhuteri shumë të shtrenjtë. Identiteti i vetë Vermeer-it mbetet një mister. Dihet shumë pak për jetën e tij. Ndoshta vetëm ai Jan jetonte gjithmonë në qytetin e Delft dhe kishte 15 fëmijë.
Dy piktura në një
Ndërsa restauronte një kryevepër nga Robert Reid, një impresionist amerikan i shekullit të 20-të, restauratori Barry Bauman u mahnit kur zbuloi se një kanavacë tjetër fshihej nën shtresën e bojës së pikturës së restauruar. Kjo pikturë e fshehur, e quajtur "Në kopsht", përshkruante një grua të re. Ajo u ul në një tryezë në ajër të hapur dhe lexoi diçka duke pirë çaj. Shumë artistë pikturojnë në krye të një pjese të një pikture, por Reed, për arsye krejtësisht të panjohura, bëri një pikturë të dytë mbi një të parë krejtësisht të përfunduar. Gjithçka që dihet për Reid është se ai ishte një lojtar i etur dhe vdiq para Depresionit të Madh në Amerikë.
Dashuria dhe tradhtia nga Wally Neusel
Në fillim të viteve 1900, Wally Neusel ishte muza misterioze e piktorit austriak Egon Schiele. Ajo u shfaq në disa nga pikturat e tij (përfshirë ato erotike) dhe besohet se ishte e dashura e tij. Neusel vinte nga një familje e varfër në Tattendorf, Austri, dhe u takua me Schiele kur ajo ishte vetëm 16 vjeç. Me kalimin e kohës, marrëdhënia e tyre u shndërrua në një marrëdhënie thjesht profesionale. Schiele u largua papritur nga Neusel në 1915 për t'u martuar me një grua më të respektuar.
Arma e fshehur e Davidit
Ende debatohet nëse statuja e Davidit e Mikelanxhelos ka një armë të fshehur në dorën e djathtë. Disa sugjerojnë se Davidi mban një fustibal të fshehur në dorë (një armë gjuajtëse që ishte një hobe e ngjitur në një shkop, që ju lejon të hidhni gurë deri në 180 metra). Sipas Biblës, Davidi kishte vetëm një hobe dhe pesë gurë kur doli për të luftuar Goliathin. Që nga krijimi i skulpturës nga Michelangelo, të gjithë menduan se Davidi kishte një hobe në dorë. Por disa studiues sot argumentojnë se rripat e hobesë janë të lidhura me diçka në dorën e Davidit që mund të jetë shumë mirë një dorezë fustibale.
Statuja e Jezusit me dhëmbë të vërtetë
Në një qytet të vogël meksikan, u zbulua rastësisht se një statujë 300-vjeçare e Jezusit ka dhëmbë të vërtetë njeriu me rrënjë. Askush nuk e di se nga kanë ardhur këta dhëmbë, sepse në traditat fetare të kohëve të hershme, ishte zakon të gdhendeshin flokët dhe dhëmbët nga statujat nga kockat e kafshëve. E krijuar në shekullin e 18-të, statuja e Krishtit ishte gati për t'u restauruar përpara se të bëhej me rreze X. Restauruesit u tronditën kur gjetën dhëmbë të njeriut të ruajtur në mënyrë perfekte në rrezet X.
Imazhi i një burri nën portretin e një hekuri
Falë përdorimit të një kamere me rreze infra të kuqe gjatë restaurimit, nën portretin e The Ironer (Pablo Picasso, 1906) u zbulua një pamje krejtësisht e ndryshme. Kjo pikturë e dytë kishte një imazh të përmbysur të një njeriu me mustaqe. Shkencëtarët ende nuk e dinë se kush ishte ky njeri dhe nëse ishte Picasso që e pikturoi atë. U parashtruan versione të ndryshme - nga një autoportret deri tek fakti se ky është një njohje e artistit.
Studioni nën dritën e qiririt
Ka ende debat rreth pikturës "Studimi nën dritën e qiririt" - nëse ajo i përket penelit të Vincent van Gogh, apo nëse është e rreme, siç pretendon nipi i tij. Piktura duket si një autoportret i Van Gogh-ut, por e treta e poshtme e saj është e papërfunduar dhe gjithashtu përmban një imazh të çuditshëm që duket si një aktor japonez kabuki. Ky imazh në fund të autoportretit u plotësua me bojë, jo me bojë. Fotografia u ble për herë të parë nga William Goetz, një ekzekutiv në Universal Pictures, në vitin 1948. Në atë kohë u vërtetua autenticiteti i veprës. Por më vonë, nipi i Van Gogh deklaroi se "Studimi nga drita e qiririt" ishte një false.
Mungon balerina
Askush nuk e di se si piktura "Dancer Making Points" nga Edgar Degas u zhduk nga banesa e ish-pronarit të saj, milionerit të izoluar Huguette Clark. Por kur piktura u shfaq në shtëpinë e Henry Bloch, koleksionist arti dhe bashkëthemelues i H&R Block, Clark paraqiti një ankesë në FBI duke pretenduar se piktura ishte e saj. Edhe pse Clarke nuk pretendoi kurrë se piktura mungonte, dhe Bloch pretendoi se e kishte blerë ligjërisht, piktura iu kthye Huguette Clarke. Pas kësaj, avokati i milionerit e transferoi menjëherë pikturën në Muzeun e Artit Nelson-Atkins. Clarke mori një shumë të madhe kompensimi dhe Bloch u lejua të varte pikturën në shtëpinë e tij deri në kohën e vdekjes së tij, pas së cilës piktura duhet të ritransferohej në muze.
Grabitja e muzeut të Isabella Stewart Gardner
Në vitin 1990, grabitja më e madhe në botë ndodhi në Muzeun Isabella Stewart Gardner në Boston. Dy kriminelë të maskuar si policë vodhën piktura të Edgar Degas, Rembrandt dhe Jan Vermeer me vlerë rreth 500 milionë dollarë. Mbi 25 vjet, hetuesit kanë bashkëpunuar me dhjetëra njerëz që dyshohet se kanë folur në emër të informatorëve me informacione për rrëmbimin. Por çdo herë gjërat vinin në vend. Tani shpërblimi për informacionin që do të çojë në kthimin e pikturave është tashmë sa 5 milionë dollarë. Por asnjë nga pikturat nuk është gjetur ndonjëherë.
Një tjetër Mona Lisa
Shumë njerëz besojnë se ekziston vetëm një "Mona Lisa" - pikturë e famshme në Luvër. Në fakt, ekziston një tjetër portret në Muzeun Prado në Madrid, i cili është pikturuar ose nga vetë da Vinçi ose nga një student i tij. Në të njëjtën kohë, fotografia nuk është një kopje e asaj që ndodhet në Luvër. Është interesante se piktura e dytë ka një këndvështrim paksa të ndryshëm, i cili mund të krijojë një efekt 3-D. Gjithashtu, pak njerëz e dinë se ekziston një imazh tjetër i së njëjtës grua nga Leonardo da Vinci - piktura Isleworth Mona Lisa, e cila njihet nga disa ekspertë si versioni më i hershëm i kanavacës.
ARTI DHE HISTORIA: THELBI I NDËRVEPRIMIT Semenova A. N., Tarasova M. V. SibFU, Instituti Humanitar, Fakulteti i Historisë së Artit dhe Studimeve Kulturore, Departamenti i Historisë së Artit Krasnoyarsk, Rusi ART DHE HISTORIA: NATYRA E NDËRMARRJEVE Semenova A. N., Tarasova M. V. Universiteti Federal i Siberisë, Instituti i Shkencave Humane, Departamenti i Studimeve të Artit dhe Kulturës Krasnoyarsk, Rusi ndikimi i ngjarjeve historike në art në kohë është i pakundërshtueshëm. Stilet e reja në art u ngritën për shkak të ndryshimeve në qëndrimin e një personi ndaj botës, të cilat ishin rezultat i rrjedhës së vazhdueshme të kohës, ngjarje të rëndësishme historike u regjistruan në veprat e kulturës artistike, sikur të ilustronin epokën. Përveç kësaj, çdo person i artit i përket një kohe të caktuar dhe, të paktën indirekt, pasqyron situatën aktuale historike në veprën e tij. Arti, pra, bëhet një lloj kronike e epokave në ndryshim, duke regjistruar të gjitha ndryshimet e kohës më saktë se çdo shkencëtar. Por a e ndjek arti gjithmonë vetëm historinë, ndonjëherë duke e kapur, herë duke mbetur pas ngjarjeve të realitetit modern? Ndoshta ndodh që historia detyrohet t'i nënshtrohet fuqisë së artit dhe të zhvillohet nën ndikimin e tij në një mënyrë tjetër? Në fund të fundit, si historia, arti është vepër e njeriut dhe gjithçka varet vetëm nga çfarë lloj njerëzish do të jenë në një epokë të caktuar. më e nevojshme për një person epoka në përgjithësi: njerëz që ndryshojnë historinë, apo njerëz që krijojnë ideale, vepra arti? Ky problem mbetet i rëndësishëm në kohën tonë, pasi ndikimi i ndërsjellë i historisë dhe artit krijon një pamje të botës së një epoke të caktuar në tërësi. Nëse supozojmë se fakti i ndikimit të kundërt është i mundur, atëherë për ta vërtetuar atë, është e nevojshme të merren parasysh njëkohësisht proceset historike dhe artistike dhe të kuptohet ndërveprimi i tyre. Një ngjarje kaq domethënëse për historinë si Lufta Njëqindvjeçare midis Anglisë dhe Francës (1337-1453) u bë një epokë e tërë brenda mesjetës evropiane dhe konflikti më i gjatë ushtarak në historinë e njerëzimit. Këto kohë ishin veçanërisht të vështira për Francën, territori i së cilës u bë skena e armiqësive dhe kontradiktave të brendshme. Me gjithë vështirësitë, Franca arriti të fitojë luftën 116-vjeçare për lirinë e saj, e cila u soll në vend kryesisht nga njerëzit e thjeshtë, të ngritura nga thirrjet e Joan of Arc dhe patriotëve të tjerë. kulturën e artit Koha e Luftës Njëqindvjeçare karakterizohet, interesant, jo nga rënia, por, përkundrazi, nga një ngritje e fortë. Në mes të vdekjes dhe sëmundjeve, fatkeqësive dhe shkatërrimeve, paradoksale është ndërtimi i tempujve gotikë "të ajrosur" që ngrenë lart lutjet e një personi që vuan për shpëtimin ndaj Zotit. Në fund të shekullit XIV - fillimi i shekujve XV. po bëhet një tranzicion nga gotiku i pjekur i Francës në atë të fundit në lidhje me dëshirën e dëshpëruar të një personi për t'u shpëtuar midis gjithçkaje që ndodh përreth, për t'i bërtitur Zotit me çdo mjet. Kjo është koha e disfatave më të vështira për vendin, praktikisht të zhveshur nga pavarësia dhe të kapur nga britanikët. Tempujt gotik të vonë u zgjatën edhe më lart, elementët dekorativë marrin një formë të zjarrtë, qiellore. Ashtu si një zjarr flakëron në shpirtin e një besimtari, edhe vetë tempulli bëhet pothuajse plotësisht transparent nga dritaret me xham, duke përfaqësuar qytetin malor në mes të kaosit tokësor. Për më tepër, zhvillimi i vetë llojit të katedrales së qytetit është tregues, duke akomoduar (mbledhur) të gjithë popullsinë e qytetit dhe duke qenë "zemra" e tij. Vëllimet e saj të bashkuara i bashkojnë besimtarët në një shtysë të vetme lutjeje, ashtu si lëvizja popullore bashkoi pothuajse të gjithë popullsinë e Francës nën flamujt e saj për të luftuar për lirinë e atdheut të tyre. Skulptura e tempullit të tempujve gotikë, duke gjallëruar katedralet, në epokën e Luftës Njëqindvjeçare, i kushton vëmendje të madhe Nënës së Zotit. Forcimi i kultit të saj flet për nevojën në botëkuptimin e një personi gjatë Luftës Njëqindvjeçare për të gjetur paqen me një Hyjni të afërt, njerëzore. Imazhi i Nënës së Zotit shfaqet këtu gjithashtu si imazhi i Nënës së gjithë njerëzimit, i gatshëm për të dëgjuar të gjitha dhimbjet e një personi të pafat dhe për t'i përcjellë lutjet Zotit. Dëshira për të ndryshuar realitetin e tmerrshëm vërehet jo vetëm në artin e tempullit, por edhe në letërsinë popullore, ku u shfaqën këngë, të përpiluara nga njerëzit e thjeshtë, që përshkruanin vështirësitë e jetës dhe shpresat për një të ardhme më të ndritshme. Imazhet artistike të krijuara gjatë Luftës Njëqindvjeçare ndihmuan një person të kuptojë se ai është në gjendje të fitojë, dhe njerëzit, të bashkuar nga besimi dhe patriotizmi me fuqinë e veprave të artit, ishin në gjendje të çlironin vendin e tyre. Një person i shtypur nga ngjarjet historike mund të gjejë një rrugëdalje nga një krizë shpirtërore me ndihmën e kulturës artistike. Janë veprat e artit që ndikojnë më fort në botën e brendshme të një personi, ndryshojnë qëndrimin e tij ndaj botës. Një person ekziston në një realitet të caktuar, të cilin ai kërkon ta ndryshojë. Kjo është e mundur vetëm me ndihmën e artit, ku krijohen hapësira të tilla në të cilat një person është i rrethuar nga një botë tjetër (tempujt ndërtohen gjatë luftës). Duke i ndihmuar njerëzit të gjejnë idealet, arti tregon rrugën drejt një realiteti të ri, i shtyn ata drejt veprimeve që mund të ndryshojnë botën përreth tyre dhe, për rrjedhojë, të ndryshojnë rrjedhën e historisë. Procesi i ndikimit të historisë në art dhe artit në histori nuk ndalet për asnjë moment. Ndikimi i ndërsjellë i pasuron të dyja zonat në zhvillim, gjë që konfirmon rëndësinë e këtij problemi. në mënyrë dinamike
